Una comedia fantástica dirigida y protagonizada por Aziz Ansari, con Keanu Reeves y Seth Rogen en los roles principales. La historia sigue a Gabriel (Reeves), un ángel encargado de intervenir en accidentes de tránsito causados por distracciones humanas. En una de sus misiones conoce a Arj (Ansari), un joven con múltiples trabajos precarios, y a Jeff (Rogen), un inversor exitoso pero vacío. Gabriel decide que ambos intercambien sus vidas para que comprendan lo que significa estar en el lugar del otro y descubran qué es realmente la felicidad.

La película mezcla humor con crítica social y plantea, desde una mirada amable, temas como la desigualdad, la empatía y el valor de las pequeñas cosas. Keke Palmer y Sandra Oh completan el elenco con participaciones que aportan calidez y equilibrio. Reeves logra una interpretación ligera y humana, lejos de sus papeles más intensos, y su presencia otorga al relato una serenidad muy particular. Ansari, con su tono cercano y natural, consigue que el espectador se identifique con un personaje que vive al límite, mientras Rogen se mueve con soltura en el registro de hombre exitoso pero desencantado.

Las actuaciones son el mayor acierto de la película: todos los personajes están construidos con ternura, incluso los que rozan la caricatura. El guion, sin embargo, peca de ser demasiado explícito. La metáfora celestial se explica en exceso y no deja mucho espacio para que el espectador complete el sentido. A mitad del metraje la narración se vuelve algo repetitiva, y ciertas escenas dramáticas pierden fuerza frente al tono general de liviandad.

Ansari debuta como director con una mirada empática, que evita el cinismo y apuesta por el afecto como motor narrativo. Cuando el cielo se equivoca no sorprende, pero conmueve. Es una historia que, sin reinventar la rueda, recuerda con ternura que a veces el milagro no viene del cielo, sino de los gestos más simples.

En 27 noches, Daniel Hendler construye una comedia dramática elegante y sensible sobre la delgada línea entre la cordura y la libertad. Basada en la novela Veintisiete noches de Natalia Zito, la historia sigue a Martha Hoffman, una excéntrica mecenas de 83 años que es internada en una clínica psiquiátrica por decisión de sus hijas, quienes aseguran que padece demencia.

Pero detrás de esa aparente pérdida de razón, asoma una mujer que simplemente ha elegido vivir sin ataduras, desafiando las convenciones familiares y sociales.

Marilú Marini ofrece una actuación exquisita, de esas que iluminan la pantalla con cada gesto. Con una mezcla de ironía, ternura y rebeldía, compone a una Martha vital, lúcida y profundamente humana, capaz de emocionar sin recurrir al dramatismo fácil. Su interpretación es el corazón de la película: una lección de presencia, sutileza y libertad artística.

La acompaña un gran elenco: el propio Hendler —que además dirige con una mirada contenida y empática—, Humberto Tortonese, Julieta Zylberberg, Paula Grinszpan y Carla Peterson, todos aportando matices a un relato que oscila entre la sátira y la melancolía. La fotografía de Julián Apezteguía aporta una calidez que equilibra el tono introspectivo, mientras que la música de Pedro Osuna acompaña con delicadeza los vaivenes emocionales del film.

27 noches se atreve a cuestionar qué es realmente la locura: ¿negar el paso del tiempo o rendirse ante él? Con humor y compasión, Hendler propone una reflexión sobre la vejez, la autonomía y los prejuicios que pesan sobre quienes deciden salirse del molde.

Una película luminosa, sensible y necesaria, que encuentra en Marilú Marini una intérprete majestuosa.

Ganadora del León de Plata a Mejor Dirección en el Festival de Venecia, The Smashing Machine marca un giro en la carrera de Dwayne “The Rock” Johnson. Bajo la dirección de Benny Safdie —la mitad del dúo responsable de Good Time y Uncut Gems— esta biografía sobre el luchador Mark Kerr se convierte en más que una película sobre artes marciales mixtas: es una historia sobre el dolor, la adicción y el costo emocional de vivir bajo la exigencia de ser invencible.

Las escenas de combate son pura energía. Pero The Smashing Machine no se queda en el espectáculo físico; su mayor logro está en el retrato íntimo de un hombre desmoronándose detrás de su propio mito. Ahí es donde Johnson entrega, probablemente, la mejor actuación de su carrera.

Su Mark Kerr es un gigante vulnerable, un cuerpo tallado para resistir golpes que no logra esquivar los de la vida cotidiana. Johnson se despoja del carisma que lo hizo estrella y se entrega a un papel incómodo, introspectivo, donde el dolor se mide en silencios más que en gritos. No sería descabellado pensar en él como candidato al Oscar: hay honestidad y riesgo en su interpretación, una profundidad emocional que no le habíamos visto antes.

Emily Blunt, por su parte, aporta una contracara tan frágil como poderosa. Su Dawn Staples es el ancla emocional del relato, una mujer atrapada en una relación casi toxica que alterna ternura y destrucción. Blunt brilla incluso cuando el guion no le da todo el espacio que merece: logra transmitir el amor y el agotamiento de convivir con alguien que se autodestruye lentamente. Su química con Johnson es tan intensa como dolorosa, y también la coloca en la conversación de los premios.

Es cierto que The Smashing Machine puede sentirse un poco lenta en algunos tramos, sobre todo cuando Safdie se detiene en la monotonía del declive, en esos días grises de rehabilitación, recaídas y silencios. Pero esa decisión narrativa tiene un propósito: mostrar la repetición como condena, la vida de un hombre atrapado entre la gloria y la ruina.

Con una puesta visual impactante, actuaciones descarnadas y una mirada empática hacia la fragilidad masculina, The Smashing Machine confirma el talento de Benny Safdie como director y redefine a Dwayne Johnson como actor. Una película intensa, incómoda y emocionalmente devastadora que deja claro que, detrás de los músculos, hay un corazón que también se rompe.Una historia de fuerza y caída, donde Dwayne Johnson demuestra que la verdadera lucha está fuera del ring.

Hoy llega a Netflix Rockstar: DUKI, desde el fin del mundo, el esperado documental que pone bajo la lupa la vida y carrera de Mauro Lombardo, el trapero argentino que revolucionó la música urbana y se convirtió en una voz generacional. Dirigido por Alejandro Hartmann —responsable de títulos tan potentes como Carmel: ¿Quién mató a María Marta? y El fotógrafo y el cartero—, el film logra un retrato íntimo y a la vez expansivo de un artista que trascendió fronteras.

La narrativa se apoya en material inédito, testimonios ( Neo Pistea, Ysy A, Nicki Nicole y Bizarrap entre otros) y escenas detrás de cámara que reconstruyen un recorrido que comienza en las legendarias batallas de freestyle de El Quinto Escalón, sigue con la explosión de Modo Diablo y la consolidación del trap argentino como movimiento cultural, y se proyecta hacia la internacionalización de DUKI en escenarios cada vez más grandes.

Pero más allá del ícono musical, la película busca desentrañar la dualidad entre Mauro y DUKI: la persona detrás del personaje, sus miedos, contradicciones, el apoyo de sus padres, y familia en general y la exigencia de sostener un fenómeno colectivo que lo sobrepasa. La cámara de Hartmann explora ese “cambio de piel” en el que el artista se enfrenta a sus propios demonios mientras sigue construyendo un legado.

El documental no solo es un recorrido por la carrera de uno de los mayores referentes de la escena urbana, sino también un espejo generacional: habla de resiliencia, habla de identidad y de cómo una voz nacida “desde el fin del mundo” puede convertirse en símbolo global.

Te invito a que veas Rockstar: DUKI, desde el fin del mundo y saques tus conclusiones o tal vez te saques algunos prejuicios (como tenia yo)

Vas a ver un relato tan crudo como honesto, que muestra al artista en su faceta más humana y al mismo tiempo celebra el impacto cultural de un género que cambió para siempre la música argentina

GUTENBERG! ¡El Musical! es una verdadera joya del humor absurdo que llega a Buenos Aires con una frescura irresistible.

La obra, escrita por Scott Brown y Anthony King (creadores de Beetlejuice), propone un juego metateatral en el que dos dramaturgos se embarcan en la disparatada misión de convencer a potenciales inversores de financiar su musical sobre Johannes Gutenberg, el creador de la imprenta. El problema es que su investigación se limitó a una búsqueda rápida en Google, y de allí surge una sucesión de situaciones hilarantes que parodian tanto a la historia como al propio género musical.

El dúo protagónico, Germán Tripel y Santiago Otero Ramos, se convierte en el alma del espectáculo. Con un ritmo demoledor, cambian de personajes de manera constante utilizando simples gorras que marcan cada rol: desde monjes siniestros hasta aldeanos y hasta ratas. Su capacidad vocal, su histrionismo y la química entre ambos convierten la función en un verdadero tour de force que mantiene al público atrapado entre carcajadas y complicidad. La música en vivo, a cargo del maestro Hernán Matorra, no solo acompaña sino que potencia la energía del show, aportando calidad y dinamismo a cada número. Es un trio IMBATIBLE!

La puesta argentina, dirigida con ingenio y picardía, se permite sumar guiños locales que arrancan risas adicionales: desde figuras mediáticas hasta referencias de la coyuntura. Este recurso funciona como un puente con el público porteño, que se siente parte del chiste sin perder la esencia original de la obra. Si bien en algunos pasajes el humor parece estirarse un poco, el cierre sorprende con un golpe teatral inesperado que redondea la experiencia con inteligencia y frescura.

GUTENBERG! ¡El Musical! es una invitación a disfrutar de una comedia musical delirante, con actuaciones brillantes y un espíritu irreverente que contagia entusiasmo. Una propuesta distinta dentro de la cartelera porteña, que celebra el poder del teatro para reírse de sí mismo. Me encanto!

Se presenta en la Sala Pablo Picasso del Paseo La Plaza (Av. Corrientes 1660), con funciones los martes a las 20:30 hs.

Ficha: Autores: Anthony King y Scott Brown. Adaptadores: Nicolás Alan Medina, Joaquín Scotta y Thiago Lifschitz. Directores: Ariadna Faerstein y Nicolás Alan Medina. Dirección musical: Hernán Matorra. Elenco: Germán “Tripa” Tripel y Santiago Otero Ramos. Escenografía: Giuliano Benedetti. Iluminación: Leo Muñoz. Vestuario: Darío Schvartz y Carola Jazmín. Sala: Pablo Picasso, del Paseo La Plaza (Av. Corrientes 1660). Funciones: martes a las 20:30. Duración: 105 minutos.

Las maldiciones, miniserie argentina de Netflix basada en la novela de Claudia Piñeiro, se sumerge en un thriller político con tintes familiares y personales. Me gusta que son solo tres episodios que empieza y termina logrando condensar una historia cargada de tensiones y secretos, sin perder ritmo ni intensidad. La dirección de Daniel Burman aprovecha al máximo los escenarios del norte argentino, donde los paisajes áridos y el silencio refuerzan la atmósfera inquietante que rodea a los personajes.

Leonardo Sbaraglia construye un protagonista complejo, atrapado entre la ambición, la culpa y las lealtades quebradas,Alejandra Flechner en el rol de la madre nos da como siempre una leccion de actuacion, mientras que Francesca Varela, como su hija, aporta frescura y vulnerabilidad en un vínculo atravesado por las sombras del poder. El elenco secundario (Monica Antonopulos,Gustavo Bassani) acompaña con solidez, logrando personajes que se sienten cercanos y creíbles.

La serie plantea interrogantes sobre la herencia del poder, la corrupción y la manera en que lo político invade lo íntimo. Sin embargo, hacia el final, algunos conflictos se resuelven con cierta prisa y hay escenas demasiado explicativas, que dejan poco espacio para la ambigüedad y el misterio. También se percibe que la dimensión esotérica presente en el libro queda relegada, lo que puede decepcionar a quienes esperaban un tono más marcado en ese sentido.

Aun con estas limitaciones, Las maldiciones se sostiene por su ritmo, por las actuaciones y por la fuerza visual de su puesta. Es una propuesta sólida, actual y con identidad argentina, que invita a reflexionar sobre los costos del poder y la fragilidad de los vínculos cuando la política se mezcla con la vida personal.

Con esta cuarta entrega, James Wan y Peter Safran deciden cerrar la saga principal de los Warren con un tono mucho más íntimo que terrorífico. Bajo la dirección de Michael Chaves, El Conjuro 4: Últimos Ritos abandona en parte la fórmula de los sustos repentinos para apostar por una narrativa cargada de nostalgia y dramatismo, donde el verdadero eje ya no es el demonio de turno, sino el legado emocional de Ed y Lorraine.

Ambientada en 1986, la película retoma un caso del pasado —un espejo maldito— y lo entrelaza con la adultez de Judy, la hija de los Warren, convertida ahora en pieza central de la historia. Este cruce generacional permite a la trama reflexionar sobre la herencia, la fe y la familia, aunque a veces sacrifica la tensión y el ritmo que caracterizaron a las primeras entregas.

Vera Farmiga y Patrick Wilson siguen siendo el corazón de la saga. Ellos logran transmitir la sensación de pareja unida contra lo imposible, y esa humanidad termina siendo más poderosa que cualquier efecto digital. Sin embargo, la puesta en escena de Chaves repite recursos visuales conocidos y en ocasiones se siente más preocupada por homenajear a la franquicia que por ofrecer algo nuevo.

Es sun cierre emotivo? Si, esun cierre emotivo, sólido en actuaciones pero irregular en ritmo y con menos miedo del esperado. Ideal para fanáticos, discutible como película de terror autónoma.

Ah… mira vos! se presenta como una obra con raíces en lo íntimo y lo relacional, donde se exploran las expectativas que cargamos con nosotros y cómo un momento compartido —la Nochebuena— puede devenir en un quiebre emocional. Bajo la dirección de Mariana Morales, el montaje aprovecha el tono de comedia dramática para generar tensión entre lo festivo y lo melancólico.

Uno de los puntos fuertes es la ambientación: Muy Teatro, con su sala pequeña y próxima, ofrece la cercanía justa para que el público perciba cada silencio, cada gesto de duda, cada vacilación en los vínculos, incluso compartir «imaginariamente» el asado REAL que se hace en la parrilla… El grupo de amigos no es una construcción idealizada, sino real: hay certezas rotas, anhelos no cumplidos, reclamos acumulados, y la sorpresa de la noche funciona como catalizador de veredas internas que a veces uno elude pero guarda.

El humor se inocula como método de alivio pero también como herramienta de crítica: hay momentos donde la risa se convierte en un espejo—y duele ver lo que refleja. El texto logra equilibrio en eso: no se vuelve ni demasiado solemne ni caricaturesco. También hay mérito en la puesta de luces y recursos mínimos: permiten que lo central sean los personajes, sus voces, sus contradicciones.

Quizás lo que menos resuena es algún tramo donde la dramaturgia se extiende sin necesidad: hay ciertos discursos que terminan siendo previsibles, algunos diálogos que podrían haberse acortado para mantener el ritmo. Pero en su conjunto, Ah… mira vos! convoca a mirar hacia adentro: hacernos preguntas sobre lo que creemos que ya está resuelto, sobre lo que dejamos para después, sobre lo que ocurre cuando nuestras certezas se tambalean. Bien el elenco, bien el guion , bien la direccion, una opcion en pleno barrio de Almagro para un viernes a la noche

FICHA

Director: Mariana Morales

Autor:Juan Pablo Betancor

Actuan:Fabio Carbia, Gaston Fumo, Ricardo Murad,Miguel Rosales, Jaier Tursky

Iluminacion:Ana Laura Kunz

• Sala: Muy Teatro, Humahuaca 4310, Almagro, Ciudad de Buenos Aires (CABA)
• Horario regular: los viernes a las 21:00 hs

Desde el 4 de septiembre, el Pabellón Frers de La Rural será sede de una experiencia única: Art Masters, una propuesta inmersiva que por primera vez llega a la Argentina y que invita a recorrer algunas de las obras más emblemáticas del Museo del Prado a través de la realidad virtual multiusuario (RVM).

La muestra, desarrollada por ACCIONA Cultura en colaboración con el prestigioso museo español, combina historia, arte y tecnología de vanguardia. Los visitantes podrán adentrarse en cinco obras maestras de Velázquez, El Bosco, Goya, Rubens y Veronese, guiados por un guardia de seguridad virtual que se despide en su último día de trabajo, abriendo las puertas a rincones ocultos del museo y a un viaje emocional por el arte europeo.

El recorrido se divide en tres etapas: una galería física introductoria, una experiencia inmersiva de realidad virtual y una sala interactiva de cierre. Con curaduría supervisada por Alejandro Vergara, jefe de Conservación de Pintura Flamenca del Prado, la propuesta garantiza calidad artística, fidelidad histórica y una vivencia sensorial inolvidable.

Art Masters se podrá visitar a partir del 4 de septiembre en La Rural y las entradas ya están disponibles en laruralticket.com.ar

El próximo sábado 6 de septiembre, de 11 a 18 horas, el playón del Mercado de Pulgas será el escenario de una nueva edición del Festival Moda Sostenible, un evento que reúne creatividad, conciencia ambiental y consumo responsable. La jornada, organizada en el marco de Buenos Aires está de Moda e impulsada por el Ministerio de Desarrollo Económico de la Ciudad, propone redescubrir la moda desde un enfoque innovador y sustentable.

Más de 50 marcas y emprendedores presentarán sus propuestas de indumentaria y accesorios con diseño consciente y producción responsable. Además, el público podrá disfrutar de un sector vintage con referentes como Viva Vintage, talleres gratuitos —entre ellos el de customización de prendas a cargo de Vero Alfie y el de reciclaje de corbatas coordinado por Flor Dacal— y actividades colaborativas como un tejido colectivo abierto durante todo el día.

El festival también contará con un espacio de charlas con especialistas como Cecilia Membrado, CEO de Renová tu vestidor, y referentes de Sistema B Argentina, junto a analistas de tendencias como Ximena Díaz Alarcón y Gaba Najmanovich, quienes reflexionarán sobre los desafíos de la moda sostenible en tiempos de crisis. La musicalización estará a cargo de Vinilos en la Vereda, con su emblemática Kombi Volkswagen T2 convertida en cabina de vinilos en vivo.

Comprometido con el cuidado del medio ambiente, el evento medirá y compensará su huella de carbono, fomentará la separación de residuos y el aprovechamiento de la luz solar. Además, entre quienes participen de las encuestas ambientales se sortearán productos sostenibles.

El Festival Moda Sostenible se consolida como un punto de encuentro entre creatividad, innovación y responsabilidad social, invitando a disfrutar de la moda con propósito.