En La Desgracia, el musical, el escenario se convierte en un pueblo tan ficticio como reconocible: Terranova, donde una enfermedad de transmisión sexual y un crimen misterioso desatan una catarata de hipocresía, represión y deseo. Pero lejos de ser un drama denso, la obra apuesta —y gana— por una farsa desopilante que no da respiro, impulsada por un elenco brillante y una dirección afilada.

Desde el primer acorde, la puesta se siente distinta: la música no solo acompaña, sino que construye carácter, contexto y ritmo. Las canciones revelan mucho más que lo que los personajes se atreven a decir; son confesiones envueltas en melodías que van del pop al tango, del himno religioso a la balada más kitsch, sin perder jamás la coherencia estilística ni la inteligencia dramática.

El libro —ácido, agudo, provocador— juega con los clichés de los pueblos chicos, los secretos grandes y el peso del qué dirán. La intendente, la hija pecadora, el médico salvador, la enfermera psicotica, el pastor fanático: todos estereotipos que se rompen y reconstruyen en clave de humor negro, con una mordacidad que recuerda a lo mejor de Reefer Madness o incluso a la irreverencia de South Park, pero con una sensibilidad propia, anclada en la idiosincrasia local.

El elenco es, sencillamente, espectacular. Cada intérprete domina no solo el canto y la actuación, sino el tempo cómico y el dramatismo paródico que exige la obra. La dirección —dinámica, precisa— sostiene un ritmo vertiginoso sin perder jamás el control, y hace brillar a cada personaje en su justa medida.

La Desgracia es, sin exagerar, uno de los mejores musicales que se pueden ver hoy en Buenos Aires. Una obra que se anima a decir cosas incómodas, que se ríe de todo y de todos, y que, en esa risa, también conmueve. Porque detrás del absurdo, late una verdad incómoda: que a veces la verdadera desgracia no es la enfermedad, sino la represión, la culpa y el miedo al deseo.

La vi 3 veces, desde El Galpon de Guevara, hasta el Paseo La Plaza, con diferentes figuras… y siempre aplaudi, DE PIE.

Una joya musical que combina sátira, suspenso y emoción con una potencia poco vista en el teatro local.

Imperdible.

Los martes 20.45en el PASEO LA PLAZA

Todos los miércoles a las 22:15 en el Paseo La Plaza, la sala se transforma en un cruce entre el inframundo y la superficie, entre la tragedia griega y el drama porteño. Con “De Tango y Sombras”, Marcos Ayala reafirma su maestría como coreógrafo y bailarín.

Desde el primer compás, la puesta impacta por su potencia visual: las coreografías, ejecutadas con precisión y dramatismo, construyen un lenguaje corporal que reemplaza las palabras y transmite, con cada abrazo o cada ruptura del abrazo, la tensión entre el deseo, el poder y la redención. Ayala y Paola Camacho brillan en escena, no solo por su virtuosismo técnico, sino por la expresividad con la que encarnan a estos seres arquetípicos. La química entre ambos es magnética, generando momentos de una emocionalidad tan intensa como refinada.

El cuerpo de baile acompaña con igual entrega, dando forma a las sombras que habitan el inframundo o a los ecos de una Buenos Aires poética y trágica. La propuesta coreográfica, precisa y teatral, respeta la esencia del tango pero la expande hacia nuevos territorios escénicos, aportando matices contemporáneos sin perder el pulso tradicional.

El vestuario es otro de los grandes aciertos de la obra. Con diseños de Florencia Valentini en el primer acto y de Walter Delgado en el segundo, la transformación visual acompaña el tránsito de los personajes entre mundos. La paleta cromática y las texturas dialogan con la iluminación de Cristian Tateossian, quien refuerza el juego entre luces y sombras que da nombre a la obra, potenciando el clima onírico y sensorial del relato.

La escenografía de Matías Otálora apuesta por lo simbólico, dejando que la danza y la iluminación construyan los espacios emocionales. La dirección escénica de Ignacio González Cano, en sintonía con la mirada de Ayala, encuentra el tono justo entre lo mítico y lo urbano, sin caer en lo solemne ni en lo decorativo.

“De Tango y Sombras” es un espectáculo que habla del amor como fuerza transformadora, del deseo como impulso vital y de la identidad como un equilibrio entre la luz y la oscuridad. Un imperdible de la cartelera porteña que emociona, conmueve y deja huella. Te quedan dos funciones

Vale la pena

Paseo La Plaza – Sala Pablo Picasso
Miércoles, 22.15 h

E TANGO Y SOMBRAS
Idea, Coreografía y Dirección General: Marcos Ayala
Línea Argumental: Ignacio González Cano y Marcos Ayala
Dirección de  Escena: Ignacio González Cano y Marcos Ayala

Elenco:
Bailarines Principales
Marcos Ayala
Paola Camacho

Cuerpo de Baile
Sabrina  Nogueira,  Ayelén Alvarez Miño, Ligeia Moya,
Aldana  Tade, Irina Cristoff Veleff, María Emilia Prono
Eber Burger, José  Lugones, Claudio González
Julio Seffino, Facundo Vilches, Emanuel Silva

Asistente de Escenario: Pablo Errante
Escenografía: Matías Otálora
Diseño de Iluminación : Cristian Tateossian
Diseño de vestuario: Florencia Valentini (1er. Acto) y Walter Delgado (2do. Acto)
Realización de vestuario: Walter Delgado
Asistente de Vestuario: Nelly Bellomo
Diseño gráfico: Nahuel Lamoglia
Fotografía: Nacho Lunadei
Producción Ejecutiva: Cristian Tateossian

Con Francisco Pesqueira como protagonista absoluto, “Víctor, vení a buscar los discos” despliega un unipersonal que combina sensibilidad, humor y música en vivo para contar —y cantar— una historia de amor que ya fue, pero que aún duele. Bajo la dirección y puesta en escena de Emiliano Samar, el espectáculo logra algo difícil: transitar el desamor sin caer en la melancolía apagada, sosteniéndose en el juego escénico, la ternura del relato y la potencia emocional de los boleros.

La historia es simple en su superficie: Juan, un hombre de cincuenta años recién separado de Víctor, se enfrenta a la ausencia y a esos objetos que quedan como huellas de lo compartido: los discos. Pero la premisa se vuelve excusa para desplegar un universo íntimo, una memoria amorosa en carne viva, donde las canciones no solo acompañan el relato, sino que lo construyen. Pesqueira, con su solvencia habitual, se mueve entre monólogo, interpretación musical con fluidez y un gran sentido del ritmo.

El humor aparece como antídoto a la nostalgia, interrumpiendo con oportuno desparpajo los momentos más crudos. Hay ironía, autoconciencia y una mirada lúcida sobre las formas del amor y del duelo amoroso en los tiempos actuales. La propuesta no solo interpela a quienes transitaron relaciones entre varones; apela a cualquiera que haya amado, soltado, perdido o esperado algo que no llegó.

La escenografía y el trabajo visual acompañan sin estridencias, permitiendo que el foco esté en la palabra y en la música. Los músicos construyen junto al actor una dinamica que potencia lo narrado.

El espectáculo no se propone como un homenaje clásico al bolero, sino como un juego contemporáneo que dialoga con ese género.

El final, como prometía la sinopsis, deja espacio para la esperanza. Porque aunque el amor haya sido o no correspondido, siempre está la música, el recuerdo compartido, la risa, el deseo de volver a bailar.

Una propuesta sensible y honesta, que se escucha, se siente y se canta.

Muy bonita

Autores Francisco Pesqueira, Emiliano Samar

Actúan:Francisco Pesqueira

Músicos:Pepo Lapouble, Federico Razetti

Diseño de luces:Malena Miramontes Boim

Realización de escenografia:Analía Schiavino

Cantante:Francisco Pesqueira

Fotografía:Gianni Mestichelli

Diseño gráfico:Luis Escudero, Luis Escudero / Leconsag

Asesoramiento de vestuario:Sandra Ligabue

Asistencia:Eunice Medina Suarez

Prensa:Bmz Comunicaciones, Marcelo Boccia, Carlos Mazalan, Ariel Zappone

Asistente de prensa:Verónica LarreaA

rreglos musicales:Pepo Lapouble

Producción ejecutiva:Andrea Widerker

Grafica:Daniel Roffo

Puesta en escena:Emiliano Sama

rDirección musical:Pepo Lapouble

Dirección:Emiliano Samar

Duración: 70 minutos

Patio de Actores Lerma 568 domingos 16.30

Ocho Tango Aéreo no es simplemente un espectáculo de danza: es una reinvención del tango desde las alturas. La propuesta de Brenda Angiel y su compañía desafía la gravedad, pero también las convenciones del género rioplatense, conjugando tradición y vanguardia con una maestría que hipnotiza.

Los bailarines —auténticos acróbatas del tango— despliegan una expresividad física que trasciende el suelo. Suspendidos por arneses, se deslizan por paredes, flotan en el aire y se entrecruzan a velocidades asombrosas, generando imágenes visuales que remiten tanto a la poesía corporal como a la ilusión óptica. Cada coreografía es una historia breve contada desde el cuerpo, con momentos que oscilan entre la comicidad, la sensualidad y el vértigo. Especial mención merecen los dúos que juegan con la verticalidad, rompiendo la perspectiva tradicional del espectador, y generando una conexión íntima incluso a varios metros del suelo.

La orquesta en vivo es un plus importante. Con una formación inusual —bandoneón, violín, guitarra, piano, vibráfono, bajo, contrabajo y percusión— el ensamble ofrece una lectura fresca y rica del repertorio tanguero. Milongas, valsecitos y tangos compuestos especialmente para la obra conviven con una cuidada selección de piezas que dialogan a la perfección con la danza. El vibráfono y las cuerdas aportan una textura sonora casi cinematográfica, mientras que el bandoneón ancla la propuesta en el ADN del tango. El cantante, logra integrar la voz humana a este entramado con justeza emocional.

Ocho Tango Aéreo es una experiencia sensorial total: una fusión virtuosa entre música, danza, imagen y aire. Una celebración contemporánea del tango que, sin perder su raíz, encuentra nuevas formas de habitar el escenario y el cielo.

Incluyo ficha tecnica porque realmente cada persona que trabaja merece que se lo nombre en esta critica

Bailarines:Carla Bugiolacchi, Mauro Dann, Viviana Finkelstein, Morena Grasso, Rosina Heldner, Maximiliano Navarro, Guillermo Fabricio Perez, Giselle Pezoa Iturra

Músicos:Joaquín Apesteguia, Juan Pablo Arcangeli, Ada Gabriela Bernasconi, Pablo Borghi, Alejandro Guyot, Pedro Kiszkurno

Diseño de vestuario:Pilar Belmonte, Carolina Ferraiuolo, Federico Olea Salinas

Diseño de luces:Anibal Corrado

Diseño sonoro:Daniel Fabio Silva

Música original:Juan Pablo Arcangeli, Martín Ghersa

Voz:Alejandro Guyot

Operación técnica:Rodolfo Aguirre, Maximiliano Cruz, Lucas Podestá

Asesoramiento en danza:Marcos Ayala, Valencia Batiuk, Damian Esell, Juan Malizia, martin ojeda, Cesar Peral

Director Repositor:Viviana Finkelstein

Prensa:Daniel Franco

Producción general:Brenda Angiel

Jefe técnico:Rodolfo Aguirre

Coreografía:Brenda Angiel

Dirección musical:Juan Pablo Arcangeli, Martín Ghersa

Dirección artística:Brenda Angiel

Dirección general:Brenda Angiel

Esperando la carroza, comedia icónica del cine argentino, marcó generaciones con su retrato ácido y entrañable de la familia. A 40 años de su estreno, y en un año especial para reconocer la trayectoria de Antonio Gasalla, la Ciudad la celebra con una propuesta que invita a revivir su historia y a destacar su lugar en el imaginario colectivo.

El homenaje comenzará el martes 6 de mayo a las 19 h en el Hall Alfredo Alcón del Teatro San Martín, con un encuentro abierto al público que contará con la participación de Luis Brandoni, Mónica Villa, Betiana Blum —parte del elenco original— y Diana Frey, productora del film. A las 21 h, en la Sala Manuel Antin del Centro Cultural San Martín, se proyectará la película Esperando la carroza en una función especial. La entrada será libre y sin costo, y podrá retirarse el mismo día desde las 19 h en el hall del Teatro San Martín, por orden de llegada. Además, el jueves 8 de mayo, la película tendrá su reestreno en salas comerciales.

Será una ocasión para recordar junto a sus protagonistas los momentos más emblemáticos del film y revivir frases que ya forman parte del habla popular: “Yo hago ravioles, ella hace ravioles. Yo hago puchero, ella hace puchero. ¡Qué país!”, “Tres empanadas que sobraron de anoche para dos personas, qué miseria”, “¿Dónde está mi amiga?”, “¿Qué hizo con MI mayonesa? ¡Flancitos!”.

Como parte de esta semana de homenaje, el miércoles 7 de mayo a las 19 h se proyectará Carroceros en el Centro Cultural 25 de Mayo, un documental que retrata el fenómeno de culto que generó la película y el vínculo único entre sus fanáticos y esta historia inolvidable. La entrada será libre y sin costo, y contará con la presencia de invitados especiales.

Una oportunidad para reconectar con el humor argentino, rendir tributo a una de las películas más emblemáticas del cine nacional y reconocer a una de las figuras más queridas y talentosas del país.

La actividad es organizada por el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, a través de la Buenos Aires Film Commission, en colaboración con el Complejo Teatral de Buenos Aires, el Centro Cultural San Martín y el Centro Cultural 25 de Mayo

Con Chanta,la temporada de verano 2026 de Mar del Plata suma una propuesta provocadora y arriesgada que no pasa inadvertida. Escrita por el trío conformado por Mariano Cohn, Gastón Duprat y Juan José Becerra , la obra propone una sátira despiadada sobre la argentinidad, la hipocresía social y la construcción del ego. Y lo hace con una premisa: un hombre que, recién muerto, repasa su vida para comprender (y justificar) cómo llegó a ser el chanta que fue.

La dirección es de Marcelo Caballero ; el usa recursos visuales y narrativos de manera efectiva . La puesta no se detiene ni un segundo: escenarios móviles, proyecciones, cambios de atmósfera, quiebres tonales. Cada escena parece ser un nuevo mundo dentro del mismo personaje, sin perder nunca el vértigo que vuelve al espectáculo tan adictivo como incómodo.

Pero si hay un elemento que eleva la propuesta es, sin dudas, Agustín «Rada» Aristarán. Su trabajo es magnético. Versátil, afilado y con una capacidad camaleónica para habitar todos los matices del protagonista, Rada hace carne ese Julio Ballesteros encantador y detestable, cínico y entrañable, todo a la vez…. es el reflejo de tantas miserias colectivas….Su dominio del ritmo, del humor ácido y de los silencios que incomodan lo confirma como un intérprete de una potencia escénica notable. No es solo el humorista que muchos conocemos: acá hay un actor completo, capaz de conmover, incomodar y hacer reír con la misma intensidad.

Chanta no busca agradar ,Chanta busca sacudir. Con su humor negro, su ironía salvaje y su mirada crítica sobre las estructuras sociales, propone una experiencia teatral poco convencional, donde lo grotesco se vuelve espejo. Y lo hace de la mano de un artista —Aristarán— en uno de sus trabajos más logrados. Felicidades nene! Has superado los objetivos (diria la profe). Si estas por la feliz CHANTA ES UN GRAN ESPECTACULO!

Autores: Mariano Cohn, Gastón Duprat y Juan José Becerra. Intérprete: Agustín “Rada” Aristarán. Dirección: Marcelo Caballero. Música: Juan Ignacio López. Escenografía: Tatiana Mladineo y Luciana Peralta Bó. Vestuario: Gustavo Alderete. Iluminación: Facundo David. Sala:TEatro Lido Santa Fe 1751 Mar del Plata . Funciones: Miercoles a domingos. Duración: 70 minutos.

¿Qué gestos anidan en nuestro cuerpo? ¿Qué memorias heredamos sin saberlo? En Rastros del gesto analógico, el grupo Boca de Gallo —integrado por Carolina Tejeda, Ignacio Rodríguez de Anca y Norberto Moreno— nos zambulle en un viaje sensible por los pliegues de la memoria femenina.

A través de un dispositivo escénico que combina objetos, fotografías, títeres, proyecciones analógicas y música en vivo, tres personajes buscan reconstruir las huellas de aquellas mujeres que dejaron marcas invisibles en su andar. Como si manipularan un álbum íntimo y artesanal ante nuestros ojos, los intérpretes despliegan relatos, imágenes y emociones que se entrelazan con la historia de tantas otras mujeres de distintos territorios y épocas.

La actuación de Tejeda y Rodríguez de Anca brilla por su delicadeza y entrega, y te invitan a un tránsito emocional profundo y honesto. Norberto Moreno, desde el sonido,a trava¿es de instrumentos y demas objetos aporta un paisaje sonoro de sutilezas que abraza cada escena con precisión y ternura.

Rastros del gesto analógico es una obra que conmueve por su cuidado en los detalles, su amorosa y delicada reconstrucción de la memoria y su apuesta por un teatro artesanal, donde lo pequeño y lo íntimo se transforman en acto colectivo. Un espectáculo para dejarse llevar, mirar y recordar, donde cada gesto, cada objeto, cada sombra, revive afectos que nos pertenecen a todos.

Recomendado para quienes buscan una experiencia teatral sensible, honda y luminosa.

RASTROS DEL GESTO ANALÓGICO
Grupo Boca de Gallo
Domingos 20 h – La Gloria, Espacio Teatral (Yatay 890)