Con Brad Pitt, Javier Bardem, Damson Idris y Kerry Condon al frente de un elenco sólido y carismático, F1 es una apuesta ambiciosa que no decepciona.
Dirigida por Joseph Kosinski, la película combina con precisión el vértigo del automovilismo con una historia humana de segundas oportunidades, vínculos y redención.
La historia gira en torno a un expiloto retirado (Pitt), que regresa a las pistas para ayudar a un equipo ficticio —APXGP— a salir del fondo de la tabla. Allí deberá trabajar codo a codo con un joven talento (Idris), en un contexto donde conviven la rivalidad, el compañerismo y la presión extrema del mundo de la Fórmula 1.
Las escenas de carrera están filmadas con espectacular realismo y una tensión que se siente en el cuerpo, pero lo que sostiene la película es la química entre sus protagonistas y una trama emocional bien desarrollada. A pesar de su duración —algo extensa—, el ritmo narrativo es ágil y la historia fluye con naturalidad, sin volverse pesada.
No hace falta ser fanático de la Fórmula 1 para disfrutarla: F1 entretiene, conmueve y ofrece un espectáculo visual de alto nivel (INCLUIDO BRAD Y JAVIER jajaja) respaldado por actuaciones comprometidas. Una película que acelera, pero también sabe frenar en los momentos justos para tocarnos el corazón.
Con “Cómo entrenar a tu dragón (live action)”, el director Dean DeBlois regresa a la saga que lo consagró como uno de los narradores más sensibles y visualmente poderosos del cine de animación. Pero esta vez, el desafío era distinto: reimaginar en acción real uno de los universos más queridos de DreamWorks sin traicionar su esencia, y lo logra con un respeto admirable por el material original, sumando una épica visual renovada que no pierde el alma.
La historia es la misma que enamoró a millones /me incluyo) en 2010: en la isla vikinga de Berk, donde dragones y humanos viven en guerra, un adolescente torpe e inteligente llamado Hipo (interpretado con ternura y carisma por Mason Thames) forja una improbable amistad con Chimuelo, un dragón de la temida especie Furia Nocturna. Ese vínculo transformará no solo su destino personal, sino el de toda su comunidad. Lo que parecía una típica historia de iniciación se convierte en una metáfora luminosa sobre la empatía, el valor de pensar diferente y la reconciliación con lo que tememos.
El punto a favor de la peli es cómo respeta el corazón emocional del filme animado, aportando una nueva dimensión visual sin caer en el efectismo vacío. Gerard Butler, retomando su rol como Estoico el Vasto, aporta solidez y emoción, anclando la relación padre-hijo en un terreno más terrenal. La química entre Hipo y Chimuelo, sostenida por una lograda combinación de efectos digitales y dirección sensible, funciona a la perfección: el dragón no solo es creíble, es entrañable.
DeBlois, nominado al Oscar y ganador del Globo de Oro por esta misma saga en su formato animado, dirige esta versión en carne y hueso con solidez y confianza. El mundo vikingo y la música —sin la partitura original de John Powell pero evocando sus tonos— acompaña con belleza las escenas más íntimas y las más épicas, donde seguramente podras sonreir y dejar caer alguna lagrima….
No es fácil adaptar una película animada tan icónica y convertirla en algo más que un simple ejercicio de nostalgia. Esta live action lo consigue, y lo hace sin ruido ni grandilocuencia innecesaria: con el corazón en el lugar correcto, igual que su protagonista. Para quienes crecieron con la versión animada y para nuevas generaciones, Cómo entrenar a tu dragón en acción real es un vuelo que vale la pena emprender.
Steven Soderbergh regresa al thriller de espionaje con Código Negro, una obra que combina la elegancia del cine clásico con una modernidad absorbente. En esta historia de lealtades puestas a prueba, el director ganador del Óscar nos sumerge en una intriga sofisticada donde cada mirada y cada silencio cuentan tanto como las palabras.
Debo reconocer que al principio me senti perdida en una locura dificil de entender pero a medida que pasaba la pelicula iba enganchandome con cada situacion de intriga de estos espias
El corazón del film es la encrucijada emocional y moral de George Woodhouse (Michael Fassbender), un agente de inteligencia británico atrapado entre su deber y el amor por su esposa Kathryn (Cate Blanchett, ESPLENDIDA). Soderbergh maneja con maestría esta tensión, evitando los lugares comunes del género y ofreciendo un retrato psicológico profundo, cargado de matices y ambigüedad.
La fotografía es impecable, con una paleta de colores sobria y elegante que resalta la frialdad de los entornos de espionaje. La dirección de Soderbergh mantiene un ritmo envolvente, dosificando la información con precisión quirúrgica para mantener la intriga hasta el final.
El elenco brilla con interpretaciones magnéticas: Cate Blanchett deslumbra con su enigmática presencia, mientras que Fassbender transmite con sutileza el conflicto de su personaje. Regé-Jean Page, Naomie Harris y Pierce Brosnan complementan el reparto con actuaciones sólidas que elevan la narrativa.
Con Código Negro, Soderbergh demuestra una vez más su capacidad para revitalizar géneros clásicos sin perder su sello personal. Un thriller inteligente, estilizado y apasionante que deja al espectador con la sensación de haber presenciado cine de alta calidad. Redondita por donde la mires!
Con el Teatro San Martín como epicentro y su imponente hall como sede de más de veinte actividades especiales con entrada gratuita, el Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI) inicia su 26ª edición con una programación diversa y de gran calidad cinematográfica. El festival, que se extiende por trece días, reafirma a Buenos Aires como una ciudad donde la contracultura y el cine importan.
«BAFICI refleja años de trabajo en torno a una política pública que reafirma que la cultura es una inversión. Buenos Aires es una ciudad donde la contracultura y el cine importan. El cine está vivo y el consumo existe. El desafío es cuidar los recursos y proteger a hacedores, espectadores e industria, con el compromiso de un equipo de enormes profesionales», destacó la ministra de Cultura porteña, Gabriela Ricardes, en el lanzamiento.
La película de apertura será Upa! Una primavera en Atenas, dirigida por Tamae Garateguy, Santiago Giralt y Camila Toker, a 18 años de la primera proyección de la saga que completan Upa! Una película argentina, Upa2! y (Upa!) Una pandemia argentina.
Una Programación de Alto Nivel
Dentro de la Selección Oficial Fuera de Competencia se destacan Eephus de Carson Lund (EE.UU.) y Stranger Eyes de Yeo Siew Hua (Singapur). En la categoría Trayectorias sobresalen títulos como Tardes de soledad de Albert Serra (España), Les Barbares de Julie Delpy (Francia), Caught by the Tides de Jia Zhang-ke (China) y What Does That Nature Say to You de Hong Sang Soo (Corea del Sur).
La sección Rescates traerá filmes restaurados por la Cinemateca Nacional de Chile, como Esperando a Godoy de Cristián Sánchez, Rodrigo González y Sergio Navarro (1973, Chile), inaugurando una subsección que en el futuro destacará el trabajo de otras filmotecas del mundo.
Foco en el Cine Argentino
La competencia argentina incluye filmes de gran interés, como La noche sin mí, de María Laura Berch y Laura Chiabrando, protagonizada por Natalia Oreiro; La virgen de la tosquera, de Laura Casabé, basada en un relato de Mariana Enriquez; y Tesis sobre una domesticación, de Javier Van de Couter, basada en la novela de Camila Sosa Villada y con la autora como protagonista. También se verán trabajos de Ulises Rossell, Lorena Muñoz, Guadalupe Docampo, Matías Szulanski y Lucía Seles.
Retrospectivas y Directores Invitados
Este año se realizará la primera retrospectiva en Argentina del cineasta francés Jacques Rozier. Además, habrá focos especiales en los realizadores Bogdan Mureşanu (Rumania), Ion de Sosa (España) y Antonin Peretjatko (Francia), quienes estarán presentes en el festival.
Sedes y Entradas
Las proyecciones se realizarán en el Teatro Alvear, el San Martín (Sala Lugones), el Cultural San Martín, Cinépolis Plaza Houssay, CineArte Cacodelphia, Espacio INCAA Cine Gaumont y el Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken. Además, se reanudan las funciones de prensa. La entrada general tiene un costo de 3.000 pesos y 2.000 pesos para estudiantes y jubilados. Se recomienda adquirirlas con anticipación, ya que suelen agotarse rápidamente.
Con una programación que equilibra talento emergente y figuras consagradas, el BAFICI reafirma su rol como uno de los festivales más relevantes para el cine independiente en la región.
El cine ha demostrado una y otra vez su capacidad para capturar momentos históricos y cuestionar sus implicancias en la sociedad. Septiembre 5, dirigida por Tim Fehlbaum, se suma a esta tradición con una mirada intensa y profundamente reflexiva sobre el papel de los medios en la cobertura de eventos en vivo. La película te transporta a los Juegos Olímpicos de Múnich de 1972, cuando el equipo de ABC Sports debió transformarse de relator deportivo a narrador de una tragedia en tiempo real.
El film se apoya en un guion tenso y bien construido que logra equilibrar el thriller con el drama histórico. En el centro de la historia está Geoff (John Magaro), un productor con hambre de reconocimiento que se encuentra atrapado entre su deseo de ascenso profesional y las decisiones éticas que deben tomarse en un evento de tal magnitud. Su relación con el legendario ejecutivo de televisión Roone Arledge (Peter Sarsgaard) marca una de las dinámicas más potentes del film, mostrando la lucha entre la inmediatez de la información y la responsabilidad moral de su difusión.
Uno de los puntos más logrados de Septiembre 5 es su recreación de la tecnología de transmisión de la época. Los detalles técnicos sobre cómo se llevó adelante la cobertura son abordados con una precisión que enriquece el relato sin abrumar al espectador. A través de la mirada de Marianne (Leonie Benesch), una intérprete alemana que se convierte en un vínculo clave entre los periodistas y la crisis, la película también explora las dificultades lingüísticas y culturales que enfrentaron los reporteros en ese momento.
El director logra una atmósfera de creciente tensión gracias a una puesta en escena claustrofóbica, que enfatiza el encierro no solo físico sino también moral de los protagonistas.
El film logra su cometido: nos enfrenta a la delgada línea entre informar y explotar una tragedia. Si trabajas o trabajaste o sos apasionado de los medios es NECESARIO que veas esta pelicula. No te la pierdas
Pablo Larraín vuelve a sumergirse en el universo de las biografías con Maria, un film que, lejos de ser un relato convencional sobre la célebre soprano María Callas, se convierte en una exploración profunda de su fragilidad, su arte y su soledad en sus últimos días en París. El director chileno confirma su maestría en la construcción de retratos femeninos complejos, alejados del simple homenaje.
Hablemos de la estetica de esta belleza
La puesta en escena , sin duda, uno de sus mayores logros. Larraín y su director de fotografía crean una atmósfera melancólica que captura la opulencia y decadencia de la diva en sus últimos años. La iluminación tenue, los interiores elegantes pero solitarios, y el uso de primeros planos que revelan cada matiz emocional de Angelina Jolie, construyen un mundo visual que parece una ópera en sí mismo. La cámara se desliza con sutileza, otorgando a cada imagen una calidad pictórica que recuerda a los retratos clásicos de la soprano.
Hablemos de Angelina
Angelina Jolie entrega una interpretación contenida y sofisticada, dejando de lado su habitual energía cinematográfica para sumergirse en la introspección y el dolor de María Callas. Su actuación no es una imitación burda, sino una recreación sensible de la cantante, marcada por sus gestos, su mirada y su voz quebrada. Aunque la película no se centra en las grandes actuaciones operísticas de Callas, cada escena en la que Jolie escucha o revive su música transmite una conexión íntima con su arte y su legado. Aun no entiendo porque no esta nominada como mejor actriz en los Oscars…..
Larraín y su mirada sobre la fama y el aislamiento
MARIA mas que una peli es una experiencia hipnótica para quienes buscan un cine más sensorial y emocional. Un homenaje no a la voz, sino al alma de María Callas.
«Capitán América: Un Nuevo Mundo» (2025) es la cuarta entrega de la saga del Capitán América y la primera protagonizada por Anthony Mackie en el papel de Sam Wilson
En esta nueva aventura, Sam se encuentra colaborando con el presidente de los Estados Unidos, Thaddeus «Thunderbolt» Ross, interpretado por Harrison Ford. La trama se centra en un complot internacional relacionado con el descubrimiento de un nuevo elemento, el Adamantium, y las tensiones globales que este provoca. La narrativa aborda la lucha interna de Sam al asumir el legado de Steve Rogers y las complejidades morales de su alianza con Ross, un personaje con un pasado cuestionable.
La película ofrece entretenimiento,vertigo, aventura y accion .
Sin embargo, otros críticos argumentan que la película no logra escapar de la fórmula establecida por entregas anteriores del Universo Cinematográfico de Marvel, careciendo de innovación y profundidad en su narrativa. Se ha señalado que las secuencias de acción, aunque competentes, carecen de imaginación, y que la película en su conjunto se siente como una repetición de elementos ya vistos en la franquicia. Tal vezz para el fandom que ya tiene una vasta experiencia en disfrutar de sus heroes les cueste asimilar el cambio de actor y la inclusion de un «latino» pero a mi realmente me entretuvo y cumplio mis expectativas.
En resumen, «Capitán América: Un Nuevo Mundo» ofrece una nueva perspectiva con Sam Wilson como el nuevo Capitán América, explorando temas de identidad y legado. Aunque la película presenta actuaciones sólidas y una trama relevante, las opiniones están divididas en cuanto a su ejecución y originalidad dentro del vasto universo de Marvel.
Quedara en vos juzgar si le damos pulgar para arriba o para abajo, espero tus comentarios. Mientras tanto compren pochoclos y gaseosa porque Capitan America ya esta aqui
Y finalmente llego la cuarta entrega de la entrañable saga que sigue las desventuras de Bridget Jones, interpretada magistralmente por Renée Zellweger. En esta ocasión, la película nos presenta a una Bridget más madura, enfrentando los desafíos de la vida como madre soltera tras la trágica pérdida de su esposo, Mark Darcy (no pongas esa cara porque lo dice a los 5 minutos que empieza la peli asi que no te estoy spoileando nada)
La narrativa aborda con sensibilidad y humor el proceso de duelo y la resiliencia de Bridget al reconstruir su vida. El feeback entre Zellweger y los nuevos personajes, como Roxster McDuff, interpretado por Leo Woodall, y el profesor Scott Wallaker, encarnado por Chiwetel Ejiofor, aporta frescura y dinamismo a la historia. Además, el regreso de Hugh Grant como Daniel Cleaver añade una dosis de nostalgia y encanto que los fans de la saga apreciarán.
La dirección de Michael Morris logra equilibrar momentos de comedia y ternura, ofreciendo una experiencia cinematográfica que resonará tanto con seguidores de larga data como con nuevos espectadores. De hecho yo fui a verla con mi hija de 21 años que no habia visto ninguna y le encanto (es mas….le dio la curiosidad de ver las anteriores)
Esta COMEDIA ROMANTICA (y lo pongo con mayusculas porque realmente tiene todos los ingredientes habidos y por haber de una comedia romantica, toooodos) explora temas universales como el amor, la pérdida y la autoaceptación, presentando a una Bridget que, a pesar de las adversidades, mantiene su espíritu optimista y su característico sentido del humor.
«Bridget Jones: Loca por él» es una celebración de la vida, el amor y la capacidad de reinventarse, recordándonos que, sin importar las circunstancias, siempre es posible encontrar la felicidad y redescubrirse a uno mismo. Vayan tranquis que quien escribe fue con su pareja y tambien le gusto…asi que APROBADA POR AMBOS SEXOS jajaja
El director Sean Baker, conocido por abordar las complejidades de la sociedad en películas como Tangerine, The Florida Project y Red Rocket, regresa con Anora, una fascinante reinterpretación del cuento de Cenicienta ambientado en el mundo del lujo y las sombras de las relaciones de poder. Galardonada con la Palma de Oro en Cannes 2024, esta cinta es mucho más que una simple historia romántica; es una reflexión incisiva sobre el deseo, la identidad y los límites del poder económico. Posta que en el final quedas….en silencio y recalculando….
La protagonista, Anora «Ani» Mikheeva (interpretada con una intensidad magnética por Mikey Madison), es una stripper que se convierte en el objeto de deseo de Vanya Zajárov (Mark Eidelstein), el carismático y problemático hijo de un oligarca ruso. Lo que comienza como un tórrido romance de cuentos de hadas pronto se transforma en un retrato oscuro de los sacrificios y peligros que Ani enfrenta al navegar entre el amor, la dependencia económica y la búsqueda de su autonomía.
Quiero destacar también a Yura Borísov como Ígor, el torpe y entrañable secuaz ruso que alberga un amor platónico por Ani. Su presencia ofrece momentos de alivio cómico que contrastan con las tensiones de la trama, sin perder nunca de vista el trasfondo trágico de su personaje.
Aunque las comparaciones con Pretty Woman son inevitables, Anora se aleja de las concesiones románticas de los años 80 para ofrecer una versión más cruda y compleja de la relación entre el amor, el poder y el dinero. Baker explora las dinámicas de clase y género con su característico realismo, otorgando a la película una dimensión política que la eleva por encima de las narrativas tradicionales de cuentos de hadas modernos.
Mufasa: The Lion King es la tan esperada precuela del clásico moderno de Disney. Con una mezcla de nostalgia y una narración visualmente deslumbrante, la película se adentra en los orígenes de uno de los reyes más icónicos del reino animal. Bajo la dirección de Barry Jenkins, esta entrega se propone explorar la juventud de Mufasa y los desafíos que lo moldearon antes de convertirse en el legendario monarca que conocemos.
Cada paisaje, desde las vastas sabanas hasta las tormentas más feroces, está diseñado con una perfección técnica que sorprende. La animacion digital es genial, no se escapa ningun detalle.
La narrativa profundiza en las dificultades de Mufasa como un cachorro huérfano, enfrentando la adversidad y aprendiendo las lecciones que lo convertirán en el sabio líder que conocemos. Aunque la película logra construir un trasfondo sólido para el personaje, en ciertos momentos se siente atrapada por la necesidad de conectar cada detalle con el clásico de 1994, sacrificando frescura narrativa en el proceso.
Las voces son uno de los puntos más fuertes. Escuchar la voz de Aaron Pierre le da a Mufasa una vulnerabilidad y fuerza que resuenan, mientras que Kelvin Harrison Jr. (Taka, quien más tarde será Scar) añade matices intrigantes al villano, destacando las tensiones que germinan entre los hermanos. La banda de sonido tambien deja momentos que te pone la piel de gallina.
Los fanáticos del original encontrarán guiños que arrancarán sonrisas,y soltaran alguna lagrima en algunas situaciones que obviamente no te voy a decir.
En definitiva, Mufasa: The Lion King es una apuesta visualmente impresionante que amplía el universo de un clásicoEs una peli que encantará a quienes deseen conocer más sobre el pasado de Mufasa, dejando con ganas a algunos que tal vez querian ver mas.
Marcela Godoy Espectáculos 