Después de más de tres décadas acompañando a distintas generaciones, la saga regresa con una historia que pone a Jessie en el centro de la escena. La intrépida vaquerita se centra en el corazón de una aventura emotiva, divertida y profundamente actual, sin perder la esencia que convirtió a Toy Story en un clásico del cine animado.

La historia encuentra a Bonnie, timida y sin relacionarse con otros niños, inmersa en su mundo de juguetes pero cada vez más atraída por la tecnología y por Lilypad, una moderna tablet diseñada para acompañarla en su vida cotidiana. Frente a esta nueva realidad, Jessie, Buzz, Woody y el resto de los juguetes deberán enfrentar un desafío diferente a cualquier otro: demostrar que los juegos, la imaginación y los vínculos reales siguen teniendo un lugar fundamental en la infancia. Pero eso no es todo, Jessie se reencontrara con su pasado volviendo a la casa de una dueña anterior a Bonnie…como llego hasta alli y como hara para volver ? Eso lo vas a descubrir a lo largo de la peli.

Lejos de plantear una batalla entre buenos y malos, la película reflexiona sobre cómo la tecnología transforma la forma de relacionarnos. El conflicto no pasa por demonizar las pantallas, sino por recordar aquello que puede quedar relegado cuando ocupan todo el espacio: la imaginación, el compartir con otros, la creatividad y esos momentos simples que nacen cuando una familia juega junta.

Con humor, acción y momentos emotivos, Toy Story 5 recuerda que crecer no significa dejar de imaginar. Es una película para los chicos, pero también para los adultos que alguna vez pasaron horas creando mundos con sus juguetes. Una invitación a apagar por un rato las pantallas, volver a jugar y disfrutar del tiempo compartido en familia.

Una nueva aventura que mira hacia el futuro sin olvidar aquello que hizo eterna a la saga: la amistad, la imaginación y la magia de jugar juntos.

Redondita por donde se la mire! VAyan a verla!

AH !!! HAY POST CREDITOS…NADA DE IRSE RAPIDO!

«El estado de la unión»: una comedia inteligente sobre el amor, las crisis y todo aquello que nos une

¿Qué pasa cuando una pareja ya no sabe si está luchando por salvar su relación o simplemente intentando entender qué les ocurrió en el camino? Esa es la pregunta que atraviesa «El estado de la unión», una de las atractivas propuestas de la cartelera porteña, protagonizada por Eleonora Wexler y Gonzalo Heredia, dos intérpretes que logran una química tan natural que por momentos parece que estamos espiando una conversación real.

La obra, basada en el texto del reconocido escritor británico Nick Hornby («Alta fidelidad»), nos presenta a Ana Laura y Matías, un matrimonio en crisis que cada semana se encuentra en un bar antes de asistir a terapia de pareja. En esos encuentros previos repasan años de convivencia, reproches, frustraciones, recuerdos, deseos y todo aquello que alguna vez los unió. Entre confesiones, ironías y discusiones cargadas de humor, ambos intentan descubrir si todavía existe una oportunidad para seguir adelante juntos.

El gran acierto de la puesta está en su pareja protagónica. Eleonora Wexler y Gonzalo Heredia construyen un vínculo creíble, entrañable y profundamente humano. Se escuchan, se desafían y se complementan con una naturalidad admirable. Hay momentos de tensión, de ternura y de comedia que funcionan gracias a dos actuaciones precisas y llenas de matices. Representan situaciones que cualquiera que haya estado en pareja alguna vez reconocerá de inmediato.

Y ahí reside una de las mayores virtudes de la obra: la identificación. Más allá de estar casado, separado o enamorado, en algún momento te vas a ver reflejado en esas conversaciones sobre expectativas incumplidas, diferencias cotidianas, rutinas, desencuentros y pequeñas complicidades que sobreviven al paso del tiempo. La risa aparece constantemente, a veces nerviosa, pero también la emoción. Porque detrás de cada discusión hay una pregunta universal: ¿cómo se sostiene el amor cuando la vida real se impone sobre la ideal?

Con dirección de Andrea Garrote (acertada) , la puesta encuentra el equilibrio entre comedia y drama, evitando los lugares comunes y apostando por diálogos filosos, honestos y muy actuales. El resultado es una obra ágil, divertida y conmovedora que invita a reflexionar sobre los vínculos sin perder nunca el entretenimiento.

Teatro Picadero – Pasaje Enrique Santos Discépolo 1857, Ciudad de Buenos Aires.

Funciones:
• Viernes, sábados y domingos – 20 hs.

Decir «LA CASA DE BERNARDA ALBA » es un clásico que parece intocable, pero «Bernarda la de la casa» demuestra que siempre es posible encontrar una nueva manera de contar una gran historia. Esta original versión inspirada en la obra de Federico García Lorca, transforma el drama en una experiencia tan divertida como conmovedora, sin perder la profundidad de los temas que hicieron inmortal a la obra.

La propuesta, dirigida por Eleonora Valdez junto a la Compañía de Señoras, apuesta por el lenguaje del clown para abordar los deseos reprimidos, las tensiones familiares y los mandatos que pesan sobre las mujeres. El resultado es una puesta fresca, creativa y profundamente humana, donde el humor abre la puerta a reflexiones que siguen siendo tan vigentes como hace casi un siglo.

Uno de los grandes «SI» del espectáculo es su elenco. Gabriela Biebel, Silvina Chivi García, Julia Muzio, María Pastur y Eleonora Valdez despliegan una energía contagiosa y una entrega admirable. Cada una encuentra el equilibrio perfecto entre la comicidad y la emoción, logrando que el público ría a carcajadas y, al mismo tiempo, conecte con las heridas y frustraciones de estos personajes atrapados por las normas sociales.

La puesta suma además música en vivo a cargo de Guido Briscioli y Santiago Comín, junto con bellísimas proyecciones de dibujos realizados con arena, recursos que enriquecen visualmente la experiencia y le aportan una identidad muy particular. Nada sobra y todo contribuye a construir un universo poético que sorprende desde el primer minuto.

Las opiniones del público acompañan el éxito de la propuesta. Con cientos de valoraciones positivas en Alternativa Teatral, la obra se convirtió en una de las más comentadas del circuito independiente, destacándose especialmente las actuaciones, el humor y la originalidad de la adaptación.

¿Es buena la obra? La respuesta es sí. Y mucho. Porque logra algo difícil: respetar el espíritu de Lorca mientras encuentra una voz propia. «Bernarda la de la casa» emociona, divierte y deja pensando. Una combinación que no siempre se encuentra en la cartelera.

Auditorio AIC Abasto
Humahuaca 3640 – Almagro

Elenco:
Gabriela Biebel, Silvina Chivi García, Julia Muzio, María Pastur y Eleonora Valdez.

Funciones:
Sábados a las 20 hs. (consultar programación vigente).

Entrada:
A la gorra, con reserva previa. Una excelente oportunidad para disfrutar teatro de calidad y apoyar el trabajo del circuito independiente.

José María Muscari vuelve a sorprender con una propuesta original y emotiva. Después de su exitoso paso por el Teatro Nacional Cervantes, «Doradas» desembarcó en el Teatro Regina para seguir conquistando al público con una historia que mezcla nostalgia, humor, emoción y mucha verdad. La particularidad: es la primera obra teatral argentina creada con la colaboración de Inteligencia Artificial, aunque el corazón del espectáculo está puesto en algo mucho más humano: las experiencias de vida de sus protagonistas.

Sobre el escenario se lucen cinco mujeres que forman parte de la memoria afectiva de varias generaciones: Cristina Alberó, Marta Albertini, Judith Gabbani, Carolina Papaleo y Ginette Reynal. Juntas construyen un espectáculo que habla del paso del tiempo, la fama, los sueños cumplidos y aquellos que quedaron pendientes. A través de monólogos, recuerdos, confesiones y momentos de gran sensibilidad, las actrices revisitan sus propias historias y conectan de manera directa con el público.

Lo más valioso de «Doradas» es la entrega de sus protagonistas. No interpretan personajes lejanos: se muestran tal como son, compartiendo anécdotas, emociones y vivencias que generan identificación inmediata. Cada una tiene su momento de brillo, pero juntas forman un ensamble irresistible, cargado de complicidad, carisma y oficio. Es imposible no emocionarse al verlas reivindicar sus trayectorias y demostrar que el talento no tiene fecha de vencimiento.

Muscari, que celebra 30 años de carrera, encontró en esta obra una manera de homenajear a grandes figuras del espectáculo argentino. Y lo hace con su sello inconfundible: una puesta dinámica, música, glamour y una estética impactante que cuenta con vestuario de Verónica de la Canal, escenografía de Martín Roig e iluminación de Eli Sirlin. Ver despues de disfrutarlas en tantas novelas a Cristina Albero, Marta Albertini y Carolina Papaleo es un mimo a la nostalgia, tambien Ginette y Judith con la belleza y la picardia que recordamos de cada performance de la modelo y la actriz.

«Doradas» es un encuentro con artistas que marcaron una época, un viaje a través de los recuerdos y una celebración de la vigencia. Divertida, entrañable y por momentos nostalgica, nos deja una sensación clara al salir de la sala: algunas estrellas nunca dejan de brillar.

Teatro Regina – Avenida Santa Fe 1235 Funciones:
Domingos – 18 hs.

Viendo esta obra me encontra con una experiencia teatral fascinante sobre las historias que contamos para sobrevivir

«Una sombra voraz», escrita y dirigida por Mariano Pensotti junto al Grupo Marea, es una propuesta inteligente, conmovedora y profundamente actual.

La obra construye un juego de espejos entre realidad y ficción a través de dos historias que avanzan en paralelo. Por un lado, conocemos a Julián Vidal, un alpinista decidido a escalar el Annapurna siguiendo los pasos de su padre. Por otro, a Manuel Rojas, un actor cuya carrera parece haberse detenido y que recibe la oportunidad de interpretar a Vidal en una película biográfica. A medida que ambas historias se cruzan, surgen preguntas sobre la identidad, la memoria, los vínculos familiares y la manera en que los relatos terminan moldeando nuestras vidas.

Pero si hay algo que convierte a «Una sombra voraz» en una experiencia inolvidable es la entrega absoluta de sus protagonistas. Diego Velázquez y Patricio Aramburu ofrecen actuaciones de una intensidad extraordinaria. Ambos sostienen el escenario con una presencia magnética, cambiando de registros con una naturalidad asombrosa y llevando al espectador por momentos de humor, emoción y reflexión. La química entre los dos actores es uno de los grandes motores de la obra.

La puesta también merece una mención especial. Con una escenografía minimalista diseñada por Mariana Tirantte, donde una pared metálica giratoria se transforma constantemente, la obra crea distintos espacios físicos y emocionales sin necesidad de grandes artificios. Todo está puesto al servicio de la narración y del trabajo interpretativo.

Pensotti vuelve a demostrar por qué es una de las voces más originales del teatro contemporáneo argentino. A través de una historia sobre el alpinismo, los biopics cinematográficos y el impacto del cambio climático, reflexiona sobre la distancia que existe entre lo que vivimos y la versión que terminamos contando de nuestra propia historia.

«Una sombra voraz» no ofrece respuestas fáciles. Invita a pensar, emociona y sorprende. Y lo hace apoyada en dos actuaciones memorables que sostienen cada minuto de una obra tan desafiante como cautivante.

Autor y director: Mariano Pensotti. Intérpretes: Diego Velázquez, Patricio Aramburu. Vestuario: Mariana Tirantte. Escenografía: Mariana Tirantte. Iluminación: David Seldes. Música: Diego Vainer. Sala: Dumont 4040 (Santos Dumont 4040).  Duración: 90 minutos

Funciones Entrada: $ 30.000,00 – Sábado – 20:00 hs – Del 08/08/2026 al 29/08/2026

Una propuesta ideal para quienes buscan un teatro que entretenga, emocione y deje preguntas resonando mucho después del aplauso final.

Mucho más que playas paradisíacas y aguas cristalinas. Aruba quiere que quienes la visitan vivan una experiencia diferente, más profunda y auténtica. Por eso, la llamada «Isla Feliz» acaba de presentar su nuevo posicionamiento de marca bajo un concepto tan simple como poderoso: “Cuando amas Aruba, Aruba te ama”.

La propuesta llega en un momento en el que cada vez más viajeros buscan algo más que una postal para Instagram. Hoy las experiencias, las conexiones genuinas y el bienestar ocupan un lugar central, y Aruba decidió hacer de esa tendencia su bandera.

La idea es invitar a los visitantes a descubrir la isla desde otro lugar: conectando con su gente, disfrutando de sus paisajes con respeto, de su gastronomia y viviendo cada momento sin apuros. «Cuando amas Aruba, Aruba te ama» no es solamente un slogan turístico, sino una filosofía que promueve una relación de ida y vuelta entre el destino y quienes llegan a conocerlo.

Desde la Autoridad de Turismo de Aruba explican que el nuevo enfoque se apoya en tres conceptos clave: la reciprocidad, el turismo responsable y los viajes transformadores. La propuesta apunta a que cada visitante pueda sentirse parte de la isla y contribuir al cuidado de su entorno y de su comunidad.

Pero si hay algo que distingue a Aruba, aseguran, es su gente. La calidez de los arubianos, su hospitalidad y la forma en que reciben a quienes llegan son parte fundamental de la experiencia. De hecho, la campaña pone especial énfasis en que el bienestar de los habitantes locales también es una pieza clave para que el turismo funcione de manera sostenible.

Uno de los conceptos más interesantes que impulsa esta nueva etapa es el llamado «Efecto Aruba», una sensación que muchos turistas describen después de pasar unos días en la isla. Se trata de ese momento en el que el reloj parece ir más lento, el estrés queda atrás y uno logra reconectarse consigo mismo mientras disfruta del entorno.

Con esta nueva campaña, Aruba busca posicionarse como mucho más que un destino de vacaciones. La invitación es clara: bajar el ritmo, disfrutar cada instante y descubrir que viajar también puede ser una forma de transformación personal. Porque, según la filosofía de la isla, cuando uno ama Aruba, Aruba siempre encuentra la manera de devolver ese cariño.

Tuve la oportunida de disfrutar esta isla el año pasado, en mi instagram https://www.instagram.com/marcelapgodoy/ tengo mi viaje en Historias destacadas, te invito a pasar y animarte a pensar en tu proximo destino, a esta isla feliz!

En el día de su cumpleaños, la Ciudad de Buenos Aires rindió homenaje a una de las máximas figuras de la historia del cine argentino. El Ministerio de Cultura presentó «La Buenos Aires de Graciela Borges», una nueva Ruta Cultural que invita a vecinos y turistas a descubrir los lugares que marcaron la carrera de la reconocida actriz.

La propuesta recorre doce espacios emblemáticos de la Ciudad vinculados a la vida artística de Borges, quien a lo largo de más de seis décadas construyó una trayectoria inolvidable en el cine, la televisión y el teatro argentino.

El itinerario reúne escenarios que formaron parte de algunas de las películas más recordadas de su filmografía y sitios icónicos de la cultura porteña. Entre ellos se destacan el Palacio Ceci, la estación Belgrano R, el Museo Nacional de Arte Decorativo, el Cementerio de la Recoleta, la Avenida 9 de Julio, el Teatro Colón, Parque Lezama y el tradicional barrio de La Boca.

La iniciativa busca acercar al público al universo de una artista que supo convertirse en un símbolo de la cultura nacional. A través de este recorrido, los visitantes podrán redescubrir Buenos Aires desde la mirada de una actriz que trabajó con grandes directores y protagonizó películas que ya forman parte del patrimonio cinematográfico argentino.

Dueña de una elegancia y un talento inconfundibles, Graciela Borges continúa siendo una referencia indispensable para varias generaciones de artistas y espectadores. Este nuevo circuito cultural no solo celebra su cumpleaños, sino también su enorme aporte al cine y a la identidad cultural del país.

Con esta propuesta, Buenos Aires suma una nueva experiencia para quienes disfrutan del turismo cultural y del séptimo arte, invitando a recorrer la ciudad a través de la huella imborrable de una de sus estrellas más queridas.

Netflix suma a su catálogo una de esas historias que trascienden al deporte. Dibu Martínez: El pibe que ataja el tiempo es mucho más que un documental sobre fútbol: es un recorrido emotivo por la vida de un chico de Mar del Plata que soñó en grande, atravesó frustraciones, peleó contra la adversidad y terminó convirtiéndose en uno de los máximos ídolos de la Selección Argentina.

Dirigida por Gustavo Cova y basada en un cuento de Hernán Casciari, la película apuesta por una narrativa original que combina documental, animación, material de archivo y testimonios inéditos. Las secuencias animadas están inspiradas en las ilustraciones de Liniers, aportando una estética sensible y poética que diferencia a esta producción de cualquier biopic deportiva convencional.

La historia nos presenta a un pequeño Emiliano Martínez que descubre que tiene el poder de detener el tiempo. A través de ese recurso fantástico, y de sus diálogos con una pelota que cobra vida, el relato reconstruye los desafíos que marcaron su camino: la distancia de su familia, los años de espera en Inglaterra, las oportunidades que parecían no llegar y la fortaleza mental que lo llevó a convertirse en campeón del mundo.

El documental incluye además testimonios de figuras fundamentales como Lionel Messi, Lionel Scaloni y Miguel Ángel Santoro, además de familiares, amigos de la infancia y compañeros que ayudan a comprender quién es realmente el hombre detrás de los guantes.

Con una duración de apenas 77 minutos, la película habla de perseverancia, de sueños y de la importancia de no rendirse cuando el éxito parece lejano. Para quienes vibraron con cada atajada en Qatar, para los amantes del fútbol y también para quienes disfrutan de las historias de superación, Dibu Martínez: El pibe que ataja el tiempo es una cita obligada. Porque detrás del arquero que detuvo penales decisivos y levantó copas hay un niño que nunca dejó de creer.

La cuenta regresiva ya empezó y la expectativa alrededor de Charlie y la Fábrica de Chocolate – El Show se siente cada vez más fuerte. A pocos días de su estreno, previsto para el 4 de junio en el mítico Teatro Gran Rex, tuve la oportunidad de colarme en parte de uno de los ensayos generales que se realizaron en un enorme galpón de Villa Urquiza, donde la maquinaria de esta megaproducción no se detiene ni un segundo.

Entre coreografías, canciones, pruebas técnicas y cambios de vestuario, el clima que se respira es de entusiasmo absoluto. Cada rincón del espacio está atravesado por la adrenalina de quienes saben que están a punto de estrenar uno de los espectáculos más ambiciosos de la temporada teatral 2026.

Allí converse con algunos de sus protagonistas, entre ellos Agustín “Rada” Aristarán, que tendrá la enorme responsabilidad de ponerse en la piel del excéntrico Willy Wonka «Es un personaje muy complejo y un gran desafio en mi vida, voy a volar arriba del teatro Gran Rex!!!». También con Sebastián Almada, quien interpretará al entrañable abuelo Joe «Me inspire en mi abuelo para hacer este personaje» además de integrantes del elenco como Dolores Ocampo «Estoy muy feliz, ser la madre de uno de los chicos es muy ecletico y se equivoca pero a la vez lo hace desde el lugar donde piensa que hace lo mejor » y Sebastián Holz , parte del grupo de padres que en la interna del musical ya son conocidos cariñosamente como los «Chocopapis». Hay 4 grupos de chicos que arengan permanentemente y suman su frescura a este equipo que se siente invencible.

Todos coinciden en algo: el desafío es enorme, pero el grupo humano hace que el trabajo diario sea mucho más llevadero. Las jornadas de ensayo pueden extenderse durante horas, con una exigencia física y artística importante, aunque puertas adentro nadie oculta la felicidad de formar parte de este proyecto.

«Hay un equipo espectacular», fue una de las frases que más se repitió durante las charlas. Y se nota. La química entre los artistas aparece incluso en los pequeños momentos de descanso, donde las bromas, las risas y la complicidad ayudan a aliviar la intensidad de los ensayos.

La producción, que lleva el sello de los responsables de éxitos como La Sirenita, Matilda y School of Rock, apuesta fuerte con una puesta de gran escala, más de veinte artistas en escena, cuatro elencos infantiles y un importante despliegue técnico.

Durante el ensayo ya se pudieron observar algunos fragmentos de números musicales, parte del trabajo coreográfico y el nivel de detalle con el que se construye el universo de Willy Wonka. Todo apunta a una experiencia visual impactante, pensada para deslumbrar tanto a chicos como a grandes.

Basada en la clásica historia de Charlie y la fábrica de chocolate, la propuesta promete sumergir al público en un mundo de fantasía, música y emoción, acompañado por personajes que ya forman parte del imaginario de varias generaciones.

Mientras el estreno se acerca, la sensación entre quienes forman parte del espectáculo es clara: hay nervios, sí, pero sobre todo muchas ganas de abrir el telón y encontrarse con el público. Y después de ver de cerca una parte de ese trabajo silencioso que sucede lejos de las luces de la avenida Corrientes, queda la impresión de que Charlie y la Fábrica de Chocolate – El Show tiene todos los ingredientes para convertirse en uno de los grandes fenómenos familiares del invierno y lo repito . 2026 AÑO DE LOS MUSICALES, y lo disfrutamos con todo!

La noche porteña volvió a encender una de sus marquesinas más emblemáticas. El histórico Teatro Santa María reabrió sus puertas y lo hizo con una celebración a la altura de su leyenda, reuniendo a figuras del espectáculo, la cultura, el periodismo y el deporte en una gala cargada de emoción, recuerdos y expectativas por esta nueva etapa.

Ubicado en pleno corazón de la avenida Corrientes alternativa, sobre la calle Montevideo, el tradicional teatro recupera su lugar dentro del circuito cultural porteño después de un importante proceso de puesta en valor. La reapertura no sólo significa la recuperación de un edificio histórico, sino también el regreso de un escenario que supo marcar épocas y recibir a grandes referentes del arte nacional.

La gala inaugural contó con la presencia de personalidades como Mario Pergolini, Carlos Tévez, Pablo Alarcón, Patricia Palmer, Héctor Cavallero y Marcelo de Bellis, entre muchos invitados que celebraron el regreso de una sala muy querida por el ambiente artístico.

El momento más ovacionado de la noche llegó con la presentación de Mora Godoy junto a La Máquina Tanguera, acompañada por la Orquesta Ensamble Aeropuertos Argentina. El tango volvió a adueñarse del escenario y funcionó como un puente perfecto entre la rica historia del teatro y el futuro que comienza a escribirse.

Con capacidad para 300 espectadores, el renovado espacio conserva la elegancia de su arquitectura neoclásica, con detalles ornamentales que lo transformaron en un ícono cultural de Buenos Aires. Durante décadas fue considerado una verdadera cuna del jazz argentino y por su escenario pasaron nombres fundamentales de la cultura nacional, entre ellos Les Luthiers.

La reapertura del Teatro Santa María representa mucho más que el regreso de una sala: es la recuperación de una parte de la memoria cultural porteña. En tiempos donde sostener espacios dedicados al arte es un desafío constante, volver a ver sus luces encendidas tiene algo de celebración colectiva. Buenos Aires recupera uno de sus escenarios históricos y la cultura suma nuevamente una casa donde seguir contando historias.