Hay historias que no admiten apuros. Y La casa de los espíritus siempre fue una de ellas.

La primera adaptación televisiva en español de la novela de Isabel Allende, disponible en Prime Video, entiende algo fundamental que el cine nunca pudo resolver del todo: esta saga necesitaba respirar. Son 8 episodios que le devuelven a la historia su dimensión original, esa que atraviesa medio siglo de pasiones, heridas familiares, luchas sociales y memorias que no se pueden enterrar.

Basada en el clásico literario La casa de los espíritus, la serie recorre la vida de la familia Trueba a través de tres generaciones de mujeres —Clara, Blanca y Alba— mientras el patriarca Esteban impone su carácter, su violencia y su ambición como motor de conflictos que atraviesan lo íntimo y lo político.

La gran virtud de esta adaptación es su ritmo. No corre detrás del espectador ni se adapta al consumo acelerado del streaming. Por el contrario, propone una experiencia contemplativa, donde el realismo mágico se filtra con naturalidad en lo cotidiano y donde cada vínculo tiene espacio para desarrollarse.

La puesta visual acompaña con una fotografía cálida, casi nostálgica, que refuerza esa sensación de estar leyendo la novela, pero con imágenes.Otro punto super destacable es la musica, donde genera el clima que se necesita para cada escena (la playlist la pueden encontrar en Spotify)

Alfonso Herrera construye un Esteban Trueba incómodo, intenso y profundamente humano en su oscuridad. Su presencia domina la escena y explica gran parte de la tensión dramática.

En paralelo, las distintas etapas de Clara encuentran en Dolores Fonzi y Nicole Wallace una sensibilidad hipnótica, casi etérea, que sostiene el espíritu místico del personaje sin caer en exageraciones.
Fernanda Urrejola aporta a Blanca una mezcla justa de rebeldía, dolor y pasión contenida.

El elenco coral logra algo clave: que los personajes no parezcan adaptaciones literarias, sino personas atravesadas por la historia.

La serie no esquiva el trasfondo social y político que atraviesa la novela. La lucha de clases, la violencia del poder, la memoria histórica y el rol de las mujeres como transmisoras de esa memoria están presentes con una vigencia sorprendente.

En tiempos donde la industria discute la convivencia entre lo digital, lo inmediato y lo profundo, esta serie propone volver a mirar con calma.No es una versión literal, y ahí está su acierto. Respeta el espíritu de la obra más que su estructura exacta.

La casa de los espíritus en formato serie confirma que algunas historias necesitan tiempo, silencio y paciencia para desplegar toda su potencia.

Y esta, definitivamente, lo logra.

Llego a todo el mundo —con gran expectativa y fuerte presencia en redes y portales— la primera adaptación televisiva en español de la célebre novela de Isabel Allende.

Esta versión extendida en formato serie —de ocho episodios— pretende devolverle a la historia su magnitud original: medio siglo de vida, amores, fantasmas, historia y política en el corazón de un país sudamericano imaginado, con raíces muy claras en Chile.

Basada en la novela que catapultó a Isabel Allende como una de las voces más poderosas de la literatura latinoamericana, la trama sigue la saga de la familia Trueba a lo largo de varias generaciones. La historia entrelaza realismo mágico con política y memoria histórica,la lucha de clases, amor y poder,y la visión intacta de cómo las heridas del pasado resuenan en el presente.

“La casa de los espíritus” no es sólo una historia familiar: es también un espejo de tensiones sociales y transformaciones políticas que marcaron al siglo XX en el Cono Sur, vistas desde los vínculos entre Clara, su hija Blanca y la nieta Alba.

La producción reúne un reparto internacional y potente, con nombres que ya circulan con fuerza en redes y críticas:Alfonso Herrera como Esteban Trueba, el patriarca cuya ambición es motor y conflicto central.Nicole Wallace y Dolores Fonzi interpretan a Clara del Valle en distintas etapas de su vida.Fernanda Urrejola como Blanca Trueba, atrapada entre pasiones personales y el peso familiar.Rocío Hernández como Alba, la nieta cuya historia abre y cierra la narrativa en momentos clave.Maribel Verdú, Juan Pablo Raba, Eduard Fernández, Aline Kuppenheim y Pablo Macaya, entre otros, completan un elenco coral con presencia fuerte en el imaginario del streaming actual.

Este despliegue actoral aporta matices culturales y emocionales que atraviesan de lleno la saga: desde la sensibilidad etérea de Clara hasta la brutalidad del patriarcado encarnado por Esteban —todas tensiones literarias que la serie traduce en grandes actuaciones. Desde el primer capitulo vas a sentir el realismo magico y la calidez visual que el libro plasma con tanto placer.

El formato seriado te va a permitir disfrutar como se disfruta un rico chocolate,de a poco y con paciencia cada matiz, vinculos y detalle del mundo Trueba. Vigente y potente. Allende para todos. A disfrutarla en Amazon Prime.

The Opera Locos no es una ópera convencional ni un musical típico: es una fiesta escénica donde la lírica se solapa con pop, rock y humor físico de alta escuela. La propuesta de la compañía española Yllana logra algo poco común: acercar al público general al universo operístico sin concesiones artísticas, pero con alma de comedia festiva.

Lo primero que impacta es el nivel técnico de los intérpretes. Sobre el escenario brillan con luz propia Constanza Diaz Falu, cuya voz goza de belleza y precisión, y se pasea con naturalidad entre arias densas y momentos más ligeros. Laura Pirruccio aporta carácter y presencia, tanto en números musicales como en la interacción con el público; Duilio Smiriglia encarna con comicidad el cliché del artista venido a menos, desnudo de ego pero rico en humanidad; Lucas Alvan infunde energía y guiños al folclore pop-rock; y Julian Molinero sorprende con matices e ingenio vocal.

Lo más llamativo es la música “ensamblada”: no solo escuchamos piezas emblemáticas de Mozart, Verdi, Puccini o Bizet, sino que estas se cruzan con hits contemporáneos — desde Mika hasta Whitney Houston o Frank Sinatra — en mashups que son a la vez respetuosos con la tradición y descaradamente divertidos. Este maridaje, a ratos audaz, derriba prejuicios y demuestra que la lírica puede convivir con lo popular sin perder ni un ápice de emoción o virtuosismo.

El vestuario y la estética —diseñados por Tatiana de Sarabia— brillan con un estilo “belle époque con twist”, repleto de colores saturados, pelucas extravagantes y detalles casi caricaturescos que funcionan tanto como elemento cómico como visualmente deslumbrante. La escenografía fluye con ingenio, permitiendo transiciones rápidas entre escenas sin perder ritmo.

Quizás el rasgo distintivo del montaje sea su ida y vuelta con la audiencia. No es un show contemplativo: los intérpretes invitan a corear, participan con el público y rompen la cuarta pared con gracia y soltura. El humor no siempre cae igual en todos los espectadores, pero cuando lo hace, el teatro se convierte en una experiencia colectiva, donde la risa (y a veces los intentos de cantar Nessun dorma) son parte del tejido emocional de la función.

Realmente es un espectáculo vibrante que fusiona tradición y novedad con brillantez, servido por un quinteto de voces extraordinarias, vestuarios fulgurantes y una conexión con la platea que convierte este “recital loco” en una fiesta compartida.Si el objetivo es irte del teatro con una sonrisa, movido por buena música y energía desbordante, The Opera Locos cumple con creces.

Autores y dirección: Compañía Yllana. Joe O’Curneen y David Ottone Dirección musical: Marc Álvarez y Manuel Coves. Intérpretes: Constanza Díaz Falú, Francisco Morales Quiroga, Julián Molinero, Laura Pirruccio y Lucas Alvan. Vestuario y escenografía: Vanesa Abramovich. Iluminación: Matías Canony. Coreografía: Verónica Peccolo. Sala: Politeama (Paraná 353). Funciones: viernes, a las 20; sábados, a las 19.30 y domingos, a las 19. Duración: 90 minutos.

Michael, el biopic dirigido por Antoine Fuqua, llega al terreno espinoso de retratar a una de las figuras más icónicas de la música pop: Michael Jackson. La película ha generado reacciones polarizadas, pero hay un elemento que casi todos los comentarios coinciden en destacar con entusiasmo: la actuación de Jaafar Jackson.

Jaafar Jackson, sobrino de Michael, no solo encarna al artista con un parecido físico impresionante, sino que logra transmitir —a través del movimiento, el gesto y la presencia— una esencia casi palpable del «Rey del Pop». Su interpretación es sin duda el mayor acierto de la película: con una gran destreza para la danza y una convincente expresividad en las escenas dramáticas, Jackson sostiene la narrativa en cada escena clave. En redes y portales, su actuación es el punto de consenso más celebrado, tanto por críticos como por fans, que señalan que su performance eleva el material incluso cuando este flaquea.

Otro punto fuerte de Michael son las escenas recreadas de videoclips y conciertos. Fuqua y su equipo logran momentos visualmente potentes que rinden homenaje a la espectacularidad del catálogo artístico de Jackson: desde cajas coreográficas memorables hasta montajes que evocan la energía de los shows en vivo. La puesta en escena y la música funcionan casi como un eje narrativo alternativo que compensa algunas debilidades del guion.

Aquí es donde la película divide más aguas. La narrativa se siente a menudo superficial y edulcorada, más cerca de una celebración que de una exploración introspectiva. El guion opta por una versión amable de la historia (records historicos, fans,exitos musicales), evitando ahondar en los aspectos más complejos y oscuros de la vida de Jackson (abusos,drogas etc). Para muchos críticos, esto convierte al filme en una suerte de hagiografía: carismática y entretenida, pero limitada en profundidad.

Esa mirada “amistosa” probablemente esté influenciada por la aprobación de la familia Jackson, algo que varios medios han señalado como un factor clave en la dirección que toma el relato.

Michael funciona mejor como un tributo para los fans: quienes aman la música de Jackson y quieren revivir, en clave cinematográfica, algunos de sus momentos más icónicos, encontrarán mucho que disfrutar. En cambio, quienes busquen una biografía crítica, compleja y sin filtros, pueden quedarse con ganas de más.

Michael es un filme que brilla —sobre todo— gracias a Jaafar Jackson, cuya interpretación merece ser vista por sí sola. Las recreaciones musicales y el cariño por la figura de Michael Jackson le dan energía y ritmo, pero la falta de una mirada más profunda deja la sensación de que se ha optado por celebrar más que examinar. Una biopic bien intencionado, amable con su ícono, y muy entretenido para el público que prefiera sentirse transportado por la música antes que confrontar sombras.

Buenos Aires vuelve a convertirse en el epicentro de la palabra escrita con la celebración de la 50ª edición de la Feria Internacional del Libro, uno de los eventos culturales más convocantes del calendario argentino y del mundo hispanohablante. Del 23 de abril al 11 de mayo de 2026, La Rural – Predio Ferial (Av. Santa Fe 4201, Palermo, CABA) desplegará más de 45.000 m² de actividades editoriales, encuentros con autores, charlas, talleres, exposiciones y propuestas para todas las edades.

📍 ¿Dónde y cuándo?

• Lugar: La Rural, Predio Ferial, Palermo, Ciudad de Buenos Aires.
• Fechas: 23 de abril al 11 de mayo de 2026.
• Horarios al público:
  • Lunes a viernes: 14 h a 22 h
  • Sábados, domingos y feriados: 13 h a 22 h
  • 25 de abril – “Noche de la Feria”: acceso gratuito desde las 20 h con horario extendido.

🎟️ Entradas y accesos

El evento es abierto a todo público y las entradas pueden adquirirse tanto online como en la boletería del predio. Según los valores publicados por la organización (ajustados cada año), para esta edición se estima:

• Entrada general (lunedías a jueves): $8.000
• Viernes, sábados, domingos y feriados: $12.000
• Beneficios asociados:
  • Chequelibro y cupones de descuento para usar en stands adheridos una vez finalizada la Feria.

Además, hay accesos sin costo para varios grupos:
✔ Menores de hasta 12 años acompañados.
✔ Personas con discapacidad y docentes con acreditación.
✔ Estudiantes, jubilados y pensionados en días hábiles al presentar comprobante.
✔ Visitantes con Pase Cultural.

Tip práctico: La “Noche de la Feria” del 25 de abril ofrece entrada gratuita desde las 20 h, ideal para recorrer el predio y participar de actividades especiales con público diverso.

📚 50 años de historia: memoria, lecturas y futuro

La edición aniversario está atravesada por un enfoque que une lectura y memoria histórica. Bajo el lema “50 Años de Memoria y Futuro”, la programación oficial potencia espacios curatoriales y debates que repasan el camino cultural de medio siglo en Argentina. Según la gacetilla oficial:

• Se presenta un ciclo de diálogos sobre lectura y escritura en contextos de debate social.
• El tradicional Maratón de Lectura se dedicará este año a libros prohibidos y textos censurados, visibilizando voces que fueron silenciadas.
• La Feria presenta en su Pabellón Homenaje una muestra sobre “Censura planificada” y una serie de actividades que reflexionan sobre el pasado cultural del país.

🎤 País invitado y programación destacada

Perú es el País Invitado de Honor en esta edición, con una presencia fuerte tanto en espacios expositivos como en actividades institucionales y culturales. Desde presentaciones de autores peruanos hasta proyecciones y mesas de diálogo, se espera una lectura cruzada de panoramas literarios entre ambos países.

Además, la apertura oficial —el 23 de abril a las 18 h en la Sala Jorge Luis Borges— contará con la participación de destacadas voces de la literatura argentina contemporánea, generando expectativa alrededor de los discursos inaugurales y mesas de debate programadas.

🤝 Más que libros: actividades para todos los públicos

La Feria combina:

• Firmas de autores nacionales e internacionales.
• Talleres y actividades infantiles.
• Mesas redondas, conferencias y presentaciones especiales.
• Espacios de formación profesional y networking editorial.

La edición 2026 se perfila como un espectáculo cultural que no solo reúne a editores y lectores, sino que invita a repensar el rol del libro como puente entre pasado y futuro.

La versión teatral de Desde el jardín toma una historia conocida —la novela Being There de Jerzy Kosiński, llevada al cine por Hal Ashby con Peter Sellers— y la traslada al escenario porteño con una pregunta que atraviesa toda la puesta: ¿cómo vemos a los demás? ¿a través de nuestra proyección o de su esencia real?.

En el centro de la escena está Guillermo Francella, que construye a Chance Gardiner desde la mínima expresión. Su trabajo no apela al gesto grandilocuente ni al recurso cómico fácil. Por el contrario, sostiene al personaje desde la quietud, la literalidad y una inocencia que desarma. Allí aparece uno de los grandes logros de la obra: el público se ríe, pero al mismo tiempo queda incómodo frente al espejo que le devuelven esas palabras simples que todos interpretan como profundidades filosóficas.

La dirección y adaptación de Marcos Carnevale encuentra un ritmo muy cinematográfico, con transiciones ágiles, recursos visuales efectivos y una escenografía dinámica que incluye proyecciones y elementos móviles que aportan fluidez sin distraer. La puesta tiene un pulso moderno que acompaña muy bien el tono de la historia.

El elenco que rodea a Francella —Andrea Frigerio, Martín Seefeld, Mayra Homar, Daniel Miglioranza, Edgardo Moreira entre otros— funciona como una maquinaria precisa que potencia la lectura coral del relato: son ellos quienes proyectan sobre Chance sus propias expectativas, ambiciones y lecturas erradas.

La obra se mueve con habilidad entre la comedia y la reflexión. Nunca cae en el subrayado moral ni en la solemnidad. La risa aparece, pero deja una resonancia posterior: ¿cuánto de lo que creemos ver en los demás es pura proyección?

No me cabe duda que hay «Desde el jardin»para rato,Francella es convocante, y sabe que agota funciones porque la gente lo quiere. VAyan y vean esta obra no comparandolo con Sellers sino queriendo llevarse una sonrisa a la salida del teatro

Datos de funciones

Teatro: Teatro Metropolitan
Dirección: Av. Corrientes 1343, Ciudad de Buenos Aires

Funciones habituales:

• Jueves y viernes: 20:00
• Sábados: 20:00 y 22:15
• Domingos: 19:00

Duración aproximada: 70 minutos.

Con guion de Mechi Bove y dirección de Marcelo Caballero, El chat de mamis se asienta como una de las propuestas más frescas de la cartelera porteña al plantear con humor las tensiones cotidianas que se viven en los grupos de WhatsApp escolares: reclamos, malentendidos, alianzas inesperadas y egos desatados que devienen en un caos hilarante en escena.

Todo comienza cuando convocan a los padres de 5 chicos ya que le rompen el disfraz a la «nena nueva» del cole.

Lo primero que te golpea es cómo la puesta logra transformar un fenómeno tan digital y abstracto como un chat en una experiencia teatral plenamente física. La escenografía —con la plausible colaboración de Lula Rojo— carga con la tarea de traducir mensajes, diálogos paralelos y silencios incómodos a un lenguaje escénico claro, y lo hace sin perder ritmo.

Vestuario y color juegan un papel clave en esta traducción: cada personaje está marcado por un carácter cromático distintivo que no solo ayuda a la identificación rápida del espectador, sino que además subraya las dinámicas y estereotipos que se desmontan (o se exageran) durante la función. El trabajo de La Polilla en vestuario acompaña de manera eficiente: desde tonos intensos para madres hiperactivas hasta paletas más sobrias en personajes calmados, el vestuario funciona como una extensión del guion, reforzando perfiles psicológicos e impulsando la lectura visual del conflicto.

La iluminación, por su parte, merece un párrafo aparte. Si bien no suele aparecer en la mayoría de las reseñas de prensa, el diseño lumínico acompaña al caos de manera muy eficaz: transiciones rápidas, focos que resaltan miradas y silencios cargados, y una función del espacio que evita que el ritmo se estanque. En momentos en los que el diálogo se vuelve febril y casi fragmentado, la luz administra la atención del público y sostiene la tensión cómica.

El elenco —incluyendo a Manuela Pal, Mica Riera, Carla Conte, Berenice Gandullo y Lionel Arostegui— sostiene el equilibrio coral que propone la dramaturgia; la obra es un ensamblaje donde cada voz contribuye a un coro que oscila entre el disparate y la empatía.

Pero quiero destacar a dos de las protagonistas : Eugenia Tobal se mete de lleno en Becky la superficial y ansiosa mama. Su lectura es precisa: sabe cuándo forzar el gesto y cuándo bajar la intensidad para dejar que el conflicto hable por sí mismo. Me gusto. Y mencion de honor para Karina Hernández, en el papel de la seño Naty: ofrece una interpretación histriónica, casi caricaturezca, pero con un registro muy definido que equilibra lo pedagógico con lo visceral. La sutileza de su humor y su presencia serena contribuyen a que la obra no se vuelva un mero sainete, sino que tenga momentos de reflexión silenciosa.

La dirección de Caballero permite que, más allá de la risa, haya un espacio para reconocerse y pensar en cómo nos vinculamos —o nos desencontramos— en la vida real.

El chat de mamis es más que una comedia sobre grupos de WhatsApp: es una radiografía social que utiliza con inteligencia los recursos del teatro —vestuario, iluminación, actuación y ritmo— para convertir algo tan contemporáneo en un espejo inesperado. Quienes vayan pensando que encontrarán solo risas, terminarán también con ganas de repensar sus propias dinámicas de comunicación cotidiana.

Título: El chat de mamis, una comedia en el cole

Dónde: Teatro Multitabaris — Av. Corrientes 831

Cuándo: Funciones de jueves a domingos, 20:00 hs.

Dirección: Marcelo Caballero
Libro: Mechi Bove

Elenco:
Eugenia Tobal
Carla Conte
Manuela Pal
Mica Riera
Karina Hernández
Berenice Gandullo
Lionel Arostegui

BAFICI 2026: BUENOS AIRES VUELVE A SER LA CAPITAL DEL CINE INDEPENDIENTE

Del miércoles 15 al domingo 26 de abril, la Ciudad de Buenos Aires se convierte otra vez en epicentro del cine alternativo con la 27ª edición del Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente (BAFICI), el encuentro más importante de cine no comercial de Argentina y uno de los más relevantes de Latinoamérica.

Organizado por el Ministerio de Cultura de la Ciudad, el festival reunirá 327 películas de 52 países, con 147 producciones argentinas —la mayoría en estreno— y 112 premieres internacionales, distribuidas en más de veinte secciones, entre ellas Competencia Internacional, Argentina, Vanguardia y Género, Noches especiales, Trayectorias, Rescates y Baficito (para público joven).

Las funciones se desarrollarán en múltiples sedes porteñas: la Sala Lugones del Teatro San Martín, Centro Cultural 25 de Mayo, Cine Arte Cacodelphia, Cine Gaumont, Cine Teatro Alvear, Museo del Cine Pablo Ducrós Hicken, Cinépolis Plaza Houssay, Cinépolis Recoleta y Usina del Arte.

La apertura se dará con Orgullo y prejuicio, del director argentino Matías Szulanski, una comedia sobre un rodaje lleno de tensiones y dilemas creativos, mientras que el cierre es con Letras robadas, del irlandés John Carney (Once, Sing Street), protagonizada por Paul Rudd y Nick Jonas en una historia sobre la música y las segundas oportunidades.

El público también podrá asistir a charlas, encuentros con realizadores, clases magistrales y talleres, además de una programación profesional para la industria audiovisual.

💡 Entradas: desde el 6 de abril estuvieron disponibles en la web oficial del festival y en boleterías de las sedes. Hay tarifas especiales para estudiantes y jubilados, promociones y funciones gratuitas con reserva previa.

🎥 Películas destacadas para no perderse

Si estás armando tu agenda, estos son algunos títulos que ya generan expectativas entre críticos y cinéfilos:

• The Day She Returns (Hong Sangsoo) – Un relato sutil y elegante sobre una actriz atrapada entre la memoria y su propia imagen pública; cine de autor en estado puro.

• My Wife Cries (Angela Schanelec) – Intimista y delicada, esta obra explora los silencios y tensiones de la vida en pareja.

• The Loneliest Man in Town (Tizza Covi & Rainer Frimmel) – Un retrato melancólico de un músico de blues que convive con sus recuerdos y su arte.

• Duse (Pietro Marcello) – Una biografía poética de la legendaria actriz Eleonora Duse en tiempos de cambios sociopolíticos.

• Yes (Nadav Lapid) – Un musical político y vibrante que combina jazz, danza y reflexión social.

📌 Sección BAFICITO: para toda la familia, títulos como Mary Anning y Papaya proponen historias animadas y creativas pensadas tanto para los más chicos como para adultos curiosos.

Con una programación tan variada, el BAFICI 2026 no es solo una fiesta para los cinéfilos; es una oportunidad para descubrir nuevas narrativas, celebrar la producción local e internacional y sumergirse en miradas arriesgadas que desafían los límites del séptimo arte.

Buenas Palabras se siente menos como una obra y más como una conversación que alguien muy querido decide tener con nosotros. Y ese alguien es Arturo Puig.

No hay artificios. No los necesita. Hay una silla, textos, recuerdos… y un actor que entiende algo que pocos entienden: que el teatro también puede ser un gesto de cercanía.

Puig no interpreta para impresionar. Está ahí para compartir. Se toma el tiempo de las pausas, deja que el silencio diga lo suyo, y cuando habla, lo hace con esa calidez que atraviesa la cuarta pared sin esfuerzo. Uno siente que no está viendo una función, sino siendo invitado a un espacio íntimo, casi doméstico, donde las palabras pesan porque vienen cargadas de memoria y afecto.

La dirección de Rita Terranova es precisa y respetuosa: ordena sin invadir, acompaña sin subrayar. Todo está puesto al servicio de algo muy simple y muy difícil a la vez: sostener la atención con humanidad.

Durante los 60 minutos no hay sobresaltos ni golpes de efecto. Hay algo más valioso: la sensación de estar frente a un actor que ama profundamente su oficio y respeta al público con una elegancia silenciosa.

Buenas Palabras deja una sensación rara y hermosa al salir: la de haber sido abrazado sin que nadie nos haya tocado. Y eso, en teatro, no pasa todos los días.

En la Sala Cunill Cabanellas del Teatro San Martín (Av. Corrientes 1530) se ofrecerán cinco únicas funciones: miércoles 15, jueves 16, viernes 17, sábado 18 y domingo 19 de abril a las 19.30 horas.

Y en el Cine Teatro El Plata (Av. Juan Bautista Alberdi 5765) habrá cuatro funciones más el sábado 25 y el domingo 26 de abril y el sábado 2 y el domingo 3 de mayo a las 18 horas. 

Netflix redobló su apuesta por la industria audiovisual local con la presentación oficial de su programación Hecho en Argentina para los próximos dos años. El anuncio no solo incluyó 19 títulos entre películas, series y documentales, sino también la inauguración de nuevas oficinas en Buenos Aires, un gesto que confirma el peso estratégico que tiene el país dentro del mapa creativo de la plataforma en Latinoamérica.

Durante el evento, directivos de la compañía destacaron que Argentina se convirtió en un polo clave por su tradición narrativa, la calidad técnica de sus equipos y la capacidad de generar historias con identidad local que viajan bien a nivel global.

La grilla anunciada combina figuras consagradas del cine y la televisión, adaptaciones literarias, proyectos biográficos y apuestas de formato innovador.

Películas

Lo dejamos acá
Protagonizada por Ricardo Darín y Diego Peretti, con dirección de Hernán Goldfrid. La historia gira en torno a un psicoanalista con métodos poco convencionales. Estreno previsto para el segundo semestre de 2026.

Felicidades
Adaptación cinematográfica de la obra teatral, dirigida por Álex de la Iglesia y protagonizada por Adrián Suar y Griselda Siciliani. Llegaría hacia fines de 2026.

Risa y la cabina del viento
Dirigida por Juan Cabral y filmada en Tierra del Fuego. Una propuesta con fuerte impronta visual que, tras su recorrido en salas, desembarcará en la plataforma en 2026.

Nuevo film de Santiago Mitre (título a confirmar)
Thriller político escrito por Santiago Mitre y Mariano Llinás, con Verónica Llinás y Peter Lanzani. Estreno estimado para 2027.

Series

Envidiosa – Temporada final
La cuarta temporada llegará el 29 de abril de 2026, cerrando el arco dramático de una de las ficciones más vistas de la plataforma en el país.

En el barro – Temporada 3
Regresa en 2026 con un elenco que incluye a Juana Molina, María Becerra y Valentina Zenere, retomando el universo carcelario y sus tensiones de poder.

Moria
Serie inspirada en la vida de Moria Casán, con Cecilia Roth, Griselda Siciliani y Sofía Gala Castiglione. Estrena el 14 de agosto de 2026.

Mis muertos tristes
Miniserie basada en cuentos de Mariana Enriquez y dirigida por Pablo Larraín, con Mercedes Morán. Llegará en la segunda mitad de 2026.

Gordon
Adaptación de la novela de Marcelo Larraquy, protagonizada por Rodrigo de la Serna. Thriller policial previsto para 2026.

Carísima
La primera serie argentina en formato corto de Netflix: episodios de 10 minutos, estreno en 2026.

Tiempo al tiempo
Creación de Sebastián Ortega con Carla Peterson, Jerónimo Bosia, Valentina Zenere y Luciano Castro. Llegará en 2027.

El Ruso
Miniserie de Sebastián Borensztein, protagonizada por Chino Darín. Estreno en 2027.

Crimen desorganizado
Comedia negra dirigida por Nicanor Loreti, con Celeste Cid y Marco Antonio Caponi. También prevista para 2027.

Documentales y biopics

Yiya Murano: Muerte a la hora del té
Se estrena el 23 de abril de 2026 y repasa uno de los casos policiales más impactantes del país.

Dibu Martínez: El pibe que ataja el tiempo
Documental sobre Emiliano Martínez, con guion de Hernán Casciari e ilustraciones de Liniers. Estreno en 2026.

Fito Páez: El mundo cabe en una canción
Dirigido por Matías Gueilburt, con acceso íntimo al universo creativo de Fito Páez. Llega en 2026.

Perfecta: La voz de Silvina Luna
Biopic construido con material personal grabado por Silvina Luna. Estreno previsto para 2027.

Con esta programación, Netflix no solo amplía su catálogo local: consolida una estructura de producción permanente en el país, apuesta a nombres fuertes de la escena artística y combina ficción, literatura, biografía y policial con una clara identidad argentina y proyección internacional.