Mafalda está a punto de dar un salto de las páginas de las historietas a un mundo de imágenes, sonido, tecnología e interacción. El próximo 1° de octubre, el Centro Cultural Recoleta será escenario del estreno mundial de Mafalda Inmersiva, una experiencia que propone entrar literalmente al universo creado por Quino y recorrerlo desde adentro.

Las entradas ya se encuentran disponibles en preventa a través de Ticketek. La propuesta, desarrollada durante casi tres años, llegará a Buenos Aires como una producción de gran escala que, después de su temporada porteña, comenzará una gira internacional por Europa y Latinoamérica.

La experiencia ocupará 1.300 metros cuadrados distribuidos en 13 salas temáticas, con un recorrido de aproximadamente 60 minutos. Cada espacio propone una manera diferente de acercarse a Mafalda, sus amigos, sus preguntas, su humor y esa particular mirada de Quino sobre el mundo.

¿Y qué se va a encontrar el público? Video mapping de alta resolución, proyecciones 360° con sonido envolvente, realidad virtual multiusuario, pantallas táctiles interactivas, animaciones 2D, esculturas de los personajes en escala real, escenografías y música original forman parte de este recorrido multisensorial.

Uno de los puntos centrales del proyecto es que la tecnología no busca reemplazar el universo original, sino ampliarlo y hacerlo habitable. Las animaciones fueron desarrolladas respetando los dibujos y textos originales de Quino, para que las tiras cobren movimiento sin perder su identidad.

Además, la propuesta está pensada para distintas generaciones. Quienes crecieron leyendo Mafalda podrán reencontrarse con sus personajes desde una perspectiva completamente diferente, mientras que las nuevas generaciones tendrán la posibilidad de descubrirla a través de una experiencia más cercana a sus lenguajes. Los chicos también tendrán un espacio propio con juegos y un recorrido lúdico especialmente diseñado para ellos.

Mafalda, pero sin perder la esencia de Quino

Uno de los desafíos creativos del proyecto fue decidir cómo trasladar al lenguaje inmersivo una historieta cuya identidad está profundamente ligada a sus dibujos y a sus palabras.

Por eso, en Mafalda Inmersiva, los personajes continúan expresándose a través de sus clásicas burbujas de diálogo. Mafalda, Felipe, Susanita, Manolito y el resto de la pandilla conservan así una de las características más reconocibles de la historieta.

La identidad visual también tuvo un proceso particular. Damián Kirzner, director y productor general del proyecto, encontró durante una investigación por Europa una edición francesa de Mafalda cuyos colores habían sido aprobados por el propio Quino. Esa paleta se convirtió en una de las guías para construir el universo visual de la experiencia.

Detrás de la propuesta hay un equipo multidisciplinario integrado por artistas, diseñadores, realizadores audiovisuales, desarrolladores tecnológicos, escenógrafos, animadores y especialistas en experiencias inmersivas de Argentina, España e Inglaterra.

La producción cuenta además con la licencia exclusiva de los sucesores de Joaquín S. Lavado Tejón (Quino), quienes acompañaron el desarrollo del proyecto desde sus primeras etapas.

El proyecto fue reconocido con “Orillas Nuevas”, distinción otorgada por el Institut Français d’Argentine y la Embajada de Francia, vinculada con la industria inmersiva francesa y con la dimensión cultural internacional de la propuesta.

Mafalda Inmersiva estrena el 1° de octubre en el Centro Cultural Recoleta. Una oportunidad para volver a encontrarse con un personaje que atravesó generaciones y que, esta vez, propone algo diferente: dejar por un rato el libro, entrar en sus páginas y vivir el mundo de Mafalda desde adentro.

“Todo eso que leíste, vivilo”, es la invitación de esta nueva experiencia.

El 3 y 4 de octubre regresa una nueva edición de Open House Buenos Aires, con acceso gratuito a casas privadas, edificios históricos, teatros, estadios, oficinas y espacios emblemáticos de la Ciudad que muchas veces solo conocemos desde afuera.

Buenos Aires guarda verdaderos tesoros detrás de sus fachadas y durante un fin de semana habrá una oportunidad especial para conocerlos. Open House Buenos Aires 2026 se realizará el sábado 3 y domingo 4 de octubre, con más de 150 espacios que abrirán sus puertas al público. En su gran mayoría podrán visitarse gratuitamente y sin inscripción previa.

Entre los lugares que formarán parte de esta edición aparecen Casa Calise II, el Edificio IBM y el Teatro Avenida, además de alrededor de 30 espacios que participan por primera vez, como el Estadio Nueva Chicago, el Hogar Obrero de Villa Ortúzar y Casa Mendoza. La incorporación de Mataderos, justamente a través del estadio de Nueva Chicago, es una de las novedades de este año.

La propuesta no está dirigida solamente a arquitectos o especialistas. La idea es que cualquier persona pueda recorrer edificios de valor arquitectónico, patrimonial y cultural, conocer sus historias y descubrir qué se esconde detrás de lugares por los que quizás pasa todos los días. También estarán incluidos el Estadio de Ferro Carril Oeste, el Edificio de Renta Bencich, el Edificio Editorial Perfil, la Reserva Lago Lugano, el Edificio Olazábal 1961 y distintas casas y PH, entre otros.

La mayoría de las visitas serán de acceso directo, aunque algunos espacios requerirán inscripción previa, que se habilito el miércoles 23 de septiembre a través de Eventbrite. Entre ellos estarán la Galería y Mirador Güemes, el ex Banco de Londres, el Planetario, el Palacio Barolo, la Torre Mirafiori y El Zanjón de Granados. Para todas las visitas será necesario presentar DNI.

Además de las aperturas, la edición 2026 sumará recorridos sugeridos por barrios y categorías, junto con propuestas como Camina Bs. As. y Open Bici, que invitan a descubrir Buenos Aires caminando o en bicicleta.

Open House Buenos Aires forma parte de Open House Worldwide, una red internacional presente en 55 ciudades como Londres, Madrid, Barcelona, Roma, Nueva York, Chicago, Ciudad de México y Santiago de Chile. Durante dos días, la invitación será sencilla y tentadora: mirar Buenos Aires con otros ojos y entrar, finalmente, a esos lugares que tantas veces vimos solamente desde afuera

El reconocido actor español, ganador de dos Premios Goya y figura de películas y series como As Bestas, El Reino, Vivir sin permiso y Entrevías, desembarca en nuestro país con un espectáculo que muestra una faceta muy diferente: la del humor.

Acostumbrados a verlo interpretar personajes intensos, oscuros y muchas veces temibles, Luis Zahera cambia completamente de registro y llega a la Argentina con “Chungo”, el unipersonal con el que viene recorriendo con gran éxito los escenarios españoles.

Durante aproximadamente 90 minutos, el actor se presenta prácticamente sin filtros frente al público para contar anécdotas de su vida personal y profesional, reírse de sí mismo, improvisar y jugar con los espectadores. El propio Zahera termina convirtiéndose en protagonista —y también víctima— de muchas de sus historias.

La gira argentina tendrá una importante escala en Buenos Aires, donde ofrecerá nueve funciones en el Teatro Astral, los días 15, 16, 17, 22, 23, 24, 29, 30 y 31 de enero.

Además, “Chungo” llegará a Mar del Plata, con funciones el 18 y 25 de enero en el Teatro Neptuno; a Rosario, el 5 de febrero en el Teatro Astengo; y a Córdoba, el 7 de febrero en Espacio Quality.

La llegada del actor genera especial expectativa por la posibilidad de descubrirlo en un registro muy diferente al que lo hizo popular internacionalmente. Zahera ganó el Premio Goya como Mejor Actor de Reparto en 2019 por El Reino y nuevamente en 2023 por As Bestas, además de recibir numerosos reconocimientos a lo largo de su carrera.

Ahora deja por un rato los personajes de fuerte carácter y se sube solo al escenario para demostrar que detrás de uno de los rostros más reconocibles del cine y la televisión española también hay mucho humor.

Las entradas para las funciones de “Chungo” en Buenos Aires ya se encuentran a la venta a través de Plateanet.

Más de setenta años después de su estreno, La Ratonera demuestra que un buen policial no necesita efectos deslumbrantes ni grandes artificios para mantener al público atento. Necesita una buena historia, personajes que despierten sospechas y, sobre todo, un misterio capaz de hacernos cambiar de culpable varias veces a lo largo de la función.

Vi esta nueva versión en el Teatro Liceo y me encontré con una buena obra de teatro, de esas que invitan al espectador a jugar desde la platea tratando de descubrir quién miente, quién oculta algo y, por supuesto, quién es el asesino.

El clásico de Agatha Christie se estrenó en Londres en 1952 y se convirtió en un verdadero fenómeno: lleva más de siete décadas representándose en el West End y es considerada la obra de mayor permanencia en cartel de la historia. Al finalizar cada función se mantiene una tradición que forma parte de su leyenda: pedirle al público que no revele la identidad del culpable.

Y existe otro dato fascinante que me encanto y que contribuyó a preservar el misterio durante tantos años. Los derechos cinematográficos fueron vendidos en 1956, pero el contrato estableció que una película oficial recién podría realizarse seis meses después de que finalizara la temporada londinense. Como La Ratonera continúa en cartel, esa película NUNCA LLEGO.

Todo comienza en el hostal Monkswell, recientemente inaugurado por un joven matrimonio. Una fuerte nevada deja aislados a sus dueños y a un particular grupo de huéspedes que prácticamente no se conocen entre sí.

Mientras intentan acomodarse y convivir, llega la noticia de un asesinato ocurrido en Londres. Lo que en principio parece algo lejano comienza a acercarse peligrosamente cuando aparece un sargento de policía con una advertencia: el crimen podría estar relacionado con alguna de las personas que se encuentran dentro del hostal.

A partir de ese momento comienza el verdadero juego de Agatha Christie.

Todos parecen esconder algo. Cada gesto puede resultar sospechoso, aparecen contradicciones, secretos del pasado y falsas pistas. Cuando finalmente el crimen entra en la casa, cualquiera puede ser el asesino y cualquiera puede convertirse en la próxima víctima.

La dirección y versión de Manuel González Gil consigue darle agilidad a un texto escrito hace tantas décadas. El suspenso convive con momentos de humor y la historia avanza haciendo que el espectador participe mentalmente del juego. La escenografía de Lula Rojo es otro de los puntos fuertes: ese hostal rodeado por la nieve se transforma rápidamente en un espacio cerrado y asfixiante del que nadie puede escapar.

También funciona muy bien el elenco integrado por Carlos Belloso, Ludovico Di Santo, Romina Gaetani, Andrés Gil, Walter Quiroz, Carlos Santamaría y Malena Solda, con la participación especial de Betiana Blum.

Betiana Blum es uno de los grandes placeres de esta puesta. Con oficio, timing y esa capacidad que tiene para encontrar el humor incluso en un personaje incómodo, construye una señora crítica, entrometida y bastante insoportable que inmediatamente llama la atención cada vez que aparece en escena. No necesita exagerar para hacerse notar: su presencia alcanza.

Romina Gaetani también se destaca como una de las anfitrionas de Monkswell. Su personaje atraviesa diferentes estados a medida que la tranquilidad inicial se transforma en miedo y desconfianza, y Gaetani logra transmitir muy bien esa transformación.

Otro punto alto es Walter Quiroz, encargado de interpretar al sargento que llega para investigar el caso. Tiene sobre sus hombros buena parte del mecanismo policial de la obra: pregunta, observa, sospecha y obliga a cada personaje a mostrar un poco más de aquello que preferiría mantener escondido.

El resto del elenco acompaña con personajes muy diferentes entre sí y necesarios para alimentar permanentemente las sospechas. Belloso aporta su particular impronta; Malena Solda construye uno de los personajes más enigmáticos; y Ludovico Di Santo, Andrés Gil y Carlos Santamaría completan un grupo muy parejo que permite que el juego funcione.

Tal vez ahí esté una de las razones por las que La Ratonera sobrevivió durante más de siete décadas. La propuesta es sencilla pero tremendamente efectiva: encerrarnos durante un rato junto a un grupo de desconocidos y hacernos desconfiar de todos.

Y aunque hoy vivimos rodeados de series policiales, thrillers y crímenes que se resuelven en las plataformas, este clásico conserva algo especial: el misterio sucede delante nuestro y somos nosotros quienes intentamos resolverlo desde la butaca.

¿Descubrí quién era el culpable antes del final? Eso también forma parte del secreto.

Porque hay una regla que después de más de setenta años sigue vigente: quien entra a La Ratonera puede sospechar de todos, puede intentar resolver el crimen y puede sorprenderse con el desenlace. Lo único que no puede hacer al salir del teatro es contar quién lo hizo.

LA RATONERA
Teatro Liceo – Av. Rivadavia 1499, CABA.
Funciones: miércoles, jueves y viernes a las 20; sábados a las 19 y 21.30; domingos a las 19.
Duración aproximada: 100 minutos.
Dirección y versión: Manuel González Gil.
Música original: Martín Bianchedi.
Elenco: Carlos Belloso, Ludovico Di Santo, Romina Gaetani, Andrés Gil, Walter Quiroz, Carlos Santamaría y Malena Solda. Participación especial: Betiana Blum.
Producción: Faroni Producciones, Juan Manuel Caballé y Tomás Rottemberg.

Brad Pitt vuelve a la pantalla grande con El corazón de la bestia (Heart of the Beast), una película de aventura y supervivencia dirigida por David Ayer, el realizador de Fury, que vuelve a trabajar con el actor después de aquella película bélica.

La historia tiene como protagonista a James Belmont, un exintegrante de las Fuerzas Especiales que lleva consigo las huellas de su pasado en combate. A su lado está Odín, un perro especialmente entrenado que también formó parte de misiones militares y con quien mantiene un vínculo que va mucho más allá del de un hombre y su mascota.

Durante un viaje por Alaska, un accidente aéreo los deja aislados en medio de un territorio tan imponente como peligroso. Sin demasiados recursos y lejos de cualquier posibilidad inmediata de ayuda, James y Odín deberán encontrar la manera de sobrevivir y regresar a la civilización.

A partir de allí, la película se transforma en una carrera contra la naturaleza. El frío, las heridas, los animales salvajes y las dificultades del terreno se convierten en obstáculos permanentes, mientras la relación entre James y Odín ocupa un lugar cada vez más importante dentro de la historia.

Más allá de la aventura y las escenas de acción, El corazón de la bestia pone el foco en la lealtad y en la conexión entre dos compañeros que atravesaron juntos situaciones extremas. Ambos cargan con las consecuencias de la guerra y deberán volver a confiar el uno en el otro para intentar salir con vida.

Brad Pitt vuelve así a un personaje físico y exigente, en una película donde buena parte del relato recae sobre él y sobre su compañero canino. El paisaje también tiene un papel fundamental: la inmensidad de Alaska funciona como escenario de una historia en la que la naturaleza puede resultar fascinante y amenazante al mismo tiempo.

Con acción, aventura, supervivencia y un fuerte vínculo entre un hombre y su perro como eje emocional, El corazón de la bestia propone una faceta diferente de Brad Pitt y suma uno de esos personajes de cuatro patas que seguramente dará que hablar.

Ficha técnica: El corazón de la bestia (Heart of the Beast). Dirección: David Ayer. Con Brad Pitt, J.K. Simmons y Anna Lambe. Duración: 101 minutos. Estreno en Argentina: 24 de septiembre de 2026.

Jorge Suárez y Facundo Arana se encuentran sobre el escenario y construyen algo difícil de fabricar: una química genuina. Visitando al Sr. Green es una obra sensible, tierna y profundamente humana, de esas que comienzan casi con cierta distancia y terminan tocando fibras muy íntimas.

El reconocido texto de Jeff Baron regresa a Buenos Aires bajo la dirección de Santiago Doria y con una historia que, a pesar del paso del tiempo, conserva intacta su capacidad para hablar de la soledad, los prejuicios, los vínculos familiares, la aceptación y, fundamentalmente, de la posibilidad de encontrarnos con alguien que parece completamente diferente a nosotros.

Ross Gardiner (Facundo Arana) es un ejecutivo neoyorquino que, después de casi atropellar con su auto al Sr. Green (Jorge Suárez), recibe una particular condena: deberá visitarlo una vez por semana durante seis meses para ayudarlo en lo que necesite.

Ninguno quiere esos encuentros. Green es un hombre mayor, viudo, solitario,de religion judia, aferrado a sus costumbres y convicciones . Ross pertenece a otra generación, tiene otra forma de vivir y carga también con sus propios conflictos. Al principio parecen no tener nada en común. Sin embargo, visita tras visita, las barreras comienzan a caer y aparecen las heridas, los secretos, los prejuicios y las necesidades afectivas que ambos esconden.

Suárez realiza un trabajo extraordinario. Su Sr. Green tiene carácter, humor, obstinación y dureza, pero también una fragilidad que se va revelando lentamente. El actor trabaja cada gesto, cada silencio, la corporalidad y los tiempos de un hombre que parece haber cerrado la puerta no solamente de su departamento, sino también de su propia vida. Y cuando esa coraza comienza a quebrarse, emociona profundamente y eso se aplaude en varias oportunidades de la obra

Facundo Arana encuentra en Ross un personaje que le permite transitar diferentes estados con mucha sensibilidad. Hay algo especialmente interesante, además, en su regreso a este papel: Arana ya había interpretado a Ross hace dos décadas, junto a Pepe Soriano, y hoy vuelve a abordarlo desde otro momento de su carrera y de su vida. Hay una madurez que se refleja.

Pero más allá de las actuaciones individuales, lo más hermoso sucede entre ellos. Se escuchan, se esperan, se enfrentan y se acompañan. El vínculo crece delante del espectador con naturalidad y consigue algo fundamental: uno termina creyendo profundamente en esos dos hombres y en el afecto inesperado que empieza a unirlos.

Santiago Doria, quien también dirigió aquella recordada versión estrenada en Buenos Aires en 2005, conduce esta nueva puesta con precisión y sensibilidad. Su dirección no busca golpes bajos ni exageraciones: deja respirar el texto y, sobre todo, permite que sean los actores quienes conduzcan la emoción. El humor aparece en los momentos necesarios y funciona como un contrapunto perfecto frente a una historia que va adquiriendo cada vez mayor profundidad.

La escenografía diseñada por René Diviú, con reposición de Gastón Joubert, acompaña con certeza el universo del Sr. Green. Ese departamento es mucho más que el lugar donde transcurre la acción: habla también de su dueño, de su aislamiento y de una vida detenida. La iluminación de Leandra Rodríguez y el vestuario de Laura Singh completan una puesta cuidada, sin elementos que distraigan de lo esencial: la relación entre estos dos personajes.

Un párrafo especial merece la música original de Javier López del Carril, hermosa y delicada, que acompaña la emoción sin imponerse sobre ella.

Visitando al Sr. Green habla de diferencias generacionales, religión, familia, discriminación, identidad, soledad y aceptación. Pero, por encima de todo, habla de algo mucho más sencillo y universal: qué puede suceder cuando dos personas se animan verdaderamente a conocerse.

Es tierna, divertida por momentos y profundamente emotiva en otros. Y tiene dos actores que consiguen que esa emoción llegue sin artificios.

Vale la pena verla. Y dejarse emocionar.

Autor: Jeff Baron

Elenco: Jorge Suárez y Facundo Arana

Dirección: Santiago Doria

Director adjunto: Mateo Chiarino

Escenografía: René Diviú

Iluminación: Leandra Rodríguez

Vestuario: Laura Singh

Música original: Javier López del Carril

Funciones: Miércoles a domingo Teatro: Multiteatro (Av. Corrientes 1283).

El vino, la gastronomía y el lifestyle se encontrarán en una noche especial en San Isidro.El próximo 26 de septiembre, Vinos al Río presentará su edición «Luxury» en Rosa Negra Eventos, una propuesta que reunirá a más de 40 bodegas argentinas, grandes etiquetas, sommeliers, enólogos, gastronomía y diferentes bodegas.

El encuentro propone acercarse al universo del vino desde un lugar diferente: no solamente degustar, sino también conocer quiénes están detrás de cada etiqueta, descubrir nuevos proyectos y compartir una tarde-noche especialmente pensada para disfrutar con todos los sentidos.


Uno de los grandes atractivos será la posibilidad de recorrer los distintos espacios de Rosa Negra y degustar vinos de distintas bodegas.

Entre los confirmados se encuentran Cruzat, Kaiken, Finca de Cero, Grupo Colomé, Mumm Domaine, Nicasia Vineyards, Luján Conesa, Pannunzio Wine, Fabre Montmayou, Irrepetible Wines, Bonomi Bernal, Inizio de la Espera, Giaimo Wines, Vignale Wines, Méndez Terres, Mi Victoria by Leandro Paredes, Perro Bueno, Bon Verre by Durigutti Winemakers, Bodega Mevi, Mosquita Muerta, Bodega Goyenechea, Gamboa, Perpetuum Wine, De Blasis Wine, Naiara Wines, Los Clop, Bodega Celada, Cuarto Surco, Viña Alta, Viña Vida, Viñedos Imposibles, Sur y Wine, Bodega Callia, Malma Wine y Callejón del Crimen, entre otras.

La propuesta también tendrá presencia internacional con Matarromera, de España.

Enólogos, sommeliers y productores acompañarán el recorrido, una oportunidad interesante para no quedarse solamente con lo que hay dentro de la copa, sino también conocer las historias, los procesos y las personas detrás de cada vino.

En esta edición podes  ampliar la experiencia con una importante propuesta gastronómica y diferentes tapeos pensados para acompañar los vinos.

Participarán Quesos La Blanqueada, Fiambres Labratto, Chocolates Marrossi, Celibran Sin TACC y café de Cinco Hispanos, entre otras opciones.

Degustaciones, gastronomía, entretenimiento y propuestas vinculadas al lifestyle para disfrutar con amigos, pareja en una tarde noche inolvidable.



La entrada  incluye la degustación de vinos durante toda la jornada y una copa de regalo

26 de septiembre

Rosa Negra Eventos

Av. Diego Carman 222, San Isidro

Una figura que estuvo en el nacimiento de AC/DC vuelve a encontrarse con el público argentino. Dave Evans, primer cantante de la legendaria banda australiana, se presentará el viernes 23 de octubre a las 21 en el ND Teatro de Buenos Aires, con un show que recorrerá su trayectoria y tendrá como eje la música de AC/DC.

Mucho antes de que AC/DC se convirtiera en una de las bandas de rock más importantes del mundo, Evans fue parte de aquellos primeros pasos. Integró el grupo durante 1973 y 1974, en una etapa fundacional junto a Malcolm y Angus Young, Colin Burgess y Larry Van Kriedt.

Su nombre quedó ligado para siempre a los comienzos de la banda. Como vocalista participó de las primeras grabaciones oficiales de AC/DC, entre ellas “Can I Sit Next to You Girl”, lanzada en 1974 con “Rockin’ in the Parlour” en el lado B. También fue cantante principal de “Baby, Please Don’t Go” durante aquellos meses iniciales de la agrupación.

Nacido en Gales y criado en North Queensland, Australia, Evans se trasladó a Sídney a los 17 años. Allí conoció a los músicos con los que terminaría formando AC/DC y comenzando una historia que, décadas más tarde, convertiría a la banda en un fenómeno mundial.

Tras su salida de AC/DC, el cantante continuó su camino dentro del rock y formó parte de diferentes proyectos, entre ellos Rabbit, otra banda surgida de la potente escena australiana de los años 70.

Ahora, Evans regresa al escenario al frente de su banda con un espectáculo que repasa diferentes momentos de su carrera, pero que reserva un lugar central para aquella música que marcó sus comienzos junto a AC/DC. Una oportunidad especial para los fanáticos del rock de acercarse a uno de los protagonistas de los primeros capítulos de una banda que hizo historia.

La noche contará además con Chevi Ioca como banda invitada.

Dave Evans – Mean Machine Tour
Viernes 23 de octubre – 21 horas
ND Teatro – Paraguay 918, Ciudad de Buenos Aires.

Las entradas anticipadas se encuentran a la venta y la producción anunció una promoción con 30% de descuento.

Una cita para los seguidores de AC/DC y para quienes quieran escuchar en vivo a uno de los músicos que estuvo allí cuando todo comenzaba.

Una de las grandes obras de Giuseppe Verdi vuelve a escena en Buenos Aires. Juventus Lyrica continúa su Temporada 2026 con Rigoletto, una de las óperas más populares y apasionantes del repertorio italiano, que tendrá cuatro funciones durante octubre en el Teatro Avenida.

Después del éxito de Madama Butterfly, que reunió a más de 3.000 espectadores, la compañía presenta su segunda producción del año los días 16, 18, 23 y 24 de octubre, con dirección musical de André Dos Santos y dirección escénica de María Jaunarena.

Estrenada en Venecia en 1851, Rigoletto es una de las grandes tragedias de la ópera italiana. La historia tiene como protagonista a Rigoletto, el bufón de la corte del Duque de Mantua, y a su hija Gilda. Poder, amor, engaño y venganza se entrecruzan en una trama que conserva toda su intensidad más de 170 años después de su estreno.

La música es, por supuesto, una de las grandes protagonistas. La partitura reúne algunas de las composiciones más reconocidas de Verdi, incluida la célebre “La donna è mobile”, una melodía que trascendió el universo de la ópera y se convirtió en una de las piezas más famosas de la música clásica.

Para esta nueva producción, María Jaunarena tendrá a su cargo tanto la dirección escénica como el vestuario, mientras que André Dos Santos estará al frente de la dirección musical. La escenografía y la iluminación serán responsabilidad de Gonzalo Córdova.

El elenco estará encabezado por Juan Salvador Trupia como Rigoletto. María Lucía González, con Mailén Blanco Arriola como cover, interpretará a Gilda; Nazareth Aufe e Iván Vega asumirán el rol del Duque; Cristian de Marco y Víctor Chávez serán Sparafucile, mientras que Eugenia Fuente y Luz Matas interpretarán a Maddalena.

Además de las funciones, Juventus Lyrica realizará una actividad especial antes del estreno. El jueves 8 de octubre a las 18, María Jaunarena y André Dos Santos participarán de una charla abierta junto a la periodista Margarita Pollini en Casa Victoria Ocampo, Rufino de Elizalde 2831. El encuentro permitirá conocer el detrás de escena y distintos aspectos de la producción, acompañado por ejemplos musicales interpretados por los propios cantantes.

La iniciativa forma parte del trabajo que Juventus Lyrica viene desarrollando para acercar el género a nuevas generaciones. Durante la temporada, más de 1.100 estudiantes secundarios participaron de dos funciones exclusivas para colegios de Madama Butterfly, una experiencia que volverá a repetirse antes del estreno de Rigoletto.

Rigoletto – Juventus Lyrica

Teatro Avenida – Av. de Mayo 1222, Ciudad de Buenos Aires.

Funciones: viernes 16 de octubre a las 20; domingo 18 a las 17.30; viernes 23 y sábado 24 de octubre a las 20.

Las entradas pueden adquirirse a través de Ticketek y en la boletería del Teatro Avenida, de martes a domingos de 13 a 19.

Una nueva oportunidad para disfrutar en vivo de uno de los títulos fundamentales de Verdi, con una historia atravesada por pasiones, secretos y venganza, y algunas de las melodías más inolvidables de la historia de la ópera.

Tuve la oportunidad de asistir a la avant premiere de Cautiva, compartir la presentación junto a sus actores y equipo y ver su primer episodio. Alcanzó ese capítulo para comprobar que estamos frente a una ficción que sabe generar tensión desde los primeros minutos y, sobre todo, despertar la necesidad de conocer qué sucederá después.

La nueva serie original de TNT y Flow está inspirada en un caso real ocurrido en la Argentina: el del convento de las Carmelitas Descalzas de Nogoyá, Entre Ríos, que tomó estado público en 2016 a partir de una investigación periodística.

La ficción pone en el centro de la historia a Clara, interpretada por Carolina Kopelioff, una joven que decide ingresar a un convento de clausura siguiendo una profunda vocación religiosa. Pero el lugar que debía acercarla a su fe comienza lentamente a transformarse en un espacio de sometimiento.

Allí aparece Cecilia, la madre superiora interpretada por Lorena Vega, que ejerce sobre las religiosas un régimen marcado por el control, la manipulación, la violencia psicológica y el abuso de poder. Quince años después de su ingreso, Clara consigue escapar del convento en un estado físico y emocional extremo. Con la ayuda de su familia deberá comenzar a reconstruirse, recuperar aquello que perdió durante los años de encierro y emprender una lucha por justicia.

Uno de sus aciertos es la manera en que construye el clima. Cautiva no necesita explicar todo inmediatamente. Los silencios, las miradas, las rutinas y la sensación permanente de vigilancia van encerrando también al espectador dentro de ese universo.

La puesta acompaña muy bien esa sensación. Los interiores del convento son cerrados, austeros y opresivos, en contraste con el mundo exterior. Incluso el convento que vemos en pantalla fue construido cinematográficamente a partir de tres locaciones diferentes.

Carolina Kopelioff logra transmitir la fragilidad, el desconcierto y el sometimiento de Clara, mientras que Lorena Vega construye una madre superiora inquietante, capaz de generar tensión incluso desde los pequeños gestos. El elenco se completa con nombres de enorme peso como Rita Cortese, Julieta Zylberberg, Valeria Lois, Tomás Wicz, Rochi Hernández, Lautaro Bettoni, Evitta Luna y Luis Ziembrowski, entre otros.

Dirigida por Paula Hernández y Jazmín Stuart, Cautiva aborda temas complejos como el fanatismo, el abuso de autoridad, el encierro y las consecuencias psicológicas que puede dejar el sometimiento. Pero también propone hablar de supervivencia, reconstrucción y de la posibilidad de recuperar la propia voz.

Vi solamente el primer capítulo y fue suficiente para querer continuar. Es intenso, incómodo y atrapante, y deja planteadas muchas preguntas sobre lo que ocurrió dentro de ese convento y sobre el camino que deberá atravesar Clara una vez afuera.

Con seis episodios de aproximadamente 40 minutos, Cautiva ya puede verse completa en Flow.

Una ficción argentina basada en hechos reales que vuelve sobre una historia estremecedora y la convierte en un relato que, desde su primer episodio, consigue algo fundamental: dejarnos con ganas de ver el siguiente.