Otello, la monumental ópera de Giuseppe Verdi volvió al escenario del Teatro Colón en una producción que deslumbra desde lo visual y encuentra en sus intérpretes el complemento perfecto para una historia de pasión, celos, manipulación y tragedia.

Basada en la obra de William Shakespeare, con libreto de Arrigo Boito, Otello es una de esas piezas en las que música y drama son prácticamente inseparables. Y justamente ahí está uno de los grandes aciertos de esta versión: dejar que Verdi respire, que la música conduzca las emociones y que cada escena tenga el peso dramático que merece.

La puesta de Fabio Sparvoli es elegante, potente y profundamente teatral. No hay elementos que parezcan estar puestos porque sí: la escenografía(es imponente el primer acto), el vestuario, las luces y el movimiento de los personajes construyen un universo que acompaña la tragedia sin competir con ella. El resultado es una producción visualmente hermosa, de esas que por momentos hacen olvidar que estamos viendo una obra escrita hace casi 140 años.

Y si la puesta es uno de los grandes atractivos, las voces terminan de convertir la experiencia en algo verdaderamente extraordinario. Gregory Kunde , en el rol de Otello, entrega un protagonista de enorme intensidad, capaz de transitar la autoridad, el amor, la vulnerabilidad y finalmente la desesperación. Su presencia escénica está a la altura de la exigencia de un personaje que prácticamente no tiene descanso emocional.

María Agresta compone una Desdémona conmovedora, delicada pero nunca frágil, y encuentra en la belleza de su voz una herramienta ideal para expresar la inocencia y el sufrimiento del personaje. Su interpretación tiene una sensibilidad especial, especialmente en los momentos finales, cuando la tragedia ya parece inevitable.

Yago es, claro, el gran motor oscuro de la historia. Daniel Luis de Vicente construye un personaje inquietante, inteligente y manipulador, sin necesidad de sobreactuar su maldad. Hay algo todavía más perturbador en su interpretación: la tranquilidad con la que mueve los hilos de una tragedia que sabe que está provocando.

A todo esto se suma una Orquesta Estable del Teatro Colón que sostiene con solvencia una partitura extraordinaria, bajo la dirección musical de Alejo Pérez. Verdi aparece en toda su dimensión: dramático, sofisticado, intenso y capaz de pasar de la intimidad a la grandilocuencia en cuestión de segundos.

Porque Otello también habla de algo muy actual: cómo una mentira bien construida puede instalarse en la cabeza de alguien hasta destruirlo todo. Los celos, la inseguridad, la manipulación y el poder de la palabra siguen siendo reconocibles, aunque hayan pasado siglos desde Shakespeare y décadas desde que Verdi convirtió esa tragedia en música.

El Teatro Colón vuelve a demostrar por qué es uno de los grandes escenarios del mundo. Esta nueva producción, realizada en coproducción con el Auditorio de Tenerife, tiene la dimensión artística que una obra como Otello necesita y, al mismo tiempo, consigue algo fundamental: emocionar.

Una puesta soberbia, grandes voces, una escenografía impactante, un vestuario exquisito y una música que atraviesa de principio a fin. Otello no es solamente una ópera para escuchar: es una experiencia para mirar, sentir y dejarse llevar. Y en el Colón, esta vez, todo está en su lugar.

Otello. Ópera en 4 actos de Giuseppe Verdi con libretto en italiano de Arrigo Boito, basado en La Tragedia de Otello, el moro de Venecia de Shakespeare. Coproducción con el Auditorio de Tenerife. Dirección musical: Alejo Pérez. Dirección del coro: Miguel Martínez. Dirección de escena: Fabio Sparvoli. Escenografía: Nicolás Boni. Vestuario: Tommaso Lagattolla. Diseño de video y animaciones: Nicolás Boni y Matías Otálora. Iluminación: José Luis Fiorruccio. Orquesta Estable y Coro Estable del Teatro Colón. Coreografías: Vagram Ambartsoumian. Reparto: Otello: Gregory Kunde, Desdémona: Maria Agresta, Iago: Daniel Luis de Vicente, Cassio: Diego Bento, Emilia: Alejandra Malvino, Lodovico: Insung Sim, Roderigo: Fermín Prieto, Montano: Mario De Salvo, Un heraldo: Gabriel Vacas. 

Después de varios años, Blanca Oteyza vuelve a nuestro país para ponerse en la piel de una figura inmensa de la escena: Margarita Xirgu, la actriz catalana que hizo historia, fue musa de Federico García Lorca y convirtió al teatro en una forma de vida.

Bajo la dirección de Javier Demaria, la obra propone un recorrido íntimo por la vida de Xirgu, su vínculo con el teatro, su exilio y la huella que dejó a ambos lados del Atlántico. La dramaturgia pertenece a Javier Demaria y Blanca Oteyza, a partir de una idea original de la propia actriz.

Y hay algo especialmente atractivo en esta elección: Oteyza no solamente interpreta a una mujer que dedicó su existencia al escenario, sino que también regresa a un país que fue fundamental en su propia trayectoria. Aquí protagonizó teatro, cine y televisión, y fue parte de uno de esos fenómenos teatrales difíciles de repetir: “El diario de Adán y Eva”, espectáculo que permaneció más de diez años en cartel y cosechó numerosos premios.

La puesta apuesta por la intimidad antes que por el despliegue. Oteyza está acompañada en escena por un bandoneonista, Julio Covello, un recurso que suma una fuerte identidad rioplatense y construye una atmósfera evocadora para acompañar el relato de una mujer atravesada por el arte, los viajes, el exilio y la memoria.

Lo más valioso del espectáculo es justamente esa posibilidad de encontrarnos con una historia enorme desde un lugar cercano. No se trata solamente de repasar la biografía de Margarita Xirgu: la obra recupera el espíritu de una actriz que entendió el escenario como territorio de libertad y resistencia. Y en la interpretación de Oteyza aparece, inevitablemente, un diálogo entre dos artistas separadas por generaciones pero unidas por una misma pasión.

Blanca conoce muy bien ese territorio. Actriz, directora, productora y docente, lleva más de tres décadas vinculada a los escenarios nacionales e internacionales y continúa desarrollando además una importante tarea de formación actoral en España.

El espectáculo tiene además una particularidad que lo vuelve todavía más especial: el regreso de Blanca Oteyza funciona como un puente entre España y Argentina. Dos actrices españolas, dos épocas y dos continentes que vuelven a encontrarse a través del teatro.

“Margarita Xirgu. Una actriz entre dos continentes” se presenta en la Sala Argentina del Palacio Libertad, Sarmiento 151, con funciones el viernes 14 y sábado 15 de agosto a las 20, y dos últimas funciones el domingo 16 y lunes 17 a las 19.

Pero la historia no termina en Buenos Aires. El espectáculo continúa su recorrido por Mar del Plata: el sábado 22 de agosto a las 20.30 llegará a la Sala Astor Piazzolla del Teatro Auditorium.

Hay algo conmovedor en ver a una actriz regresar al lugar donde construyó parte de su historia para contar la historia de otra actriz que también tuvo que atravesar fronteras, pérdidas y exilios. En ese cruce entre Margarita Xirgu y Blanca Oteyza, entre España y Argentina, el teatro vuelve a demostrar que algunas historias no necesitan grandes artificios: alcanza con una actriz, una vida extraordinaria y un escenario para que la memoria vuelva a cobrar vida.

Una propuesta sensible, elegante y profundamente teatral, especialmente recomendable para quienes disfrutan de las historias de grandes mujeres de la escena y de esos espectáculos que, cuando terminan, siguen resonando un rato más.

Hay vidas que piden una biografía. La de Moria Casán pide una puesta en escena con brillos y sombras tambien . Y Netflix entendió que contar la historia de “La One” de manera convencional hubiera sido, probablemente, el peor error. Este viernes 14 de agosto llega a la plataforma “Moria”, la serie dirigida por Javier Van de Couter que recorre la vida de una de las figuras más inclasificables, provocadoras y populares del espectáculo argentino. Y la apuesta es tan particular como su protagonista: tres grandes actrices interpretan a Moria en diferentes etapas de su vida: Sofía Gala Castiglione, Griselda Siciliani y Cecilia Roth.

Uno de los grandes atractivos de la serie es, sin dudas, Sofía Gala interpretando a su propia madre.

La elección podría haber quedado simplemente en una cuestión de parecido físico o en el juego mediático de “la hija interpreta a la madre”. Pero Sofía Gala va mucho más allá. Construye una Moria joven con carácter, sensualidad, ambición y una enorme necesidad de encontrar su lugar. Hay algo particularmente interesante en su interpretación: no intenta copiar a Moria, intenta comprenderla.

Y eso se percibe. En los gestos, en la mirada, en la manera de moverse y, especialmente, en la energía que transmite. La actriz consigue encontrar a la mujer detrás del personaje que todos conocemos.

Griselda Siciliani toma la posta para otra etapa de la vida de la protagonista y también está muy bien. Su Moria ya es una figura consolidada, una mujer que entiende el poder de la exposición y que empieza a convertir su propia personalidad en una marca.

Siciliani captura muy bien esa mezcla de seguridad, ironía y provocación que convirtió a Moria en un fenómeno popular.

Y Cecilia Roth completa el trío con una interpretación sólida, aportando otra mirada y otra edad a la protagonista. La decisión de utilizar tres actrices no es solamente un recurso narrativo: permite mostrar cómo Moria fue cambiando sin dejar de ser reconocible.

La serie recorre los comienzos de Moria, su llegada al mundo de la revista, el cine, la televisión, sus grandes momentos de popularidad y también algunos de los episodios más difíciles de su vida personal

Pero “Moria” no pretende ser una cronología prolija de acontecimientos. Es una serie sobre la construcción de un personaje. Porque Moria Casán no solamente tuvo una carrera: construyó un personaje público que terminó siendo inseparable de la mujer.

La ficción juega con la memoria, la fantasía, el humor y la teatralidad. Por momentos se vuelve delirante, exagerada y hasta surrealista. Y justamente ahí encuentra su identidad.

Más allá de sus tres protagonistas, el elenco funciona muy bien y logra recrear distintas épocas del espectáculo argentino. mARCO ANTONIO CAPONI COMO CASTIGLIONE,MICA RIERA COMO SUSANA, OLIVIA NUSS COMO SOFIA GALA,HERNAN JIMENEZ COMO PORCEL O LA DESOPILANTE LETICIA BREDICE COMO SU DE LOS 90

La serie tiene además un enorme atractivo para quienes crecieron viendo televisión, teatro de revista y cine nacional, porque aparecen referencias a un mundo del espectáculo que ya no existe de la misma manera.

Y hay algo fascinante en volver a mirar esa historia desde el presente. Más allá de los escándalos, las frases célebres y los titulares, la serie permite entender por qué Moria consiguió mantenerse vigente durante décadas.

Fue vedette, actriz, conductora, jurado, figura mediática y personaje de sí misma. Cambió de época sin perder protagonismo y convirtió la provocación en una herramienta de identidad.

“Moria” también habla de eso: de una mujer que entendió que en el mundo del espectáculo sobrevivir no alcanza. Hay que saber transformarse.

Netflix no intentó domesticar a Moria. Y eso es, probablemente, lo mejor que podía hacer.Porque para contar a una mujer que hizo de la provocación un arte, la serie tenía que animarse a ser un poco provocadora también. Aplausos

Hay parejas de ficción que funcionan porque tienen buenos guiones, otras porque sus protagonistas son grandes actores y algunas porque, simplemente, tienen química. Adrián Suar y Natalia Oreiro pertenecen a esa última categoría. Y Yo, Narciso lo confirma.

A más de una década de Solamente vos, aquella ficción que los convirtió en una de las duplas más queridas de la televisión argentina, Suar y Oreiro vuelven a encontrarse, esta vez en la pantalla grande y con una comedia que juega con el amor, el ego, las apariencias y esa necesidad cada vez más instalada de ser vistos y admirados.

La película, dirigida por el propio Suar y escrita junto a Pablo Solarz, presenta a Rocío Flores (Natalia Oreiro), una profesora universitaria de Sociología que está escribiendo un libro sobre el narcisismo moderno. Para estudiar el fenómeno desde adentro decide elegir a un hombre que parece ser el caso perfecto: Máximo Rey (Adrián Suar), un exitoso y carismático cirujano estético que está absolutamente convencido de sus virtudes.

Rocío se presenta bajo una identidad falsa como una paciente interesada en realizarse un retoque estético. El objetivo es observarlo, estudiarlo y comprobar sus teorías. Y ahí aparece el gran motor de la película: el juego entre ellos.

Suar vuelve a explotar ese personaje que tan bien conoce: el hombre seductor, canchero, seguro de sí mismo, con una enorme confianza en sus encantos. Pero Máximo tiene una vuelta de tuerca: su ego no es solamente una característica de personalidad, sino prácticamente una forma de vida.

Oreiro, en cambio, encuentra en Rocío un personaje ideal para desplegar su costado más irónico y descontracturado. Su mirada, sus silencios y la manera en que intenta analizar racionalmente a un hombre que empieza a desordenarle todas las teorías generan algunos de los momentos más divertidos de la película.

La química entre Suar y Oreiro es, sin dudas, uno de los grandes aciertos. No necesitan forzar el vínculo ni explicar demasiado para que el espectador entienda que entre ellos existe una conexión. Hay complicidad, timing y una naturalidad que lo unico que hay que hacer es disfrutarlo.

El resto del elenco acompaña muy bien y le aporta diferentes tonos a la historia. Julieta Zylberberg, Sofía Morandi, Mariano Saborido, Andy Chango, Eleonora Wexler y Camila Peralta completan un reparto que entiende el código de comedia y consigue que la película no dependa exclusivamente de sus protagonistas.

Y hay una presencia que provoca un highlight en la pelicula : Moria Casán, en una participación especial como la madre del personaje de Suar. Su incorporación resulta particularmente apropiada para una película que se mete con el ego, la imagen y la necesidad de llamar la atención.

Yo, Narciso utiliza la comedia para hablar justamente de eso. De cuánto nos miramos a nosotros mismos y de cuánto dejamos de mirar al otro.

Como director, Suar vuelve a transitar un territorio que conoce muy bien: la comedia popular con personajes reconocibles, conflictos sentimentales y una cuota de emoción. Después de «30 noches con mi ex» y «Mazel Tov», suma una nueva película a un recorrido detrás de cámara que apuesta claramente por historias capaces de conectar con el público.

Humor, romance, enredos y una mirada sobre los vínculos actuales, esta combinacion funciona en YO NARCISO

Podrán pasar los años, cambiar los personajes y mudarse de la televisión al cine, pero cuando aparecen Adrian y Natalia juntos en pantalla, esa química, sigue estando.

Elenco:Julieta Zylberberg, Eleonora Wexler, Sofi Morandi, Camila Peralta, Mariano Saborido,Andy Chango
Participación especial:Moria Casan

Dirección: Adrián Suar
Guion: Pablo Solarz y Adrián Suar
Productores: Adrián Suar, Pablo E. Bossi, Cabe Bossi y Pol Bossi
Productores ejecutivos: Diego Andrasnik, Juan Lovece y Maximiliano Lasansky
Director de fotografía: Guillermo Nieto
Director de arte: Mariana Sourrouille
Edición: Florencia Efron y Gonzalo Arias
Música: Nico Sorín
Dirección de producción: Florencia Clérico
Asistente de dirección: Luis Bernárdez
Vestuario: Lili Piekar
Dirección de sonido: Guido Berenblum
Casting: Iair Said
Maquillaje y pelo: Karina Camporino

Hay obras que se miran. Otras que se sienten. «Lenguajes del adiós», escrita, dirigida e interpretada por Patricio Abadi, pertenece a ese segundo grupo: el de los espectáculos que abrazan al espectador desde la honestidad más absoluta y lo invitan a recorrer un camino tan íntimo como universal.

Lejos de caer en el golpe bajo, Abadi convierte una experiencia profundamente personal —la despedida de su madre— en una reflexión sobre los vínculos, la memoria y la capacidad sanadora del arte. El resultado es un biodrama delicado que combina actuación, relatos, música y un material audiovisual familiar valiosamente recuperado casi veinte años después, logrando que pasado y presente dialoguen con una naturalidad conmovedora.

La gran virtud de la obra está en su sensibilidad. No pretende dar respuestas sobre el duelo ni enseñar cómo atravesarlo. Simplemente comparte un recorrido humano, donde el dolor convive con el humor, la nostalgia con la esperanza y las lágrimas encuentran siempre un lugar para la sonrisa. Esa combinación convierte a Lenguajes del adiós en una experiencia cercana, cálida y auténtica.

Las imágenes, los videos caseros y las proyecciones dialogan con el actor en escena, generando una presencia constante de esa mama que ya no está físicamente, pero cuya esencia atraviesa cada instante del espectáculo.

Patricio Abadi ofrece una interpretación despojada, sincera y sin artificios. Su mayor acierto consiste en abrir las puertas de su intimidad sin perder nunca de vista que el verdadero protagonista es el vínculo entre una madre y un hijo. Esa historia termina convirtiéndose en la historia de todos, porque cualquiera que haya amado, perdido o simplemente extrañe a alguien encontrará un espejo donde reconocerse

Lenguajes del adiós habla de despedidas, pero también de todo aquello que permanece. Demuestra que el amor no desaparece con la ausencia, sino que encuentra nuevos lenguajes para seguir habitándonos. Es un espectáculo que emociona con delicadeza, con ternura,que invita a detenerse y escuchar los silencios, y que recuerda que el teatro también puede ser un refugio para sanar.

Diez años después de su desembarco en la Avenida Corrientes, La Granja de Zenón continúa demostrando por qué es uno de los espectáculos infantiles más convocantes del país. En estas vacaciones de invierno, el Teatro Astral recibe «En Busca del Arcoíris», una propuesta renovada que combina música, humor, una impactante puesta tecnológica y un mensaje inspirador para grandes y chicos.

La obra construye una historia que mantiene a los más pequeños atentos desde el primer minuto. En esta nueva aventura, Tito y el inseparable Bartolito sueñan con llegar hasta el arcoíris. Aunque Zenón y Pinto les aseguran que es imposible, ambos deciden emprender un viaje lleno de desafíos que les enseñará el valor de la perseverancia, la amistad y la importancia de nunca dejar de perseguir los sueños.

La producción apuesta fuerte a lo visual. Más de 150 metros de pantallas LED, efectos de luces, sonido envolvente y una escenografía dinámica transforman el escenario en un verdadero universo inmersivo que acompaña cada momento de la historia. A esto se suma un elenco que mantiene un gran ritmo durante toda la función, con coreografías, cambios de vestuario y una interacción constante con el público infantil, que canta, baila y participa activamente de la aventura.

Como no podía ser de otra manera, el repertorio reúne los mayores éxitos del universo de El Reino Infantil. Canciones que ya son clásicos como las de Bartolito, La Vaca Lola y los entrañables personajes de la granja generan una conexión inmediata con los chicos, mientras que los padres disfrutan viendo cómo sus hijos viven cada tema con entusiasmo.

«En Busca del Arcoíris» habla de la importancia de creer en los sueños, del trabajo en equipo y de no rendirse frente a las dificultades, sin perder nunca el tono divertido que caracteriza a la franquicia.

Una propuesta que confirma que, diez años después, la magia de la granja sigue más viva que nunca.

Teatro: Astral (Av. Corrientes 1639, Ciudad de Buenos Aires).

📅 Funciones: Hasta el 2 de agosto de 2026, con funciones diarias durante las vacaciones de invierno. Los horarios varían según el día, con funciones entre las 13, 14, 15 y 16 horas. Los fines de semana suelen ofrecer dos funciones, a las 14 y 16 hs.

🎟 Entradas: Se pueden adquirir en la boletería del Teatro Astral o a través de PlateaNet.

💰 Precios: Las entradas parten desde $25.000 y llegan hasta aproximadamente $45.000, según la ubicación elegida en la sala. También hay sectores intermedios con valores que rondan entre $30.000 y $38.000. Los precios pueden modificarse de acuerdo con la disponibilidad y la fecha de la función.

⏱ Duración: Aproximadamente 70 minutos, ideal para que los más chicos disfruten de principio a fin sin perder la atenció

Tuve la oportunidad de vivir la experiencia de Buenos Aires Immersive Tango (BAIT) No se trata del clásico espectáculo de tango que todos conocemos, sino de una propuesta innovadora que logra combinar la esencia de nuestra música ciudadana con tecnología de última generación, artistas en vivo y una puesta inmersiva que sorprende desde el primer minuto.

Ubicado en U.House (Aguirre 1410, Ciudad de Buenos Aires), este espectáculo invita al público a realizar un viaje sensorial por la historia del tango, donde imágenes envolventes, inteligencia artificial, efectos especiales, sonido inmersivo y actuaciones en vivo convierten cada escena en una experiencia emocionante.

Durante aproximadamente 30 minutos de proyección inmersiva, BAIT transporta a los espectadores a la Buenos Aires de principios del siglo XX para revivir el nacimiento del tango y homenajear a figuras fundamentales como Carlos Gardel, Astor Piazzolla y Tita Merello. La tecnología permite que el público se sienta parte de la historia, generando una experiencia completamente diferente a la de un espectáculo tradicional.

Uno de los grandes aciertos es que la innovación nunca opaca la emoción. Al contrario: la potencia. Las imágenes, la música y las actuaciones en vivo consiguen transmitir la identidad del tango de una manera moderna, atractiva y accesible para todas las generaciones.

Otro de los aspectos destacados es que el espectáculo cuenta con traducción simultánea al inglés y al portugués mediante auriculares, lo que permite que visitantes de distintos países puedan disfrutar plenamente de la experiencia.

Ofrece tres diferentes propuestas para que cada visitante elija cómo disfrutar la noche:

• 17:00 hs: café de bienvenida, recepción y show inmersivo (duración aproximada: 1 hora).
• 19:00 hs: vino de bienvenida, recepción, show inmersivo y bailarines en vivo (1 hora y 30 minutos).
• 21:00 hs: vino de bienvenida, propuesta gastronómica, bailarines en vivo, show inmersivo y una Electro Milonga para cerrar la experiencia (2 horas).

Las entradas tienen valores que van desde $30.000 hasta $80.000, según la experiencia elegida.

Si buscan un plan distinto para disfrutar en Buenos Aires, BAIT es una excelente opción.

Una experiencia inmersiva que sorprende, emociona y confirma que el tango sigue más vivo que nunca, ahora con una mirada hacia el futuro.

Comenzó la cuenta regresiva para una de las noches más importantes de la temporada teatral. La Asociación Argentina de Empresarios/as Teatrales y Musicales (AADET) anunció las nominaciones de la primera edición de los Premios PINTI, la nueva distinción que reconocerá la excelencia artística, técnica y productiva del teatro comercial argentino.

La gran ceremonia se realizará el lunes 27 de julio en el Teatro Colón y contará con la conducción de Agustín «Rada» Aristarán, además de presentaciones musicales, invitados especiales y transmisión en vivo por eltrece para todo el país.

Los Premios PINTI buscarán distinguir las mejores producciones que estuvieron en cartel entre agosto de 2025 y julio de 2026 y reunirán cuatro formas de reconocimiento: los premios elegidos por un jurado independiente, los Premios Trayectoria, los Espectáculos del Año y el Premio Favorito del Público, que será definido mediante votación abierta.

Uno de los aspectos destacados de esta primera edición es la conformación de un jurado integrado por 25 referentes del periodismo, la crítica, la literatura y la cultura, entre quienes se encuentra la periodista Marcela Godoy, junto a Carlos Ulanovsky, Claudia Piñeiro, Jorge Dubatti, Fernando Bravo, Pablo Sirvén, Sandra Commisso, Marcelo Stiletano, Gabriela Radice, Tatiana Schapiro y otros reconocidos especialistas.

Los Premios Trayectoria

AADET también reconocerá la extensa carrera y el aporte al teatro argentino de cuatro grandes figuras:

• Julio Chávez
• Moria Casán
• Mauricio Kartun
• Lino Patalano (homenaje póstumo)

Espectáculos del Año

Los espectáculos más convocantes de la temporada, elegidos por convocatoria de público, son:

• Annie
• Rocky
• Charlie y la Fábrica de Chocolate

Premio Favorito del Público

Además de las categorías oficiales, el público podrá elegir a su espectáculo preferido mediante una votación abierta, convirtiéndose en uno de los grandes protagonistas de esta primera edición de los Premios PINTI.

Todos los nominados

Mejor Comedia

• Berlín Berlín
• La función que sale mal
• Medida por medida (la culpa es tuya)
• Parlamento
• Una Navidad de Mierda

Mejor Drama o Comedia Dramática

• El brote
• Habitación Macbeth
• Imprenteros
• Las Hijas
• Lo que el río hace

Mejor Musical

• Annie
• Charlie y la Fábrica de Chocolate
• Cuando Frank conoció a Carlitos
• Hairspray
• The Ópera Locos

Mejor Unipersonal, espectáculo de humor, stand up o formato alternativo

• Chanta
• El equilibrista
• Feliz Día Sutottos
• Suavecita
• Un poyo rojo

Mejor Obra de Autoría Nacional

• Cuando Frank conoció a Carlitos
• El brote
• La vida extraordinaria
• Lo que el río hace
• Pundonor

Mejor Actriz de Comedia

• Carla Peterson
• Fernanda Metilli
• Lorena Vega
• Pilar Gamboa
• Verónica Llinás

Mejor Actor de Comedia

• Adrián Suar
• Diego Reinhold
• Juan Pablo Geretto
• Luis Brandoni
• Maxi de la Cruz

Mejor Actriz de Drama o Comedia Dramática

• Andrea Garrote
• Julieta Zylberberg
• Lorena Vega
• Pilar Gamboa
• Valeria Lois

Mejor Actor de Drama o Comedia Dramática

• Carlos Portaluppi
• Iñaki Aldao
• Luis Machín
• Pompeyo Audivert
• Roberto Peloni

Mejor Actriz en Musical

• Alejandra Perlusky
• Alejandra Radano
• Belén Bilbao
• Julieta Nair Calvo
• Lizy Tagliani

Mejor Actor en Musical

• Agustín «Rada» Aristarán
• Fer Dente
• Lucas Gerson
• Oscar Lajad
• Sebastián Almada

Mejor Actriz de Reparto

• Dolores Ocampo
• Lucía Adúriz Bravo
• Mónica Raiola
• Paula Kohan
• Vane Butera

Mejor Actor de Reparto

• David Masajnik
• Ian Ferreira
• Juan Isola
• Marcelo Savignone
• Mariano Saborido

Mejor Dirección

• Ariel Del Mastro y Marcelo Caballero (Charlie y la Fábrica de Chocolate)
• Emiliano Dionisi (El brote)
• Fer Dente (Hairspray)
• María Marull y Paula Marull (Lo que el río hace)
• Natalia Del Castillo (Cuando Frank conoció a Carlitos)

Mejor Coreografía

• Analía González (Annie)
• Analía González (Charlie y la Fábrica de Chocolate)
• Gustavo Wons (Billy Elliot)
• Luciano Rosso, Nicolás Poggi y Alfonso Barón (Un poyo rojo)
• Vanesa García Millán (Hairspray)

Mejor Diseño de Escenografía y/o Audiovisual

• Gonzalo Córdoba Estévez
• José Ponce Aragón
• Julieta Kompel y Gonzalo Córdoba Estévez
• Tadeo Jones
• Tato Fernández

Mejor Diseño de Vestuario, Caracterización y/o Maquillaje

• Gustavo Alderete (Hairspray)
• Matías Nazareno (Hairspray)
• Matías Nazareno y Feliciano San Román (Charlie y la Fábrica de Chocolate)
• Rodrigo González Garillo (Parlamento)
• Romina Lanzillotta y Catalina Rodríguez Loredo (Charlie y la Fábrica de Chocolate)

Mejor Diseño de Iluminación, Sonido y/o Música Original

• Anteo Del Mastro y Sebastián Viola
• David Seldes
• Gastón Briski
• Gonzalo González
• Mariano Demaría y Santiago Cámara

Mejor Producción

• Club Media y Olga (Hairspray)
• Guillermo Francella, Adrián Suar y Pablo Kompel (Desde el jardín)
• MP Producciones, Ozono Producciones, Carlos Rottemberg y Tomás Rottemberg (Charlie y la Fábrica de Chocolate)
• Preludio y RGB Entertainment (Annie)
• Preludio y RGB Entertainment (Rocky)

La primera edición de los Premios PINTI promete convertirse en una nueva cita obligada del calendario cultural argentino. Con un reconocimiento que abarca tanto a artistas como a equipos creativos y productores, la gala buscará poner en valor el enorme trabajo que realiza cada temporada el teatro comercial nacional y celebrar a quienes mantienen viva una de las industrias culturales más importantes del país.

Con una programación especialmente pensada para las vacaciones de invierno, el Complejo Teatral de Buenos Aires presenta una amplia propuesta artística para que chicos y grandes disfruten de historias inolvidables, clásicos renovados, musicales, teatro de títeres y espectáculos de danza en distintas salas de la Ciudad.

La cartelera reúne producciones de gran calidad que invitan a compartir experiencias en familia, con funciones diarias durante el receso escolar y entradas accesibles.

«El Gran Circo», un clásico que vuelve a emocionar

Uno de los grandes regresos de la temporada es «El Gran Circo», la histórica creación de Ariel Bufano interpretada por el Grupo de Titiriteros del Teatro San Martín.

Estrenada en 1983 y convertida en uno de los espectáculos más emblemáticos del teatro argentino, la obra rinde homenaje a los antiguos circos criollos y a los hermanos Podestá. A través de una impresionante variedad de técnicas titiriteras, desfilan personajes como el Payaso Totó, el Mago Merlino, el Domador y sus leones, el Hombre Bala y enormes avestruces, en un universo que despierta la imaginación de varias generaciones.

Las funciones se realizan en el Cine Teatro El Plata, de martes a domingo durante las vacaciones de invierno.

«Remigio Verdiales, un carpincho», una aventura llena de humor

El Grupo de Titiriteros también presenta «Remigio Verdiales, un carpincho», escrita y dirigida por Pablo Gorlero.

La propuesta combina humor, música y una mirada sensible sobre la naturaleza y la amistad, convirtiéndose en una excelente opción para los más pequeños. La puesta invita a reflexionar sobre el respeto por los animales y el valor de la identidad, con el sello artístico que caracteriza al histórico elenco de titiriteros del San Martín.

Puede verse en el Teatro Sarmiento, con funciones especiales durante todo el receso invernal.

Manuelita vuelve al teatro en una versión completamente renovada

Uno de los estrenos más esperados es «Manuelita, mi casa es el mundo», una coproducción del Complejo Teatral de Buenos Aires junto a Galaxias Creativas.

Con dramaturgia y dirección de Chacho Garabal, la obra reinterpreta el clásico personaje creado por María Elena Walsh, acompañando a la famosa tortuga desde Pehuajó hasta París en un viaje cargado de aventuras, música, humor y emoción.

La producción apuesta a una mirada contemporánea sobre Manuelita, destacando valores como la búsqueda de identidad, el crecimiento personal, la imaginación y el derecho a soñar. Además, ofrece funciones distendidas especialmente adaptadas para personas neurodivergentes.

Se presenta en el Teatro Regio.

«Seres que bailan», una experiencia para descubrir el movimiento

La programación también incluye «Seres que bailan», una propuesta destinada a acercar el lenguaje de la danza contemporánea a las infancias.

A través del movimiento, la música y la interacción escénica, el espectáculo invita a descubrir distintas formas de comunicación sin necesidad de las palabras, promoviendo la imaginación, la creatividad y el juego corporal. Se trata de una experiencia sensorial donde el público participa activamente del universo creado por los intérpretes.

«Benito de La Boca», el musical que homenajea a Quinquela Martín

Otra de las grandes propuestas es «Benito de La Boca», el exitoso musical sobre la vida del pintor Benito Quinquela Martín, que regresa para su cuarta temporada.

Con idea y dirección general de Lizzie Waisse, la obra combina teatro, música en vivo, poesía y artes plásticas para recorrer la vida del artista que transformó el paisaje del barrio de La Boca en una obra universal.

Protagonizada por Roberto Peloni, junto a un destacado elenco, la producción invita a descubrir la historia de uno de los grandes referentes de la cultura argentina en el mismo Teatro de la Ribera, sala fundada por el propio Quinquela Martín.

El espectáculo está recomendado para mayores de 10 años y se presenta desde el 18 de julio con funciones especiales durante las vacaciones.

Una cartelera para disfrutar en familia

Con propuestas que abarcan teatro, títeres, musicales y danza, el Complejo Teatral de Buenos Aires vuelve a apostar por una programación que combina entretenimiento, calidad artística y patrimonio cultural.

Mas info en https://complejoteatral.gob.ar/

Disney vuelve a apostar por uno de sus mayores éxitos de la última década con la versión live action de «Moana», una película que mantiene intacto el espíritu de la historia original de 2016.

La historia sigue siendo la misma: Moana, una joven destinada a convertirse en líder de su pueblo, emprende un viaje para restaurar el corazón de Te Fiti y devolver el equilibrio a la naturaleza. En el camino volverá a cruzarse con el carismático semidiós Maui, interpretado nuevamente por Dwayne Johnson, quien retoma uno de los personajes más queridos de Disney.

Gran acierto la elección de Catherine Laga’aia como Moana. La joven actriz transmite la valentía, la sensibilidad y la determinación que hicieron del personaje un ícono para toda una generación. Su presencia en pantalla sostiene gran parte de la película y logra conectar rápidamente con el público.

Visualmente, la producción es impactante. Los paisajes oceánicos, los efectos especiales y la recreación de la cultura polinesia ofrecen imágenes de enorme belleza, acompañadas por una banda sonora que conserva las canciones que hicieron inolvidable a la versión animada, con composiciones de Lin-Manuel Miranda, Opetaia Foa’i y Mark Mancina.

Sin embargo, donde la película encuentra su mayor debilidad es justamente en aquello que muchos críticos señalaron desde su estreno: la sensación de estar viendo una copia casi escena por escena de la original. Medios internacionales coincidieron en que el film aporta poco material nuevo y que cuesta justificar su existencia más allá del atractivo comercial del formato live action. Mientras algunas publicaciones valoraron la fidelidad al clásico, otras la calificaron como una remake innecesaria por su escasa capacidad para sorprender.

En lo personal, también sentí que la película se hace un poco larga, especialmente considerando que está dirigida principalmente al público infantil. Con casi dos horas de duración, hay momentos en los que el relato pierde dinamismo y puede poner a prueba la atención de los más chicos. Un ritmo más ágil probablemente habría beneficiado la experiencia sin afectar la esencia de la historia.

Aun así, la película mantiene valores muy positivos: habla del coraje, de descubrir la propia identidad, de respetar las raíces culturales y de cuidar la naturaleza, mensajes que siguen teniendo plena vigencia y que continúan emocionando.

«Moana» funciona como una entretenida aventura familiar, con un gran despliegue visual, buenas interpretaciones y canciones que siguen siendo tan pegadizas como hace diez años. Ofrece un espectáculo correcto para quienes quieran volver a navegar junto a Moana y Maui, especialmente si es la primera vez que descubren esta historia.