Las canciones de Paz Martínez por grandes voces de nuestra música
Este viernes a las 20 h, el Anfiteatro del Parque Centenario se prepara para una gran noche romántica dedicada a celebrar la obra y trayectoria del músico, quien estará presente en esta gala.
El Anfiteatro del Parque Centenario reunirá a destacados intérpretes que rendirán tributo al maestro creador de clásicos de la canción romántica popular como Amor pirata, Una lágrima sobre el teléfono y Qué par de pájaros, entre muchos otros. El homenaje convocará a más de 16 artistas invitados: Sandra Mihanovich, Nahuel Pennisi, Ángela Leiva, Rodrigo Tapari, Ligia Piro, CAE, Silvina Moreno, Natalia Cociuffo, Ángela Navarro, Mery Granados, Magalí Bachor, Mariano Paz Martínez y Melina Martínez, entre otros.
La dirección musical y los arreglos estarán a cargo de Daniel Godfrid. Será un encuentro único e imperdible dedicado a uno de los compositores más influyentes de la música popular argentina.
Programa:
¿Y qué?
Piensa en mi
Fuera de mi vida
Entre la tierra y cielo
Agua, fuego, tierra y viento
Qué ironía
Amor pirata
Ámame en cámara lenta
Una lágrima sobre el teléfono
Mujer de nadie
Qué par de pajaros
Preso de tu piel
Luz de mujer
Me das cada día más
Integrantes por orden alfabético:
Ángela Leiva
Ángela Navarro
CAE
Ligia Piro
Magalí Bachor
Mariano Paz Martínez
Melina Martínez
Mery Granados
Nahuel Pennisi
Natalia Cociuffo
Rodrigo Tapari
Sandra Mihanovich
Silvina Moreno
Entrada libre por orden de llegada hasta completar la capacidad del anfiteatro. Se suspende por lluvia.
En tiempos donde el teatro busca interpelar la realidad social con historias cercanas, “La Leona”, escrita y dirigida por Gastón Marioni, emerge como un unipersonal potente y profundamente humano. Con una entrega física y emocional admirable,a cargo de Josefina Cañón Martínez sostiene en escena un relato crudo que habla de amor, marginalidad y resistencia.
La obra nos sitúa frente a una mujer que espera poder ver a su hijo. Ese momento suspendido se transforma en un viaje hacia su propia historia: una vida atravesada por la lucha, la pobreza estructural y los golpes de una sociedad que muchas veces empuja a los más vulnerables hacia el abismo. Desde ese borde social, la protagonista reconstruye su pasado y su presente con una mezcla de orgullo, rabia y ternura.
El texto de Marioni aborda un tema incómodo pero necesario: ¿qué sucede con las familias que quedan atrapadas en situaciones de violencia o marginalidad? La obra no juzga, sino que propone mirar de frente esas realidades invisibilizadas, invitando al espectador a ejercitar la empatía.
Pero es la interpretación de Cañón Martínez la que termina de darle cuerpo y alma a esta historia. Su actuación es visceral. La actriz compone un personaje lleno de capas: una mujer fuerte, marcada por la vida, que incluso encuentra en el boxeo una metáfora de su propia existencia —pelear, resistir y volver a levantarse—. La puesta minimalista potencia esa intensidad, concentrando toda la atención en el trabajo actoral y en la palabra.
“La Leona” no busca el golpe fácil ni el melodrama. Lo que propone es un retrato honesto de una madre que lucha contra el destino social que parece haberle sido impuesto. En ese camino, la obra logra algo muy valioso: convertir una historia particular en una experiencia universal sobre el amor, la dignidad y la necesidad de no rendirse. Es de esas obras que recuerdan que el teatro, cuando se conecta con la realidad y con la emoción verdadera, puede ser un golpe directo al corazón.
📍 Funciones En Teatro Picadero Pasaje Enrique Santos Discépolo 1857 – CABA
Pixar vuelve a sorprender con una historia original que, más allá de la simple diversión, propone una reflexión cálida sobre cómo nos relacionamos con la naturaleza y con quienes compartimos el planeta. Dirigida por Daniel Chong (conocido por Escandalosos), esta comedia animada construye un relato ingenioso y lleno de encanto a partir de una idea tan simple como profunda: ¿qué pasaría si pudiéramos ver el mundo animal desde adentro?
La protagonista es una joven apasionada por los animales (gracias a su abuela). Accede a una tecnología revolucionaria que transfiere su conciencia a un castor robot increíblemente realista. Ese salto —literal y metafórico— la lleva a través de bosques vibrantes y criaturas pintorescas, donde descubre que la vida animal no es un decorado, sino un universo entero con reglas, ritmos y conflictos propios.
Lo que podría haber sido una aventura liviana se transforma en una fábula sobre empatía, conexión y respeto. Mabel no solo se divierte en su nueva forma de roedor, sino que aprende a escuchar, a comprender y, sobre todo, a actuar por un bien común: la defensa del hábitat frente a intereses humanos que lo amenazan. Este eje —la convivencia entre seres distintos y la urgencia de cuidar nuestro entorno— es quizá el mensaje más resonante del film.
La película está salpicada de humor inteligente, situaciones absurdas y momentos de ternura genuina. El elenco de voces —que incluye desde figuras consagradas hasta talentos frescos— aporta vida y chispa a cada personaje, ya sea animal o humano, con especial destaque para la relación entre Mabel y Rey George, el castor que encarna la sabiduría y la calidez de la comunidad animal.
Visualmente, la cinta mantiene el sello de excelencia técnica que caracteriza al estudio: un diseño de mundo rico, lleno de detalles que invitan a perderse y volver a descubrir cada escena. Y aunque el tono es familiar, la historia se las arregla para tocar fibras profundas sin caer en la moraleja obvia —algo que pocos filmes animados logran con elegancia.
Hoppers: Operación Castor es una mezcla refrescante de aventura, comedia y conciencia ecológica. Es entretenida para niños, encantadora para adultos y, sobre todo, una oportunidad para recordar que todos —animales y humanos— formamos parte de un mismo tejido vital. Una invitación para reír, emocionar y pensar mientras celebramos el poder de la imaginación y el valor de cuidar nuestro mundo.
La Ciudad celebra el Mes de la Mujer con una agenda cultural que pone a las protagonistas en el centro de la escena
Durante marzo, la Ciudad de Buenos Aires desplegará una programación especial en el marco del Día Internacional de la Mujer, con propuestas que abarcan cine, música, danza, literatura, artes visuales y charlas en distintos espacios culturales porteños. La iniciativa, impulsada bajo el lema Buenos Aires Ciudad de Artes, busca visibilizar las voces, miradas y producciones artísticas de mujeres a lo largo de todo el mes.
Uno de los epicentros será el Centro Cultural Recoleta, que presentará el ciclo musical “Cantar juntas” todos los viernes de marzo por la mañana en su terraza. La programación incluirá a Camilú, Ernes Ambiela, Candelaria Zamar, Melina Moguilevsky, Lolita Fiamma, Lali Ferreirós, Penélope Cúneo y Lola Cobach, entre otras artistas. En paralelo, el ciclo de cine “Las chicas solo quieren divertirse” proyectará títulos emblemáticos dirigidos por mujeres como Mirá quién habla y Ni idea, ambas de Amy Heckerling, además de La diabla, de Susan Seidelman, y Un equipo muy especial, de Penny Marshall. Las actividades serán gratuitas para argentinos y residentes, con ingreso por orden de llegada o reserva previa según corresponda.
El Centro Cultural 25 de Mayo se sumará con el ciclo “Cine de terror y mujeres”, los jueves de marzo, con una selección dedicada a realizadoras y actrices destacadas dentro del género. La programación incluirá títulos como Los ojos del abismo, de Daniel de la Vega; Auxilio, de Tamae Garateguy; La virgen de la tosquera, de Laura Casabé; y Vieja loca, de Martín Mauregui.
En el plano de la danza, el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín presentará “Stekelman en tres tiempos”, una retrospectiva dedicada a la coreógrafa Ana María Stekelman. Las funciones se realizarán en el Anfiteatro del Parque Centenario y recuperarán distintas etapas de su trayectoria, marcada por la fusión entre tango y danza contemporánea.
Los museos porteños también tendrán una agenda especial. Habrá presentaciones de libros, visitas guiadas temáticas, conversatorios y conciertos en espacios como el Museo Histórico Cornelio de Saavedra, el Museo de Arte Popular José Hernández, el Museo Fernández Blanco y el Museo de la Ciudad, entre otros. Las actividades abordarán el rol de las mujeres en la historia, el arte y la construcción social, con propuestas que invitan a revisar el pasado desde nuevas perspectivas.
La Red de Bibliotecas Públicas impulsará el ciclo “Nosotras, Vosotras, Ellas” en la Biblioteca Evaristo Carriego y la Casa de la Lectura y la Escritura, con proyecciones dedicadas a la cineasta alemana Helke Misselwitz, encuentros literarios, lecturas performáticas y presentaciones de novedades editoriales. Entre los momentos destacados se encuentra un encuentro virtual con la propia realizadora y la celebración del Día de la Poesía.
Por su parte, la Casa de la Cultura ofrecerá una edición especial de sus Tertulias Líricas con “Alma de mujer, voz eterna”, un espectáculo en formato café concert con entrada libre. Y el Planetario Galileo Galilei se sumará con visitas guiadas especiales los días 7 y 8 de marzo, enfocadas en figuras femeninas clave en la historia de la ciencia.
Con una programación diversa y transversal, la Ciudad propone un marzo atravesado por el talento, la memoria y la creatividad de las mujeres, reafirmando el compromiso de los espacios culturales públicos con la igualdad y la visibilización de sus aportes en todos los campos artísticos.
Hay directores que cuentan historias. Y después está Baz Luhrmann, que convierte cada historia en un estallido sensorial. Con EPiC, su mirada sobre la vida de Elvis Presley, no propone una biografía clásica sino una experiencia inmersiva que late al ritmo del rock. Luhrmann entiende que para hablar del Rey no se puede ser tibio. Todo es grande, intenso, desbordado.
El recorrido por sus comienzos en el sur profundo de Estados Unidos, la explosión mediática, el fenómeno femenino que desataba en cada presentación y los años de Las Vegas están narrados con un pulso eléctrico. Las escenas de conciertos son, sin dudas, el corazón del film: hay sudor, gritos, caderas que escandalizan y una sensación de estar presenciando algo irrepetible.
Pero detrás del brillo también asoma la maquinaria de la industria, el control férreo del Coronel y el peso de la fama. Luhrmann no edulcora del todo la caída, aunque nunca pierde la admiración por su protagonista.
EPiC es un homenaje vibrante que logra algo difícil: revivir en pantalla la potencia escénica de Elvis sin que parezca una postal antigua. Es cine espectáculo, es emoción y es la prueba de que el mito del Rey del Rock no pertenece al pasado: cada generación vuelve a descubrirlo, y esta película lo grita a todo volumen. Para disfrutarla de principio a fin.
La nueva adaptación de Cumbres Borrascosas vuelve a poner en pantalla grande el clásico de Emily Brontë, pero lo hace desde una mirada contemporánea, provocadora y, por momentos, incómoda. Lejos de la solemnidad romántica que suele acompañar a esta historia, la directora apuesta por una lectura más visceral,erotica,del vínculo entre Heathcliff y Catherine, subrayando la violencia emocional, la obsesión y el costado más oscuro del amor.
La película narra, una vez más, la tormentosa relación entre estos dos personajes atravesados por la pasión y el resentimiento, marcada por las diferencias de clase, el deseo imposible y una herida que se transmite de generación en generación. El relato se mueve entre los páramos, la infancia compartida, la separación y el reencuentro adulto, en un clima opresivo donde el paisaje funciona como espejo de los sentimientos.
En el plano interpretativo, Margot Robbie asume el desafío de Catherine con una composición intensa, magnética, oscilando entre la fragilidad y la crueldad emocional. Su presencia domina la pantalla y le aporta una modernidad que divide opiniones(lo dejo a vuestro criterio, si les gusta o no ). Por su parte, Jacob Elordi construye un Heathcliff hosco, contenido y profundamente herido, apoyado más en la fisicalidad y la mirada que en la palabra. La química entre ambos es uno de los motores del film, la quimica es instantanea y los encuentros son puro fuego,tal vez, un poco incomodo para algunos…
La dirección opta por decisiones estéticas arriesgadas: climas densos, fotografía sombría y un tono que enfatiza lo salvaje por sobre lo romántico. Esta elección generó debate entre la crítica y el público, especialmente entre los lectores más fieles de la novela, al sentirse ante una adaptación que no busca complacer sino reinterpretar.
En su recorrido por la temporada de premios, la película logró instalarse en la conversación internacional con nominaciones técnicas en los Oscar, particularmente en rubros como Fotografía, Diseño de Producción y Vestuario, donde su impronta visual fue ampliamente reconocida.
Esta «Cumbres Borrascosas» no pretende ser la versión definitiva ni la más clásica: es una relectura intensa, estética y emocionalmente áspera. Puede incomodar a los puristas, pero justamente en esa incomodidad encuentra su identidad. Una adaptación que reabre el debate sobre cómo traducir los grandes clásicos al lenguaje del cine actual, entre la fidelidad literaria y la libertad autoral.
“Playa de lobos” es cine de riesgo: apuesta por una dramaturgia de palabras antes que por la acción, convirtiendo un conflicto aparentemente minimo en un juego de espejos donde las máscaras caen con lentitud. Si se entra en esa apuesta, la película puede fascinar . Pero si uno espera ritmo clásico o resolución rápida, puede parecer demasiado contemplativa o irregular.
En una playa de Fuerteventura, bajo la luz cegadora del Mediterráneo, Manu (interpretado por Dani Rovira) está a punto de terminar su turno en un chiringuito cuando Klaus (el veterano Guillermo Francella) se niega a levantarse de la última tumbona del mar. Lo que empieza como una disputa trivial entre un camarero andaluz y un turista argentino de origen sueco se transforma en un duelo verbal inquietante, que pone en juego algo mucho más profundo que una simple discusión veraniega: sospechas, secretos y una perturbadora propuesta que obliga a cuestionar responsabilidad, culpa y verdad.
Este cara a cara entre Francella y Rovira intenta captar algo más que una discusión de verano: es una reflexión sobre lo que dejamos sin decir, lo que evitamos enfrentar y sobre cómo la culpa muchas veces se proyecta hacia afuera antes que asumirse. Una propuesta valiente, aunque no para todos los paladares
Diez años después de su celebrado debut en el Maipo Kabaret, la actriz y cantante Mariú Fernández vuelve a escena con una versión renovada de su espectáculo homenaje a Amy Winehouse. “Yo no soy Amy, versión 2026” se presentará los martes 24 de febrero y en marzo en Bebop Club (Uriarte 1658, CABA), con dirección general de Juan José Marco.
La nueva puesta propone una relectura más profunda desde lo teatral y lo musical, ampliando el universo de la obra original. Lejos de la imitación, el espectáculo se construye como un homenaje artístico que explora la sensibilidad, el mundo interior y la potencia emocional de Winehouse desde la interpretación personal de Fernández.
En escena, la protagonista está acompañada por Alejo Caride y Adrián Scaramella, quienes aportan nuevas capas dramáticas y musicales a un dispositivo escénico más amplio y con mayor teatralidad.
Uno de los grandes pilares de esta versión es la incorporación de una Big Band dirigida por Nicolás Radicchi, que suma potencia sonora con arreglos de soul, jazz y pop, generando una atmósfera envolvente que potencia cada momento del espectáculo.
La obra recupera el libro original de Osvaldo Bazán —basado en una idea de la propia Fernández— y lo actualiza con nuevos aportes, entre ellos una canción inédita compuesta especialmente para esta edición 2026, que añade una dimensión aún más íntima al homenaje.
Reconocido por su sensibilidad y su cruce entre teatro y música, “Yo no soy Amy” regresa con una mirada más madura, elenco ampliado y una propuesta escénica que multiplica su impacto emocional y musical.
Las entradas ya se encuentran a la venta a través de Bebop Club. Yo te voy, y vos??
Las llamadas novelas verticales —también conocidas como microdramas o ficciones verticales— son historias pensadas exclusivamente para verse en el celular, grabadas en formato vertical y con capítulos ultracortos, de entre 1 y 3 minutos.
El fenómeno nació en China, donde las plataformas digitales comenzaron a experimentar con relatos breves para captar a una audiencia acostumbrada al consumo rápido en redes sociales. Desde allí se expandió a Asia, Estados Unidos y Latinoamérica, impulsado por el éxito de TikTok, Reels y YouTube Shorts.
La lógica es simple: historias de alto impacto, mucho melodrama, giros constantes y finales “enganche” que invitan a seguir viendo —muchas veces bajo suscripción paga.
Por qué crecen
Consumo mobile dominante: gran parte del tiempo de pantalla se dedica a contenidos de menos de 5 minutos.
Narrativa express: episodios breves, directos y adictivos.
Producción más barata que una tira tradicional.
Monetización digital (apps, desbloqueo de capítulos).
Las novelas o series verticales en Argentina son un fenómeno emergente de ficciones grabadas en formato 9:16 para celulares, con capítulos de 1 a 5 minutos, destacando
Cómo deshacerse de una estrella de fútbol en ReelShorts, protagonizada por Barbie Vélez y Sofía «Jujuy» Jiménez.
«TILF«: Una apuesta destacada del canal de streaming de Migue Granados protagonizada por Gimena Accardi
«El verano en que lo entregué» (LUZU): Otra producción vertical destacada en el ámbito de las nuevas series digitales.
«El Hotel de los Secretos» (The Eleven Hub): Producción en formato vertical enfocada en el consumo rápido.
Para algunos es la evolución natural del culebrón. Para otros, la prueba de que la atención humana se redujo al mínimo.Lo cierto es que las novelas verticales ya no son experimento:son negocio, industria y lenguaje propio.
Y mientras el mundo debate si reemplazarán a la TV tradicional… millones de usuarios siguen mirando —capítulo a capítulo— desde la palma de la mano.
El humor político encuentra en Tarico on the Rotemberg: Llegamos tarde un terreno fértil, filoso y, sobre todo, muy vigente. La dupla conformada por Ariel Tarico y David Rotemberg vuelve a escena con un espectáculo que combina actualidad, proyección futurista e inteligencia artificial como condimento narrativo para pensar —y reírse de— la Argentina que viene.
La premisa es tan simple como potente: imaginar el país dentro de veinte años. Desde ese disparador distópico, el show despliega imitaciones, monólogos, canciones y sketches que dialogan directamente con la coyuntura política y social, exagerándola hasta el absurdo para generar identificación inmediata con el público.
Ariel Tarico reafirma en este nuevo espectaculo su lugar como uno de los grandes imitadores del humor nacional. Su galería de voces —presidentes, periodistas, figuras mediáticas— no solo busca la carcajada , sino que funciona como un espejo deformado pero reconocible de la realidad. Rotemberg, por su parte, equilibra la escena con timing, estructura y una ingeniería humorística que sostiene el ritmo sin baches.
Uno de los elementos más atractivos de la propuesta es la incorporación de recursos ligados a la inteligencia artificial, utilizados tanto desde lo visual como desde lo conceptual. Lejos de ser un mero truco tecnológico, el recurso potencia la idea de futuro, amplifica el absurdo y habilita situaciones imposibles que enriquecen la sátira política.
La sorpresa es la participación especial de Juan José Campanella, quien además produce el espectáculo y se anima al juego escénico con un debut actoral que aporta complicidad y guiño cinéfilo. Su aparición no es decorativa: suma valor desde el humor autorreferencial y eleva el atractivo del show.
La estructura permite que el material se actualice función a función, algo clave tratándose de humor político en un país donde la realidad cambia a velocidad vertiginosa.
El objetivo de «Llegamos tarde» es la catarsis colectiva. Y lo logra. Entre risas, ironías y golpes de actualidad, la obra invita a pensar cuánto del futuro imaginado es realmente ficción… y cuánto ya empezó a suceder.
Un show inteligente, incisivo y muy argentino, como nos tienen acostumbrados esta dupla, donde la risa funciona como termómetro social y también como refugio.
Ideal para quienes disfrutan del humor con lectura política y guiños tecnológicos, sin perder el pulso popular
Marcela Godoy Espectáculos 