En El Simposio, nada se pierde todo se transforma, Ciertas Petunias hacen algo que muy pocos espectáculos logran: transformar una supuesta jornada académica en una celebración musical desopilante, precisa y profundamente teatral. El marco es el de un congreso formal, con ponencias y exposición de saberes, pero lo que sucede en escena es otra cosa: humor absurdo, virtuosismo musical y una inteligencia escénica que convierte cada número en una pequeña obra en sí misma.

El grupo —integrado por Magdalena Barla, Camila Campodónico, Natalia Guevara y Tania Valsecchi— maneja con soltura un abanico musical y vocal amplísimo: de la chacarera al aria clásica, del axé a la cumbia, más composiciones propias que dialogan con ese cruce de estilos. Todo ejecutado en vivo, con instrumentos, arreglos vocales complejos y un dominio del ritmo escénico que sostiene los 90 minutos sin baches.

Lo más interesante es el dispositivo: personajes que transitan con total seriedad un ámbito académico completamente ridículo. Esa tensión entre forma y contenido es el corazón del espectáculo. La risa no nace del chiste fácil sino de la construcción minuciosa de situaciones que rozan lo absurdo pero nunca pierden precisión.

El Simposio también funciona como síntesis de los 21 años de trayectoria del grupo. Se percibe una madurez artística donde lo musical, lo actoral y lo coreográfico ya no compiten entre sí, sino que conviven en un lenguaje propio muy reconocible. No es casual que la compañía arrastre un historial de Premios Hugo y nominaciones: hay oficio, hay búsqueda y, sobre todo, hay identidad.

Esta reposición, luego de una temporada muy celebrada en 2025, confirma que Ciertas Petunias encontraron un formato que les calza a medida. El espectáculo entretiene, sí, pero también desliza una mirada aguda sobre los discursos de autoridad, el lenguaje académico y nuestras formas de legitimar el conocimiento.

El resultado es una experiencia teatral fresca, inteligente y musicalmente impecable, donde el público se ríe mientras asiste, sin darse cuenta, a una clase magistral de teatro musical.

El Simposio demuestra que cuando el talento musical se cruza con inteligencia teatral, el resultado no necesita solemnidad para decir cosas inteligentes. Solo necesita cuatro artistas en escena y un público dispuesto a dejarse sorprender.

Me fascinas Petunias!

Datos de función

• Dónde: Sala Osvaldo Pugliese (PB), Centro Cultural de la Cooperación – Av. Corrientes 1543, CABA.
• Cuándo: Domingos 20.30 h — únicas 8 funciones
  • 22 y 29 de marzo
  • 12, 19 y 26 de abril
• Entradas: a través de Alternativa Teatral
• Puesta en escena: Myrna Cabrera + Ciertas Petunias
• Dramaturgia y dirección: Ciertas Petunias

La Sala Cunill Cabanellas del Teatro San Martín se convierte, con Paraíso, en un espacio de confrontación íntima.

Luciano Cáceres asume el desafío de un unipersonal que no aspira a entretener livianamente, sino a remover. Escrta por la dramaturga española Inmaculada Alvear y dirigida por Ignacio Rodríguez de Anca— pone en escena una propuesta que, rozando lo introspectivo, se transforma en un ensayo sobre identidad, poder y herencia emocional.

Cáceres encarna a Juan Valero, un empresario acostumbrado al control que, tras recibir un trasplante de corazón, comienza a percibir sensaciones, recuerdos y pulsiones que no deberían pertenecerle: los de Jessi, la donante, una mujer dominicana cuya existencia y experiencias lo colocan en el polo opuesto de su propia vida. Desde ese cruce interno, el monólogo se despliega a modo de diálogo con un doble nunca visto, una presencia que va deshaciendo certezas y construyendo grietas.

La puesta, de apenas 70 minutos, no recurre a grandes artificios escénicos, pero sí a un dispositivo tecnológico y audiovisual que acompaña la precisión física y vocal del intérprete. Cáceres no necesita más que su cuerpo y un corazón ajeno para sostener una narrativa que pulsa con fuerza emocional y política: la obra instala preguntas y no se apura en resolverlas. El espectador queda habitando ese espacio de duda, tensionado por lo que se ve y por lo que se intuye detrás de cada frase.

Datos de función

• Dónde: Sala Cunill Cabanellas, Teatro San Martín — Avenida Corrientes 1530, Ciudad de Buenos Aires, Argentina.
• Cuándo: de miércoles a domingos a las 19:30 hs
• Entradas: disponibles en boletería del teatro y online a través del sitio oficial del Complejo Teatral de Buenos Aires; precios publicados desde alrededor de $12.000 a $21.000 según día y ubicación de asiento.
• Duración: aproximadamente 70 minutos.
• Público: recomendada para mayores de 13 años.

Paraíso no se conforma con representar: desnuda, cuestiona y reconfigura el modo en que entendemos las huellas que habitan en cada uno de nosotros. Si la masculinidad es un cuerpo de certezas, esta obra las desarma desde adentro.

Las canciones de Paz Martínez por grandes voces de nuestra música

Este viernes a las 20 h, el Anfiteatro del Parque Centenario se prepara para una gran noche romántica dedicada a celebrar la obra y trayectoria del músico, quien estará presente en esta gala.

El Anfiteatro del Parque Centenario reunirá a destacados intérpretes que rendirán tributo al maestro creador de clásicos de la canción romántica popular como Amor pirata, Una lágrima sobre el teléfono y Qué par de pájaros, entre muchos otros.
El homenaje convocará a más de 16 artistas invitados: Sandra Mihanovich, Nahuel Pennisi, Ángela Leiva, Rodrigo Tapari, Ligia Piro, CAE, Silvina Moreno, Natalia Cociuffo, Ángela Navarro, Mery Granados, Magalí Bachor, Mariano Paz Martínez y Melina Martínez, entre otros.

La dirección musical y los arreglos estarán a cargo de Daniel Godfrid. Será un encuentro único e imperdible dedicado a uno de los compositores más influyentes de la música popular argentina.

Programa:

• ¿Y qué?
• Piensa en mi
• Fuera de mi vida
• Entre la tierra y cielo
• Agua, fuego, tierra y viento
• Qué ironía
• Amor pirata
• Ámame en cámara lenta
• Una lágrima sobre el teléfono
• Mujer de nadie
• Qué par de pajaros
• Preso de tu piel
• Luz de mujer
• Me das cada día más

Integrantes por orden alfabético:

Ángela Leiva

Ángela Navarro

CAE

Ligia Piro

Magalí Bachor

Mariano Paz Martínez

Melina Martínez

Mery Granados

Nahuel Pennisi

Natalia Cociuffo

Rodrigo Tapari

Sandra Mihanovich

Silvina Moreno

Entrada libre por orden de llegada hasta completar la capacidad del anfiteatro. Se suspende por lluvia.

La Ciudad celebra el Mes de la Mujer con una agenda cultural que pone a las protagonistas en el centro de la escena

Durante marzo, la Ciudad de Buenos Aires desplegará una programación especial en el marco del Día Internacional de la Mujer, con propuestas que abarcan cine, música, danza, literatura, artes visuales y charlas en distintos espacios culturales porteños. La iniciativa, impulsada bajo el lema Buenos Aires Ciudad de Artes, busca visibilizar las voces, miradas y producciones artísticas de mujeres a lo largo de todo el mes.

Uno de los epicentros será el Centro Cultural Recoleta, que presentará el ciclo musical “Cantar juntas” todos los viernes de marzo por la mañana en su terraza. La programación incluirá a Camilú, Ernes Ambiela, Candelaria Zamar, Melina Moguilevsky, Lolita Fiamma, Lali Ferreirós, Penélope Cúneo y Lola Cobach, entre otras artistas. En paralelo, el ciclo de cine “Las chicas solo quieren divertirse” proyectará títulos emblemáticos dirigidos por mujeres como Mirá quién habla y Ni idea, ambas de Amy Heckerling, además de La diabla, de Susan Seidelman, y Un equipo muy especial, de Penny Marshall. Las actividades serán gratuitas para argentinos y residentes, con ingreso por orden de llegada o reserva previa según corresponda.

El Centro Cultural 25 de Mayo se sumará con el ciclo “Cine de terror y mujeres”, los jueves de marzo, con una selección dedicada a realizadoras y actrices destacadas dentro del género. La programación incluirá títulos como Los ojos del abismo, de Daniel de la Vega; Auxilio, de Tamae Garateguy; La virgen de la tosquera, de Laura Casabé; y Vieja loca, de Martín Mauregui.

En el plano de la danza, el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín presentará “Stekelman en tres tiempos”, una retrospectiva dedicada a la coreógrafa Ana María Stekelman. Las funciones se realizarán en el Anfiteatro del Parque Centenario y recuperarán distintas etapas de su trayectoria, marcada por la fusión entre tango y danza contemporánea.

Los museos porteños también tendrán una agenda especial. Habrá presentaciones de libros, visitas guiadas temáticas, conversatorios y conciertos en espacios como el Museo Histórico Cornelio de Saavedra, el Museo de Arte Popular José Hernández, el Museo Fernández Blanco y el Museo de la Ciudad, entre otros. Las actividades abordarán el rol de las mujeres en la historia, el arte y la construcción social, con propuestas que invitan a revisar el pasado desde nuevas perspectivas.

La Red de Bibliotecas Públicas impulsará el ciclo “Nosotras, Vosotras, Ellas” en la Biblioteca Evaristo Carriego y la Casa de la Lectura y la Escritura, con proyecciones dedicadas a la cineasta alemana Helke Misselwitz, encuentros literarios, lecturas performáticas y presentaciones de novedades editoriales. Entre los momentos destacados se encuentra un encuentro virtual con la propia realizadora y la celebración del Día de la Poesía.

Por su parte, la Casa de la Cultura ofrecerá una edición especial de sus Tertulias Líricas con “Alma de mujer, voz eterna”, un espectáculo en formato café concert con entrada libre. Y el Planetario Galileo Galilei se sumará con visitas guiadas especiales los días 7 y 8 de marzo, enfocadas en figuras femeninas clave en la historia de la ciencia.

Con una programación diversa y transversal, la Ciudad propone un marzo atravesado por el talento, la memoria y la creatividad de las mujeres, reafirmando el compromiso de los espacios culturales públicos con la igualdad y la visibilización de sus aportes en todos los campos artísticos.

Hay directores que cuentan historias. Y después está Baz Luhrmann, que convierte cada historia en un estallido sensorial. Con EPiC, su mirada sobre la vida de Elvis Presley, no propone una biografía clásica sino una experiencia inmersiva que late al ritmo del rock. Luhrmann entiende que para hablar del Rey no se puede ser tibio. Todo es grande, intenso, desbordado.

El recorrido por sus comienzos en el sur profundo de Estados Unidos, la explosión mediática, el fenómeno femenino que desataba en cada presentación y los años de Las Vegas están narrados con un pulso eléctrico. Las escenas de conciertos son, sin dudas, el corazón del film: hay sudor, gritos, caderas que escandalizan y una sensación de estar presenciando algo irrepetible.

Pero detrás del brillo también asoma la maquinaria de la industria, el control férreo del Coronel y el peso de la fama. Luhrmann no edulcora del todo la caída, aunque nunca pierde la admiración por su protagonista.

EPiC es un homenaje vibrante que logra algo difícil: revivir en pantalla la potencia escénica de Elvis sin que parezca una postal antigua. Es cine espectáculo, es emoción y es la prueba de que el mito del Rey del Rock no pertenece al pasado: cada generación vuelve a descubrirlo, y esta película lo grita a todo volumen. Para disfrutarla de principio a fin.

La nueva adaptación de Cumbres Borrascosas vuelve a poner en pantalla grande el clásico de Emily Brontë, pero lo hace desde una mirada contemporánea, provocadora y, por momentos, incómoda. Lejos de la solemnidad romántica que suele acompañar a esta historia, la directora apuesta por una lectura más visceral,erotica,del vínculo entre Heathcliff y Catherine, subrayando la violencia emocional, la obsesión y el costado más oscuro del amor.

La película narra, una vez más, la tormentosa relación entre estos dos personajes atravesados por la pasión y el resentimiento, marcada por las diferencias de clase, el deseo imposible y una herida que se transmite de generación en generación. El relato se mueve entre los páramos, la infancia compartida, la separación y el reencuentro adulto, en un clima opresivo donde el paisaje funciona como espejo de los sentimientos.

En el plano interpretativo, Margot Robbie asume el desafío de Catherine con una composición intensa, magnética, oscilando entre la fragilidad y la crueldad emocional. Su presencia domina la pantalla y le aporta una modernidad que divide opiniones(lo dejo a vuestro criterio, si les gusta o no ).
Por su parte, Jacob Elordi construye un Heathcliff hosco, contenido y profundamente herido, apoyado más en la fisicalidad y la mirada que en la palabra. La química entre ambos es uno de los motores del film, la quimica es instantanea y los encuentros son puro fuego,tal vez, un poco incomodo para algunos…

La dirección opta por decisiones estéticas arriesgadas: climas densos, fotografía sombría y un tono que enfatiza lo salvaje por sobre lo romántico. Esta elección generó debate entre la crítica y el público, especialmente entre los lectores más fieles de la novela, al sentirse ante una adaptación que no busca complacer sino reinterpretar.

En su recorrido por la temporada de premios, la película logró instalarse en la conversación internacional con nominaciones técnicas en los Oscar, particularmente en rubros como Fotografía, Diseño de Producción y Vestuario, donde su impronta visual fue ampliamente reconocida.

Esta «Cumbres Borrascosas» no pretende ser la versión definitiva ni la más clásica: es una relectura intensa, estética y emocionalmente áspera. Puede incomodar a los puristas, pero justamente en esa incomodidad encuentra su identidad. Una adaptación que reabre el debate sobre cómo traducir los grandes clásicos al lenguaje del cine actual, entre la fidelidad literaria y la libertad autoral.

“Playa de lobos” es cine de riesgo: apuesta por una dramaturgia de palabras antes que por la acción, convirtiendo un conflicto aparentemente minimo en un juego de espejos donde las máscaras caen con lentitud. Si se entra en esa apuesta, la película puede fascinar . Pero si uno espera ritmo clásico o resolución rápida, puede parecer demasiado contemplativa o irregular.

En una playa de Fuerteventura, bajo la luz cegadora del Mediterráneo, Manu (interpretado por Dani Rovira) está a punto de terminar su turno en un chiringuito cuando Klaus (el veterano Guillermo Francella) se niega a levantarse de la última tumbona del mar. Lo que empieza como una disputa trivial entre un camarero andaluz y un turista argentino de origen sueco se transforma en un duelo verbal inquietante, que pone en juego algo mucho más profundo que una simple discusión veraniega: sospechas, secretos y una perturbadora propuesta que obliga a cuestionar responsabilidad, culpa y verdad.

Este cara a cara entre Francella y Rovira intenta captar algo más que una discusión de verano: es una reflexión sobre lo que dejamos sin decir, lo que evitamos enfrentar y sobre cómo la culpa muchas veces se proyecta hacia afuera antes que asumirse. Una propuesta valiente, aunque no para todos los paladares