El documental que registra el regreso de los hermanos Gallagher convierte una pelea histórica, una gira monumental y millones de fanáticos en una emocionante historia sobre la música, la memoria y la reconciliación.

Durante años, la pregunta parecía imposible de responder: ¿volverían alguna vez Liam y Noel Gallagher a compartir un escenario?

Después de la explosiva separación de Oasis en 2009, los hermanos parecían destinados a continuar sus vidas por caminos completamente diferentes. Las peleas, las declaraciones cruzadas y una relación marcada por el enfrentamiento se convirtieron casi en parte de la leyenda de la banda. Por eso, cuando finalmente llegó la noticia de la reunión y la gira Oasis Live ’25, el regreso tuvo algo de acontecimiento histórico.

Oasis: Don’t Look Back in Anger parte justamente de ese conflicto. Pero lo interesante es que no se queda en el escándalo ni intenta convertir la película en una interminable explicación sobre quién tuvo la culpa. La pelea de los Gallagher es el punto de partida para contar algo mucho más grande: cómo una banda puede atravesar generaciones y cómo sus canciones pueden convertirse en parte de la vida de millones de personas.Y ahí está uno de los grandes aciertos de la película.No hace falta ser un fanático de Oasis para disfrutarla.

El documental funciona como una historia de rock, pero también como una historia humana. Porque mientras seguimos el reencuentro de Liam y Noel, también descubrimos qué significó Oasis para personas de distintos países, edades y culturas. En Argentina veras como un hincha de San Lorenzo convierte una de las canciones de oasis (wonderwall) en un cantico de cancha, es genial!

La gira se transforma entonces en un recorrido por el mundo. Cada ciudad aporta su propia identidad y la película consigue mostrar cómo una misma canción puede adquirir significados completamente diferentes según quién la escucha y dónde la escucha. Wonderwall, Live Forever, Champagne Supernova, Stop Crying Your Heart Out y, por supuesto, Don’t Look Back in Anger, dejan de ser simplemente canciones de una banda británica para convertirse en parte de la memoria colectiva de quienes las hicieron propias.

Los directores Will Lovelace y Dylan Southern —responsables también de trabajos vinculados al universo musical— utilizan material de archivo, imágenes de los ensayos, cámaras ocultas y un impresionante registro de los conciertos para meternos literalmente dentro de la gira. El primer ensayo conjunto, después de 15 años de separación, tiene una tensión especial: Liam aparece, se queja de la batería, canta y se va. Parece una escena mínima, pero funciona como una síntesis perfecta de la historia de estos dos hermanos.

Después llegan los estadios.Y ahí la película se vuelve enorme.

Hay algo hipnótico en observar a decenas de miles de personas cantando al mismo tiempo canciones que fueron escritas décadas atrás. El documental entiende que el verdadero fenómeno Oasis no está únicamente arriba del escenario. Está también abajo: en los padres que llevaron a sus hijos, en las nuevas generaciones que descubrieron las canciones durante los años en que la banda estuvo separada y en quienes esperaron 15 años para volver a escuchar a los Gallagher juntos.

Hay momentos especialmente conmovedores en los que Noel se muestra mucho más vulnerable de lo que suele permitir su personaje público. Es también una reflexión sobre crecer, envejecer y descubrir que algunas canciones permanecen intactas aunque nosotros ya no seamos los mismos.

Por supuesto, el documental tiene una mirada claramente favorable a Oasis. No pretende hacer una investigación periodística sobre la banda ni cuestiona demasiado algunos aspectos polémicos de la gira, como el precio de las entradas. Tampoco profundiza demasiado en las verdaderas razones que llevaron a los hermanos a permanecer enfrentados durante tantos años. Es una película oficial y eso se nota.

Pero justamente ahí está la decisión narrativa: no intenta resolver el pasado, sino mostrar qué sucede cuando finalmente los protagonistas deciden dejarlo atrás.

Y quizás por eso el título resulta tan apropiado.

Don’t Look Back in Anger no es solamente el nombre de una de las canciones más importantes de Oasis. Es casi una declaración de principios para esta nueva etapa de los Gallagher.

Una celebración musical, emotiva y visualmente potente. Imperdible para los fans y absolutamente recomendable para quienes simplemente aman el cine y la música.

Flavio Mendoza vuelve a apostar fuerte y, esta vez, directamente construye su propio universo. “La Cúpula” es mucho más que un espectáculo: es una experiencia visual y sensorial que combina teatro, danza, música en vivo, acrobacia, tecnología y una puesta de dimensiones poco habituales.

El espectáculo se presenta en un imponente domo instalado en el predio del Casino Buenos Aires, en Puerto Madero. La estructura, diseñada en 360 grados y sin columnas que obstaculicen la visión, es uno de los grandes protagonistas de la propuesta. Sobre ella, un espectacular mapping transforma permanentemente el espacio, mientras doce plataformas móviles modifican el escenario y generan diferentes niveles y movimientos.

La historia elegida para inaugurar este espacio es “El Príncipe Feliz, Corazón Dorado”, inspirada en el clásico cuento de Oscar Wilde. La trama cuenta la historia de un príncipe convertido en estatua que, acompañado por una golondrina, descubre el sufrimiento de quienes lo rodean y decide desprenderse de sus riquezas para ayudarlos. Pero en la propuesta de Mendoza el relato funciona, sobre todo, como un punto de partida para desplegar un enorme universo visual.

Y ahí está, justamente, una de las claves de “La Cúpula”: el relato queda muchas veces en segundo plano frente a la experiencia. La potencia del espectáculo está en lo que ocurre alrededor del espectador y, especialmente, en el movimiento constante de los artistas y de la escenografía.

El elenco merece un reconocimiento especial. Alan Lez, en el rol del Príncipe Feliz, Nacho Pérez Cortés como Dédalo y Valentina Podio como La Golondrina encabezan una compañía de gran nivel, acompañados por bailarines, acróbatas y artistas aéreos. Hay mucho trabajo físico detrás de cada número y se nota. Los bailarines aportan precisión, energía y una presencia escénica que sostiene buena parte del espectáculo.

Las coreografías de Catta son otro de los puntos fuertes. Hay momentos de gran despliegue, con cuerpos que aparecen, desaparecen, se elevan y se integran con las imágenes proyectadas.

También sorprende el vestuario, cuidadosamente pensado para integrarse con la estética fantástica de la propuesta. Colores, texturas, brillo y volumen acompañan la transformación permanente del escenario y consiguen que los artistas parezcan formar parte de ese universo proyectado sobre la cúpula.

La música , composición de Fede Vilas, completa una puesta que busca estimular todos los sentidos. La tecnología está al servicio del espectáculo y no al revés: el mapping, las plataformas móviles, las luces y los movimientos escénicos se combinan para generar imágenes de gran impacto.

“La Cúpula” funciona mejor cuando se la disfruta como una experiencia que cuando se le exige una estructura narrativa tradicional. No es necesario encontrar en cada escena una explicación argumental; muchas veces alcanza con dejarse llevar por lo que sucede alrededor. Tiene algunos momentos en los que el despliegue técnico puede imponerse sobre la historia, pero cuando la música, los bailarines, el vestuario, las coreografías y las imágenes se encuentran, el resultado es realmente impactante.

Flavio Mendoza vuelve a hacer lo que mejor sabe: pensar en grande, sorprender y llevar el espectáculo hacia un terreno diferente. “La Cúpula” tiene algunos momentos en los que el despliegue técnico puede imponerse sobre la historia, pero cuando la música, los bailarines, el vestuario, las coreografías y las imágenes se encuentran, el resultado es realmente impactante.

“La Cúpula” se presenta en el predio del Casino Buenos Aires, en Av. Elvira Rawson de Dellepiane, Puerto Madero. Actualmente hay funciones jueves y viernes a las 20, sábados a las 17 y 20, y domingos a las 17 y 20, según la cartelera disponible para septiembre. La duración aproximada es de 90 minutos.

Si hay algo que Con la nuestra consigue desde el primer minuto es que el público se entregue al juego. La nueva comedia escrita por Jorgelina Aruzzi y Peto Menahem propone una historia ágil, divertida y llena de enredos, donde el dinero, la ambición y las miserias humanas quedan expuestos entre risas.

La historia transcurre en un exclusivo country. Tres vecinas (Jorgelina Aruzzi, Patricia Etchegoyen y Gloria Carra) y el instructor de tenis (Toto Kirzner)  deciden entrar a la casa de Martín (Rafa Ferro), un financista al que le confiaron dinero para una inversión que prometía convertirlos en millonarios. El problema es que creen que el hombre está fuera del país y, cuando descubren que sigue allí, todo lo que podía salir mal empieza a salir peor.

A partir de ese momento, mentiras, reproches, secretos, alianzas inesperadas y situaciones desopilantes se suceden a un ritmo que no da demasiado respiro. Cada personaje tiene algo para esconder y, sobre todo, algo que perder. Y cuando aparece un guardia de seguridad con sus propias cuentas pendientes (Marcelo De Bellis), el caos termina de instalarse.

Lo mejor de Con la nuestra es justamente su ritmo. La historia tiene diálogos con chispa y los enredos se van acumulando sin que la comedia pierda energía, la risa se sucita por cada situacion que se genera . Es de esas obras que invitan a olvidarse por un rato de todo y simplemente disfrutar de una buena función.

Y para que eso suceda hace falta un elenco que entienda perfectamente el código de la comedia. Jorgelina Aruzzi, Marcelo De Bellis, Rafael Ferro, Patricia Echegoyen, Gloria Carrá y Tomás Kirzner se meten de lleno en este universo de personajes ambiciosos, inseguros, tramposos y bastante desesperados por salvarse y la rompen.

Cada uno encuentra su momento para brillar y su manera de provocar la risa, pero lo más atractivo está en cómo funcionan juntos. La química entre los actores es fundamental para que los equívocos, las discusiones, los guiños y las situaciones absurdas tengan el timing necesario.

Jorgelina, además de protagonizar, comparte la autoría con Peto Menahem, quien también dirige la puesta. Esa combinación se nota en la obra y sale airosa.

 El enganche de Con la nuestra es que  nadie es completamente inocente y todos tienen algo que esconder.

Una nueva comedia en la calle Corrientes para elegir sin dudarlo, te la super recomiendo.

CON LA NUESTRA esta de jueves a domingos en el PASEO LA PLAZA Av.Corrientes 1660

Idea original y libro de: JORGELINA ARUZZI y PETO MENAHEM
Dirección: PETO MENAHEM
Diseño de Escenografía: MARIANA TIRANTTE
Diseño de Vestuario: SOFÍA DI NUNZIO
Diseño de Iluminación: MATÍAS SENDÓN
Dirección de Producción: CANDELARIA AUDI
Coordinación de Producción: DANIELA SABBATELLA
Producción Ejecutiva: MARCELA GARGANO
Asistencia de Dirección & Stage Manager: MARIANA MELINC
Asistencia de Diseño de Vestuario: NATALIA MEDINA
Prensa y Comunicación: VANESA BAFARO
Coordinador Prensa: JUAN GUTIÉRREZ ARANA
Comunicación digital: @bushicontenidos
Diseño gráfico: XAVIER PROTTO ESNAOLA
Fotografía: ALEJANDRA LÓPEZ
PRODUCCIÓN GENERAL: PRELUDIO

No hacen falta grandes discursos, una orquesta ni instrumentos convencionales para construir un espectáculo de alto impacto. STOMP transforma tachos, escobas, bidones, cajas, caños y hasta objetos que forman parte de nuestra vida cotidiana, como los diarios, en instrumentos capaces de generar una verdadera fiesta sobre el escenario.

Después de 16 años, el fenómeno internacional volvió a Buenos Aires y lo hizo con una energía intacta. STOMP es precisión, humor, destreza y talento, pero también es una experiencia que se vive con el cuerpo: cada golpe, cada pisada y cada sonido repercute en la platea hasta conseguir que el público termine formando parte de ese gran concierto rítmico.

La propuesta creada por Luke Cresswell y Steve McNicholas sigue teniendo una enorme vigencia porque logró algo que no es sencillo: convertir lo cotidiano en extraordinario. Un tacho deja de ser un tacho, una escoba deja de ser una escoba y un simple golpe puede transformarse en una secuencia musical. Todo está pensado, medido y ejecutado con una precisión impresionante.

Y ahí aparece uno de los grandes secretos de STOMP: nada parece casual aunque todo parezca espontáneo. Los ocho intérpretes que están en escena funcionan como una maquinaria perfectamente aceitada. Se buscan, se desafían, se interrumpen, juegan y se responden a través del ritmo. Hay coreografía, teatro físico, percusión y muchísimo humor.

Pero también hay algo fundamental: talento. Porque detrás de cada golpe hay una enorme exigencia física y una coordinación que sorprende. Los cuerpos forman parte de la música y cada movimiento tiene una función dentro de una puesta que prácticamente no necesita palabras.

El espectáculo consigue además algo maravilloso: hacer vibrar a públicos de todas las edades. Los chicos se fascinan con los sonidos y los objetos; los adultos disfrutan de la precisión, el humor y la destreza de los artistas. Y todos terminan atrapados por ese ritmo contagioso que se apodera del Teatro Ópera.

La escenografía es un universo de objetos cotidianos dispuesto sobre el escenario que poco a poco cobra vida. Lo que podría parecer un depósito se transforma en una gigantesca caja de resonancia.

Y cuando el público responde, aplaude y acompaña el ritmo, queda claro que STOMP no es solamente un espectáculo para mirar. Es para escuchar, sentir y disfrutar.

Después de 16 años, el público argentino volvió a encontrarse con STOMP y la respuesta no podía ser otra: aplausos, entusiasmo y una sala completamente entregada al ritmo.

NO SE LO PIERDAN

STOMP

📍 Teatro Ópera, Av. Corrientes 860
📅 Hasta el 13 de septiembre de 2026
⏱️ Duración: aproximadamente 100 minutos.

Una fiesta de ritmo, humor y talento. Para ver y dejarse llevar.

¿Qué pasa cuando de pronto dejamos de reconocernos en la mirada de los demás? Esa es la pregunta que dispara Una, el unipersonal protagonizado magistralmente por Miriam Odorico, una obra que toma como punto de partida Uno, ninguno y cien mil, de Luigi Pirandello, y la transforma en un potente viaje sobre la identidad, la soledad y las distintas personas que podemos ser según quién nos mire.

Angélica Moscarda vive una existencia aparentemente conocida y ordenada hasta que un comentario aparentemente insignificante de su marido sobre su nariz provoca una grieta. A partir de allí comienza a preguntarse quién es realmente, cuánto de lo que cree ser está construido por los otros y qué queda cuando decide desprenderse de las etiquetas, los mandatos y las distintas versiones que los demás tienen de ella.

La propuesta de Giampaolo Samá, responsable de la dramaturgia y la dirección, tiene la inteligencia de no convertir esas preguntas filosóficas en un discurso pesado. Por el contrario, aparecen el humor, el absurdo, la emoción y también momentos de enorme tensión. La obra avanza entre esas diferentes capas de Angélica hasta convertir la identidad en un territorio cada vez más incierto.

Pero si hay una razón fundamental para ver Una, es Miriam Odorico.

La actriz se enfrenta al enorme desafío de construir un unipersonal en el que, prácticamente sin abandonar su silla y utilizando un único vestuario, consigue convertirse en diferentes personajes. Cambia la voz, el cuerpo, la mirada, la energía y hasta la manera de ocupar el espacio. Y lo hace con una precisión EXTRAORDINARIA.

Odorico no necesita grandes recursos escenográficos para llenar el escenario. Su cuerpo es la escenografía y su voz, el instrumento que permite que aparezcan todos los personajes que habitan a Angélica. Marido, suegra, cura, vecinos y distintas versiones de la propia protagonista aparecen frente al espectador a través de una actriz que demuestra un dominio absoluto de la escena.

No es casual que su trabajo haya recibido reconocimientos como el Premio María Guerrero a la Actuación Unipersonal y que la obra haya acumulado distintas distinciones durante sus temporadas anteriores.

Hay algo particularmente atractivo en Una: no pretende entregarnos una respuesta sobre quiénes somos. Hace algo bastante más interesante: nos deja la pregunta.

Porque todos somos, de alguna manera, una persona para nosotros mismos y otra para cada uno de los que nos rodean. La Angélica que vemos en escena intenta desprenderse de esas múltiples miradas para encontrar una verdad propia, aunque el camino hacia esa libertad tenga un precio.

Una silla, un vestuario y una iluminación alcanzan para construir todo un universo.

Una excelente oportunidad para reencontrarse con el enorme talento de Miriam Odorico en un trabajo de esos que justifican por sí solos una salida al teatro.

UNA
Dramaturgia y dirección: Giampaolo Samá
Actúa: Miriam Odorico
Vestuario: Julio Suárez
Diseño de luces: Giampaolo Samá
Duración: 70 minutos
Sábados a las 17.30 hs.
Almagna Teatro, Guardia Vieja 3783, CABA.

Luisana Lopilato se mete en la piel de Margarita Di Tullio, la mujer que se convirtió en una de las figuras más controvertidas y recordadas de la noche marplatense, en Pepita, la pistolera, el regreso de Lucía Puenzo al cine y una película que encuentra en el thriller, el policial y el true crime distintas herramientas para contar una historia atravesada por la violencia, el poder y la supervivencia.

La película se sitúa en Mar del Plata, en 1985, y reconstruye un período de la vida de Margarita, una trabajadora sexual embarazada que intenta abrirse camino en un ambiente dominado por hombres, mafias, prostitución, corrupción policial y complicidades. A medida que avanza la historia, esa mujer que intenta defenderse y proteger a otras compañeras comienza a construir el personaje que terminará convirtiéndose en Pepita.

Uno de los grandes aciertos de la película es que no intenta convertir a Margarita en una heroína ni tampoco en una villana. Puenzo se mete en sus contradicciones y deja que el espectador vaya descubriendo sus decisiones, sus zonas oscuras y también las razones que la llevaron a convertirse en quien fue. Esa mirada sobre los claroscuros de la protagonista es uno de los aspectos que también destacaron varias de las críticas publicadas tras su estreno.

Y hay algo que le da a la película una identidad especial: haber sido filmada en Mar del Plata. La ciudad no funciona solamente como escenario. El puerto, las calles, la noche y ese paisaje marplatense de los años 80 construyen el universo en el que se mueve Margarita. El resultado es una reconstrucción de época convincente, que permite entrar en un mundo áspero y peligroso.

La gran sorpresa es Luisana Lopilato. No estamos viendo a la Luisana que conocemos de la televisión y de tantas películas: aparece una mujer más dura, vulnerable, calculadora, impulsiva y con una enorme capacidad para sobrevivir. Su trabajo sostiene la película y demuestra, una vez más, que Lopilato tiene mucho más para ofrecer como actriz de lo que muchas veces se le reconoce.

Lucía Puenzo vuelve a demostrar que sabe trabajar con personajes femeninos complejos. Después de películas como XXY, El niño pez y Wakolda, la directora encuentra en Pepita una figura ideal para regresar a la pantalla grande. Y lo hace sin bajar línea de manera evidente: cuenta, observa y deja espacio para que el espectador juzgue —o no— a su protagonista.

Pero otro de los puntos fuertes es el elenco. Claudio Tolcachir, Alberto Ajaka, Charo López, Marcelo Subiotto, Camila Peralta, Esteban Bigliardi y Gustavo Bassani acompañan a Lopilato con actuaciones sólidas y personajes que enriquecen ese universo. Particularmente interesantes son los vínculos entre las mujeres, las alianzas y las relaciones de poder que se van construyendo alrededor de Margarita.

La película además cambia de registro a medida que avanza. Comienza más contenida e introspectiva, después se transforma en un relato de negociaciones, poder y crimen, y finalmente se acerca decididamente al true crime. Esa mezcla de géneros puede generar algunos desniveles, algo señalado también por otras críticas, pero al mismo tiempo es lo que le permite a Puenzo escapar de la biopic convencional.

Una película para ver en el cine y descubrir a una mujer que tal vez no conocemos a traves de una LUisana diferente. Recomendada

El Teatro Colón se prepara para un estreno mundial que reúne danza, literatura y música argentina. El próximo 10 de septiembre, el Ballet Estable presentará Principio de Éxtasis, una nueva creación inspirada en “El Aleph” de Jorge Luis Borges, con dirección y coreografía del español Goyo Montero.

Durante un desayuno de prensa, Julio Bocca, director artístico del Ballet Estable, destacó el origen de un proyecto que comenzó a gestarse hace varios años y que finalmente reúne a grandes artistas argentinos. La música original fue compuesta por Gustavo Santaolalla, mientras que la puesta cuenta con escenografía de Eduardo Basualdo, vestuario y diseño de Mariana Tirantte, iluminación de Nicolás Fischtel y voz en off de Ricardo Darín.

Montero, reconocido admirador de Borges desde su adolescencia, explicó que la obra no pretende ofrecer una interpretación definitiva de El Aleph, sino acercarse al universo del escritor desde una mirada personal. “Cada uno encuentre su propio Aleph”, señaló el coreógrafo.

La música tendrá un papel fundamental. Santaolalla aseguró sentirse especialmente identificado con el universo borgiano y trabajó sobre conceptos como el infinito, la memoria, los espejos, la repetición y lo circular, incorporando además una mirada particular sobre el tango.

Principio de Éxtasis propone así un encuentro entre uno de los grandes escritores argentinos y una compañía de ballet que busca proyectarse hacia nuevos lenguajes, con una creación especialmente concebida para el escenario del Colón.

Las funciones serán el 10, 11, 15, 16, 17, 18 y 19 de septiembre a las 20 horas, y el 13 y 20 de septiembre a las 17, en la Sala Principal del Teatro Colón.

“El Mago de Oz”atraviesa generacion sin perder su capacidad de sorprender. Esta nueva versión que llega al Teatro Nacional Cervantes consigue recuperar toda la magia del clásico de L. Frank Baum con una puesta de gran despliegue, música en vivo y un elenco que entiende que para contar un cuento también hay que jugar.

La adaptación de Marisé Monteiro, basada en El maravilloso Mago de Oz, encuentra en la dirección general de Sebastián Irigo una mirada que apuesta fuertemente a la fantasía, pero que también rescata algo esencial del relato: el valor de la amistad. Dorothy emprende su viaje buscando regresar a su casa y, en ese recorrido por el maravilloso mundo de Oz, se encuentra con tres compañeros que creen necesitar aquello que justamente van a descubrir que ya tienen dentro de ellos: inteligencia, corazón y valentía.

El Espantapájaros, el Hombre de Lata y el León son personajes que sienten que les falta algo para ser completos, pero es el camino compartido el que termina revelándoles sus propias fortalezas. Irigo pone el foco justamente allí: nadie salva a nadie por sí solo y el recorrido se vuelve mucho más rico cuando se comparte.

En ese viaje, Albana Fuentes construye una Dorothy de enorme carisma. Tiene la inocencia necesaria para el personaje, pero también la energía y la determinación que necesita una protagonista que atraviesa un mundo desconocido. Su conexión con el público es inmediata y sostiene muy bien el centro de la historia. La versatilidad en esta gran actriz es brillante.

A su lado, Leo Trento como Espantapájaros, Emiliano Larea como Hombre de Lata y Claudio Martínez Bel como León forman un trío que da placer verlos. Cada uno encuentra una identidad propia y, juntos, generan buena parte del humor y de la ternura de la obra. El Espantapájaros aporta frescura y expresividad; el Hombre de Lata combina humor y sensibilidad, mientras que el León resulta especialmente entrañable.

También merece destacarse Vanesa Butera, que interpreta tanto a la Bruja Buena del Norte como a la Bruja Mala del Oeste. El desafío de diferenciar dos personajes tan opuestos está muy bien resuelto , chapeu Vanesa!

Y si hay algo que distingue particularmente a esta producción es la música en vivo. La presencia de una orquesta integrada por seis músicos le aporta otra dimensión al espectáculo. Las composiciones de Ángel Mahler y Martín Bianchedi, con arreglos y dirección musical de Damián Mahler, no funcionan simplemente como acompañamiento: forman parte del relato y ayudan a construir el universo fantástico de Oz.

Las coreografías de Vanesa García Millán aportan movimiento y ritmo a una puesta que necesita sostener permanentemente la atención de los chicos, pero que también tiene elementos para disfrutar desde la mirada adulta. Ese es otro mérito: no subestima a los niños ni convierte al adulto que los acompaña en un simple espectador secundario.

“El Mago de Oz” es una propuesta familiar, musical y visualmente atractiva, con un muy buen elenco y una puesta que recupera la fantasía del clásico sin perder de vista su corazón. Se presenta en la Sala María Guerrero del Teatro Nacional Cervantes, Libertad 815, CABA, con funciones sábados y domingos a las 14.30, y continuará hasta el 27 de septiembre de 2026. La función tiene una duración aproximada de 80 minutos.

Más de treinta años después, el caso Barreda sigue provocando preguntas. No solamente por la brutalidad del cuádruple femicidio cometido en 1992, sino también por la particular construcción mediática que convirtió durante años a Ricardo Barreda en una especie de personaje popular, mientras las cuatro mujeres asesinadas quedaban relegadas a un segundo plano.

Barreda, la nueva película dirigida por Daniela Goggi, llega a Prime Video con una decisión muy clara: contar esa historia desde otro lugar. La película reconstruye el crimen ocurrido en La Plata, pero evita convertirlo en un espectáculo de morbo y pone especial atención en las vidas y vínculos de las cuatro víctimas. Esa elección atraviesa toda la narración y le da a la propuesta una perspectiva diferente de otras ficciones inspiradas en casos policiales.

La película tiene como figura central a Luis Machín, que interpreta a Ricardo Barreda. El actor compone un personaje inquietante, contenido y de una frialdad que resulta mucho más perturbadora que cualquier exceso. Su trabajo es uno de los grandes puntos fuertes del film y permite reconstruir al hombre detrás de la figura que durante años ocupó titulares.

Pero el verdadero peso del relato está en el elenco femenino. Carla Peterson interpreta a Gladys Mac Donald, esposa de Barreda; Mercedes Morán encarna a Elena Arreche, su suegra; Maite Lanata es Cecilia Barreda, la hija mayor; y Margarita Páez interpreta a Adriana Barreda, la hija menor, en su debut cinematográfico.

Cada una consigue darle identidad propia a personajes que durante mucho tiempo fueron conocidos simplemente como “la esposa”, “la suegra” y “las hijas de Barreda”. En ese sentido, el film logra uno de sus objetivos más importantes: devolverles nombre, personalidad e historia.

Mercedes Morán sobresale particularmente en la construcción de Elena, una mujer cuya imagen pública quedó durante años atrapada en la caricatura de la suegra insoportable que justificaba, para algunos, la violencia posterior. La actriz le devuelve complejidad y humanidad. Peterson, por su parte, construye una Gladys sensible,sumisa y con matices, mientras Lanata y Páez aportan vitalidad y cercanía a Cecilia y Adriana.

Goggi evita además recrear el crimen desde el impacto fácil. La película se interesa más por aquello que lo rodeaba: la dinámica de esa familia, las relaciones de poder, el contexto social y la manera en que la sociedad argentina de los años 90 procesó el caso. La ambientación de época es otro de sus aciertos y ayuda a reconstruir no solamente una casa y una familia, sino también una Argentina atravesada por una mirada muy diferente sobre la violencia de género.

El guion, escrito por Daniela Goggi, Josefina Licitra, Tamara Talesnik, Juan Cavoti y Donna Tefa, combina la reconstrucción de los hechos con el proceso judicial (destaco la labor de Alberto Ajaka y Marcelo Subiotto como abogados de las victimas y de Barreda )y con testimonios que permiten imaginar las vidas que quedaron silenciadas (Paola Barrientos como Pirucha la amiga de Barreda es excelente).

Ahí aparece también una de las discusiones que plantea la película. Aunque busca correrse de la mirada del asesino, algunos análisis señalan que resulta difícil dejarlo completamente afuera porque el caso, por definición, sigue girando alrededor de su figura.

Una película fuerte, cuidada y, sobre todo, necesaria para volver a mirar aquella historia desde una perspectiva distinta. Porque esta vez la pregunta no es solamente qué hizo Barreda, sino quiénes eran las cuatro mujeres cuya historia quedó durante décadas detrás de su nombre.

Una noche. Doce horas. Una ciudad enloquecida. Y dos personas que, entre encuentros, desencuentros y toda clase de situaciones inesperadas, quizás descubran que encontrar el amor puede ser bastante más complicado que simplemente encontrar con quién pasar la noche.

Solo por una noche (One Night Only) es la nueva comedia romántica dirigida por Will Gluck, realizador de Easy A, Amigos con beneficios y Con todos menos contigo. La película vuelve a apostar por uno de los géneros más clásicos de Hollywood, pero lo hace a partir de una premisa bastante particular: en un futuro cercano, un gobierno restrictivo prohibió las relaciones sexuales fuera del matrimonio, salvo durante una única noche al año en la que los solteros tienen permitido dejar de lado esa regla.

En ese contexto aparecen Owen, interpretado por Callum Turner, y Allie, a cargo de Monica Barbaro. Los dos llegan a esa noche con expectativas diferentes, pero coinciden en algo: detrás de la posibilidad de un encuentro pasajero buscan, en realidad, algo más.

El planteo le permite a la película combinar romance, humor y situaciones disparatadas mientras los protagonistas recorren Nueva York intentando encontrarse. La ciudad vuelve a funcionar como un personaje más, aunque la propuesta intenta alejarse de los escenarios más obvios para mostrar una Manhattan nocturna dinámica, colorida y especialmente atractiva.

El principal acierto está en sus protagonistas. Callum Turner y Monica Barbaro tienen química, carisma y una naturalidad que sostiene buena parte de la película. La relación entre Owen y Allie avanza a partir de pequeñas coincidencias, malentendidos y encuentros accidentales, y es allí donde Solo por una noche encuentra su mejor tono.

El humor tampoco busca reinventar el género. La película apuesta por la comedia de enredos, por algunas situaciones absurdas y por personajes secundarios que aparecen para complicar todavía más una noche que, desde el comienzo, estaba destinada a salir mal. Entre los nombres del elenco aparecen además Julia Fox, Molly Ringwald( si si la actriz de The Breakfast Club) , LeVar Burton y King Princess.

Solo por una noche es, una de esas películas ideales para quienes disfrutan de las comedias románticas clásicas, con protagonistas queribles, buenos momentos de humor, una ciudad que siempre suma encanto y una historia que busca, por encima de todo, entretener.

Y en tiempos en los que una buena comedia romántica parece casi un género en extinción, que una película simplemente consiga sacarnos una sonrisa, acompañarnos durante un rato y dejarnos con ganas de que esos dos personajes terminen juntos tampoco es poca cosa.