La posibilidad de la eterna juventud está al alcance de la mano. Con un nuevo producto, denominado la sustancia, la vida de cualquier persona mejoraría sustancialmente. ¿Alguna vez has soñado una versión mejor de ti misma? Entonces, debes probar la sustancia. De esta forma, puedes generar otra versión de ti misma. Una versión mejorada: más joven, más bella, más perfecta. Solo tienes que compartir tu tiempo con esta nueva figura. Una semana para ti, otra semana para ella en un equilibrio perfecto de siete días. Parece fácil. Solo es necesario seguir las instrucciones. Claro que es inevitable pensar en las contraindicaciones. ¿Qué podría salir mal?
Los que saben dicen que le valdria una nominacion al Oscar a Demi Moore…sera asi?
En su 12ª temporada, «Si Mon Dieu», el espectáculo de improvisación dirigido por Marcos Rauch, sigue demostrando por qué ha logrado consolidarse como un auténtico show de culto. A lo largo de más de una década, este formato único ha mantenido la frescura y la capacidad de sorprender tanto a nuevos espectadores como a los que ya son fieles seguidores.
Lo que destaca a «Si Mon Dieu» dentro del universo de la improvisación es la integración dinámica de todos sus elementos. No solo es un espectáculo donde los actores interactúan y se adaptan con destreza a las propuestas del público, sino que el director, Rauch, improvisa en vivo junto a ellos, aportando un toque de maestría que eleva la experiencia a otro nivel. Esta interacción directa con el público genera una sensación de complicidad única, donde los espectadores no solo observan, sino que se sienten parte esencial de cada escena.
La música en vivo, a cargo de Juan Ignacio López, suma otro nivel de improvisación que complementa perfectamente la acción. López no solo acompaña, sino que marca ritmos, intensidades y transiciones, jugando con los actores de manera fluida.
El elenco actual, compuesto por Federico Yernazian, Tomi Capano, Camilo Cuello Vitale, Paolo Sambrini y Enriqueta Chouhy, demuestra una química notable. Cada uno aporta su estilo personal, pero la capacidad de trabajo en equipo es lo que realmente deslumbra. Se mueven con agilidad por el escenario, adaptándose a las consignas del público, siempre con humor, rapidez mental y sin perder la naturalidad.
«Si Mon Dieu» tiene humor y creatividad, donde lo inesperado es la única certeza. Queda claro por qué, tras 12 temporadas, sigue siendo un éxito indiscutido. Para los amantes de la improvisación y para aquellos que buscan una propuesta diferente, es una cita imperdible en la emblemática Calle Corrientes.
Teatro Metropolitan (Av. Corrientes 1343, CABA) y las entradas se pueden adquirir en el teatro o Plateanet.
Dirigida por Daniela Völker, La sombra del comandante es un documental profundamente conmovedor y perturbador que nos invita a reflexionar sobre las sombras que la historia deja en las generaciones posteriores. La película se centra en Hans Jürgen Höss, hijo de Rudolf Höss, el comandante del campo de concentración de Auschwitz, y cómo, a sus 87 años, comienza a enfrentar el legado de horror que dejó su padre.
La fuerza de este documental radica en su enfoque íntimo y humano. A diferencia de muchas producciones sobre el Holocausto que se centran en las víctimas o los perpetradores directos, Völker explora el impacto emocional y psicológico que el legado de un genocida puede tener en sus descendientes. Hans Jürgen nunca tuvo relación cercana con su padre, pero la carga de la culpa, el remordimiento y la responsabilidad colectiva lo ha perseguido durante toda su vida. El filme es un retrato doloroso del esfuerzo por reconciliarse con una historia que, aunque no fue propia, lo marca indeleblemente.
El encuentro entre Hans Jürgen y una sobreviviente del Holocausto, que forma el núcleo del documental, es el punto culminante. Este encuentro no es solo simbólico, sino una colisión de mundos separados por el horror de la guerra, donde el hijo de un perpetrador busca, de alguna manera, redención frente a una sobreviviente. La incomodidad palpable, las emociones contenidas y las palabras no dichas llenan la pantalla, creando un momento cinematográfico poderoso que resuena mucho más allá de la pantalla.
El documental se entrelaza con la historia de Zona de interés (2023), dirigida por Jonathan Glazer, lo que añade una capa adicional de profundidad y contexto a las complejidades morales que se exploran. Aunque Zona de interés utiliza la ficción para abordar los mismos temas, La sombra del comandante opta por una aproximación documental que nos sumerge en la realidad de los hechos y las consecuencias emocionales que perduran.
A nivel técnico, la dirección de Völker es sobria pero eficaz. No hay extravagancias visuales, lo que permite que el peso emocional de la historia se desarrolle con naturalidad. La música y el sonido, aunque discretos, se suman a la tensión creciente conforme Hans Jürgen se enfrenta a su pasado familiar.
Es una película que no busca ofrecer respuestas fáciles, sino que desafía al espectador a reflexionar sobre las heridas que la historia deja en los corazones de los que, aunque inocentes, cargan con el peso de los crímenes de sus ancestros.
No hables con extraños, dirigida por James Watkins, ofrece una experiencia de suspenso psicológico que no decepciona. Inspirada en la película danesa Gæsterne (2022), la trama nos presenta a la familia Dalton, compuesta por Louise (Mackenzie Davis), Ben (Scoot McNairy) y su hija Agnes (Alix West Lefler), quienes aceptan la invitación de una familia británica a pasar el fin de semana en su lujosa finca. Lo que comienza como una escapada idílica pronto se transforma en un juego psicológico retorcido.
James McAvoy brilla en su interpretación de Paddy, el dueño de la finca, quien desde el principio irradia una hospitalidad inquietante, siendo al mismo tiempo encantador y amenazante. Su personaje es clave para crear esa atmósfera densa y perturbadora que impregna todo el filme. Junto a él, Aisling Franciosi como Ciara, su enigmática esposa, y el debutante Daniel Hough como su hijo mudo Ant, completan un elenco que se siente tan desconcertante como intrigante.
Las tensiones entre ambas familias van escalando lentamente, en una narrativa que se siente casi orgánica, hasta desembocar en un clímax lleno de giros inesperados y oscuridad.Realmente la peli en ciertos momentos es incomoda pero cumple su objetivo
Si bien el guión no se aparta mucho de los clichés del género, No hables con extraños mantiene al espectador atrapado gracias a la dirección atmosférica de Watkins y a la poderosa actuación de McAvoy.
No hables con extraños es para el fandom de las pelis de terror psicologico.
«Parlamento» es la sexta entrega de Piel de Lava, el grupo teatral conformado por las talentosas actrices Elisa Carricajo, Pilar Gamboa, Laura Paredes y Valeria Correa. Presentada en el teatro Picadero, esta obra es una poderosa reflexión sobre los discursos políticos, la alienación y el rol de las mujeres en un mundo en crisis.
Con una puesta en escena que desafía los límites entre la realidad y la distopía, la trama nos sitúa en un futuro incierto. Las protagonistas son diputadas que, desde una nave espacial que las protege del caos y la destrucción en la Tierra, discuten, votan leyes y se sumergen en rituales performáticos. Mientras la Tierra arde abajo, estas mujeres orbitan el planeta, desconectadas de lo que alguna vez fue su hogar.
La obra aborda con mordacidad y lucidez los ciclos incesantes y vacíos de la retórica política. Las actrices de Piel de Lava nos invitan a reflexionar sobre la desconexión entre el poder y la realidad, y cómo las emociones se utilizan en ese contexto.Hay humor, crítica y melancolía, «Parlamento» explora cómo el debate político puede perder su sentido cuando se aleja demasiado de las urgencias reales. A ellas se suma Zypce, intérprete que aporta con sus instrumentos no convencionales y su voz buenos momentos a Parlamento.
El talento actoral del cuarteto brilla en todo momento. Con gran destreza, las intérpretes transitan entre lo absurdo y lo solemne, ofreciendo momentos de intensa emotividad y otros de risa incómoda. La obra, además, no es solo una crítica, sino una exploración estética, jugando con los símbolos y los rituales del poder, mientras que la escenografía minimalista y la iluminación (fabulosa) generan una atmósfera de aislamiento y fragilidad.
«Parlamento» es audaz y profundamente actual, que cuestiona las dinámicas políticas y sociales desde una perspectiva femenina y satírica. Piel de Lava, una vez más, demuestra su capacidad para crear experiencias teatrales únicas, donde lo humano y lo político se encuentran en un terreno inestable, pero cargado de sentido. Todo parecido con la realidad es «pura coincidencia». VAYAN!
MARTES 20.30 TEATRO PICADERO Pasaje Santos Discepolo 1857 (mapa) Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Matar a Mamá, con libro de Laura Oliva y dirección de Paula Ransenberg, presenta una trama cargada de reflexiones sobre las relaciones familiares. La obra, protagonizada por Florencia Raggi, Inés Estévez y María Rosa Fugazot, narra la confrontación entre dos hermanas y su madre en el contexto de una inesperada fama en redes sociales.
El espectáculo transcurre en un departamento sencillo, donde Dolores (Florencia Raggi), una mujer soltera y sin empleo, invita a su hermana María (Inés Estévez) para compartir un sorprendente descubrimiento: su madre viuda (interpretada por Fugazot) se ha convertido en una estrella del stand-up comedy en youtube, con monólogos centrados en las propias hijas. Este giro inesperado, que juega con la ironía de que ninguna de las dos maneja el mundo digital, desata una serie de encuentros llenos de tensiones, risas y desencuentros.
La actuación de Raggi como Dolores resalta por su vulnerabilidad y sarcasmo, mientras que Estévez logra transmitir el contraste de María, una mujer estructurada y algo distante. Por su parte, Fugazot brilla en su papel de la madre transformada en comediante viral, aportando carisma y un toque irreverente que da cuerpo al conflicto central.
El texto de Oliva es ingenioso y hábil al abordar temas contemporáneos como el impacto de las redes sociales y la exposición pública, además de tratar cuestiones atemporales como la percepción de los otros y la fragilidad de los vínculos familiares. El uso del humor es eficaz para aligerar el drama inherente a la trama, manteniendo al espectador entretenido sin perder la profundidad emocional.
La dirección de Ransenberg es precisa, logrando equilibrar las tensiones y los momentos de alivio cómico, y construyendo un ritmo dinámico que mantiene la atención del público. La obra también es una reflexión sobre la percepción de los demás, en especial cuando las figuras que deberían ser las más cercanas —como una madre— se revelan humanas, con opiniones e imperfecciones como cualquier otra persona.
Matar a Mamá es simple, corta y al hueso. Es disfrutable: combina humor y drama de manera eficaz. Tres actrices, tres generaciones que se unen en un texto piola y con un lindo mensaje
Viernes a Domingo Teatro Politeama Paraná 353, AAG, Buenos Aires,
Entre el viernes 27 y el lunes 30 de septiembre de 2024, se celebrará por primera vez en Buenos Aires el FEED DOG ARGENTINA, Festival Internacional de Cine Documental sobre Moda, en el Cine Atlas Alcorta. Este evento, que nació en Barcelona y se ha expandido a ciudades como Ciudad de México, Madrid y San Pablo, trae a la gran pantalla una cuidada selección de seis documentales que exploran la moda como fenómeno cultural.
La programación incluye «Quant», que relata la influencia de Mary Quant en los años 60; «Mi Última Condena. Ana de Pombo», sobre la vida de la musa de Coco Chanel; y «Azzedine Alaia, The Couturier Who Shaped Women», que destaca el legado del diseñador franco-tunecino. Otros títulos como «The Story of a Panty and of Those Who Make It», «Last Stop Coney Island» y «Jacquemus, Le Prince Soleil» abordan desde la industria textil hasta la fotografía y las pasarelas modernas, mostrando la diversidad del universo de la moda.
El festival se presenta bajo el lema Fashion on the Big Screen, celebrando la moda desde perspectivas históricas, sociológicas y estéticas.
Llega Respira la nueva propuesta de Netflix, creada por Carlos Montero, nos sumerge en el crudo y complicado mundo de la sanidad pública española, donde las historias humanas y los dilemas éticos se entrelazan con una precisión casi quirúrgica.
La trama gira en torno a un hospital público de Valencia, el Hospital Joaquín Sorolla, y pone en el centro a uno de sus residentes, atrapado en una red de burocracia, falta de recursos y un estrés que se torna insostenible. El catalizador de la historia es la llegada de una dirigente política en medio de una feroz huelga, que pone de relieve las profundas grietas en el sistema de salud. Con este escenario, Respira no sólo se propone contar una historia, sino también encender un debate social sobre la situación de la salud pública.
Carlos Montero, conocido por el éxito de Élite, demuestra su versatilidad al cambiar radicalmente de tono y contenido. Si en su anterior trabajo los conflictos adolescentes dominaban la escena, aquí nos encontramos con una narrativa adulta y seria, con un ritmo vertiginoso que no da respiro (valga la redundancia) al espectador. La puesta en escena es hiperrealista, algo que se agradece en un género que a menudo tiende al dramatismo exagerado. Los pasillos del hospital, las conversaciones entre médicos agotados y las decisiones difíciles bajo presión están filmados con una crudeza que impacta y genera una conexión inmediata.
El elenco esta integrado por Najwa Nimri, Aitana Sánchez-Gijón, Blanca Suárez, Manu Ríos y Borja Luna. Cada uno aporta interpretaciones que logran transmitir la tensión y la desesperanza que reina en un hospital al borde del colapso, donde cada decisión puede tener consecuencias catastróficas.
Respira se destaca también por la veracidad a la hora de tocar temas como la gestión pública de la salud, la ética médica y la presión sobre los profesionales de la salud en un sistema a punto de quebrar. Lejos de la frivolidad de otras series médicas como Grey’s Anatomy o E.R. Emergencias, esta producción española opta por un enfoque más realista y comprometido.
Son ocho episodios de 40 a 50 minutos, y le pongo unas fichas a que puede ser una buena opcion para ver lo que , tal vez, pensamos que solo pasa en nuestra ARgentina hermos y sin embargo no es asi.
Sin duda, una propuesta que merece ser vista y discutida. Despues contame si te gusto
Favio Posca regresa a su hogar teatral, La Plaza, con un nuevo espectáculo que ha generado un fenómeno de convocatoria incluso antes de su estreno oficial. Previamente estuvo en Uruguay y Mar del Plata agotando todas las funciones.
«TRANSENSUAL»viene cargada de energía, humor desfachatado y la inconfundible creatividad de Posca.
Desde el momento en que se abren las puertas de la Sala Pablo Neruda, se siente la expectativa en el aire. Posca nos invita a un viaje más allá de la mente y sus condicionamientos, explorando las sombras y liberando risas a través de una puesta en escena vibrante y provocadora.El público se conecta profundamente con los personajes icónicos de Posca: Pitito, Miryan, Astroboy y El Perro, entre otros.
Cada función es un subidón de amor y alegría, donde la proximidad con el artista crea una afinidad inmediata con la audiencia. Posca, con su estilo inigualable, combina la inocencia pura del cuerpo al desnudo con un sentido del humor que atraviesa cualquier barrera. El espectáculo es una celebración de la liberación, de reírse sin parar y de sentirse vivo en cada momento y algo que me gusto mucho es que cada personaje quiere dejar un mensaje para que lo pienses, adoptes y guardes ….(descubrilo).
«TRANSENSUAL» es una verdadera transformación que solo Posca podría lograr. Con entradas agotadas para todas las funciones de agosto, esta nueva propuesta se consolida como un éxito rotundo, demostrando una vez más que Favio Posca sigue siendo uno de los artistas disruptivos y brillantes del teatro.
FUNCIONES VIERNES Y SABADO 21.45PM
PASEO LA PLAZA Avenida Corrientes 1660, Buenos Aires
El 16 de agosto, la plataforma de streaming más popular de Argentina sube una nueva comedia romántica protagonizada por Adrián Suar y Paz Vega, titulada «No Puedo Vivir Sin Ti». Mezcla de humor y crítica social, la película explora el impacto de la tecnología en nuestras vidas a través de la historia de Carlos (Suar), un hombre con el trabajo perfecto, la familia perfecta… y una relación tóxica con su teléfono celular.
La trama gira en torno a la adicción de Carlos al celular, un problema que cobra mayor relevancia cuando arruina un importante evento familiar. Esto lleva a Adela (Paz Vega), su esposa, a darle un ultimátum: o cambia, o la pierde. Desesperado por recuperar su vida familiar, Carlos decide inscribirse en una peculiar terapia para adictos al celular que descubre en internet.
La película, dirigida por Marcos Carnevale, no solo es una comedia ligera con momentos emotivos, sino que también lanza un mensaje claro sobre cómo la tecnología, si bien puede ser útil, también puede convertirse en una barrera en nuestras relaciones más importantes. El escenario de la película, que utiliza bellos paisajes españoles, sirve como un telón de fondo atractivo que añade un toque especial a la narrativa.
Adrián Suar, en su papel de Carlos, entrega humor con momentos de reflexión. Paz Vega, por su parte, aporta una fuerza sutil a su personaje, equilibrando la comedia con una presencia emotiva que le da profundidad a la relación de pareja.
«No Puedo Vivir Sin Ti» es una película que, aunque ligera, ofrece una reflexión sobre cómo nuestras vidas están siendo moldeadas por la tecnología y lo que podemos perder en el proceso. Con la combinación de talento argentino y español, esta producción logra conectar con el espectador, ofreciendo tanto risas como un mensaje que resuena en la era digital.
Es una película ideal para quienes buscan una comedia entretenida con un trasfondo que invita a pensar en nuestras propias relaciones con la tecnología.
Marcela Godoy Espectáculos 