SPRINGSTEEN: MÚSICA DE NINGUNA PARTE

Jeremy Allen White se mete bajo la piel de Bruce Springsteen en Springsteen: Música de ninguna parte, una película que evita el lugar común del biopic musical para explorar el costado más humano y silencioso del “Jefe”. Dirigida por Scott Cooper, la historia se centra en los años en que el artista compuso Nebraska (1982), un disco esencial y profundamente introspectivo que marcó un antes y un después en su carrera.

Lejos del brillo del rock y los estadios, la película se instala en el vacío, la soledad y la búsqueda de sentido que acompañaron al proceso creativo. White entrega una actuación notable, contenida y emocional, que no intenta imitar sino capturar la esencia del músico. Su transformación se siente verdadera, fruto de una preparación rigurosa que incluyó clases de canto y guitarra, largas charlas con el propio Springsteen y una inmersión total en su mundo interior. Le valdra una nominacion al Oscar? Yo le pongo una ficha a que SI.

El film no busca el espectáculo ni las luces y brillos, sino la intimidad. A través de una puesta sobria, luces apagadas y silencios prolongados, Cooper logra retratar la mente de un hombre atrapado entre la inspiración y el abismo. La relación con su padre, las sombras de la depresión y la necesidad de crear como forma de salvación se combinan para construir un retrato sensible y melancólico.

No es una película de ritmo veloz ni una sucesión de éxitos musicales. Algunos espectadores (los que esperan la biopic triunfal) pueden sentir que le falta impulso narrativo, pero esa pausa es deliberada: el vacío también forma parte del arte de Springsteen. La cámara observa sin juzgar, deja que la emoción se filtre en los gestos, en una mirada perdida o en el temblor de una cuerda.

Springsteen: Música de ninguna parte es un viaje hacia adentro, una meditación sobre la fragilidad del genio y el poder de la creación como refugio. Jeremy Allen White confirma aquí su talento para habitar personajes complejos, y lo hace con una entrega que conmueve. Es una película contenida, melancólica y sincera, ideal para quienes prefieren descubrir al artista detrás del mito.

La Cena de las Emociones: una noche para sentir la argentinidad a flor de piel

Que tenes que hacer el próximo 31 de octubre?

En Club Casa Blanca (Balcarce 668, San Telmo) te proponen algo diferente y profundamente emotivo : «La Cena de las Emociones» , un encuentro que combina teatro, música, relatos y pasiones argentinas en una noche pensada para conmover.

Los protagonistas de esta experiencia son Pablo Ladaga y Leonardo Gentili, reconocidos relatores de fútbol que, más allá de su vínculo con el deporte, saben cómo transmitir sentimientos y conectar con el público. Con ellos, el fútbol se transforma en punto de partida para hablar de lo que nos une: la radio, los ídolos populares, la música, las vivencias compartidas y esa argentinidad que late en cada historia.

Más que un espectáculo, La Cena de las Emociones promete ser una celebración de los sentidos. Una noche donde la palabra, la música y la pasión se entrelazan para crear un viaje colectivo hacia lo más profundo de nuestras emociones.

La sala abrirá sus puertas a las 20 horas, y la función comenzará a las 21. Las entradas están disponibles a través de Passline o por WhatsApp al 11 3388 3402.

Una cita imperdible para quienes disfrutan de las historias que tocan el corazón y de las experiencias que nos recuerdan quiénes somos

VUELVE TEATRISIMO

Después de varios años de ausencia, Teatrísimo, el clásico ciclo teatral a beneficio de La Casa del Teatro, regresa con una nueva edición que promete cuatro lunes imperdibles. Del 20 de octubre al 10 de noviembre, el Teatro Regina será el escenario donde grandes figuras del espectáculo nacional se reúnan en funciones únicas, combinando arte y solidaridad.

Creado por Carlos Llorens y Luis Mazas, el ciclo nació con el propósito de recaudar fondos para La Casa del Teatro, institución emblemática que desde 1938 brinda hogar, contención y atención médica a artistas mayores que dedicaron su vida al escenario. Hoy, bajo la presidencia de Linda Peretz, esta casa continúa siendo un faro de apoyo y memoria para la comunidad artística.

La edición 2025 cuenta con la coordinación general de Ernesto Medela y una programación de lujo:

  • Lunes 20 de octubre“Mentiras Muertas”, escrita y dirigida por Marcelo Caballero, con Georgina Barbarossa, Romina Richi, Julián Pucheta y Lala Rossi.
  • Lunes 27 de octubre“La reina de la lluvia”, de y por Paula Marull, protagonizada por Jorgelina Aruzzi y con música en piano de Luisa Steverlynck.
  • Lunes 3 de noviembre“Otoño”, de Peter Quilter, dirigida por Santiago Doria, con las actuaciones de Patricia Echegoyen, Emilia Mazer y Mateo Chiarino.
  • Lunes 10 de noviembre“Una mujer invisible”, escrita y dirigida por Manuel González Gil, con Miguel Ángel Solá, Mercedes Funes, Sabrina Carballo, Sofía González Gil y Roberto Antier.

Las funciones serán a las 20:30 hs en el Teatro Regina (Av. Santa Fe 1235, CABA), con entradas disponibles a través de Entrada Uno, y todo lo recaudado será a total beneficio de La Casa del Teatro.

Además, se podrán realizar donaciones voluntarias a través del alias de Mercado Pago: CASADELTEATRODONA.

Más que un evento teatral, Teatrísimo es una celebración del compromiso y la pasión que mantienen viva la historia del teatro argentino. Una oportunidad para disfrutar del talento de grandes artistas y, al mismo tiempo, colaborar con una institución que los acompaña en cada etapa de sus vidas.

27 NOCHES

En 27 noches, Daniel Hendler construye una comedia dramática elegante y sensible sobre la delgada línea entre la cordura y la libertad. Basada en la novela Veintisiete noches de Natalia Zito, la historia sigue a Martha Hoffman, una excéntrica mecenas de 83 años que es internada en una clínica psiquiátrica por decisión de sus hijas, quienes aseguran que padece demencia.

Pero detrás de esa aparente pérdida de razón, asoma una mujer que simplemente ha elegido vivir sin ataduras, desafiando las convenciones familiares y sociales.

Marilú Marini ofrece una actuación exquisita, de esas que iluminan la pantalla con cada gesto. Con una mezcla de ironía, ternura y rebeldía, compone a una Martha vital, lúcida y profundamente humana, capaz de emocionar sin recurrir al dramatismo fácil. Su interpretación es el corazón de la película: una lección de presencia, sutileza y libertad artística.

La acompaña un gran elenco: el propio Hendler —que además dirige con una mirada contenida y empática—, Humberto Tortonese, Julieta Zylberberg, Paula Grinszpan y Carla Peterson, todos aportando matices a un relato que oscila entre la sátira y la melancolía. La fotografía de Julián Apezteguía aporta una calidez que equilibra el tono introspectivo, mientras que la música de Pedro Osuna acompaña con delicadeza los vaivenes emocionales del film.

27 noches se atreve a cuestionar qué es realmente la locura: ¿negar el paso del tiempo o rendirse ante él? Con humor y compasión, Hendler propone una reflexión sobre la vejez, la autonomía y los prejuicios que pesan sobre quienes deciden salirse del molde.

Una película luminosa, sensible y necesaria, que encuentra en Marilú Marini una intérprete majestuosa.

LOCAMENTE

“LocaMente” es una comedia romántica italiana dirigida por Paolo Genovese que se anima a explorar el caos interior que todos llevamos dentro. La historia sigue a Piero (Edoardo Leo) y Lara (Pilar Fogliati) durante su primera cita, una velada que podría parecer normal… si no fuera porque dentro de sus mentes se libra una auténtica batalla entre distintas voces internas: la racional, la pasional, la insegura, la romántica. Cada una intenta tomar el control, interrumpiendo, saboteando o impulsando lo que sienten y dicen.

. Genovese convierte ese ruido mental en una comedia coral donde los pensamientos adquieren cuerpo, voz y protagonismo. La puesta en escena, con contrastes entre el mundo real y el interior, es ingeniosa y mantiene el ritmo, aunque por momentos la fórmula se vuelve algo repetitiva.

Las actuaciones de Leo y Fogliati logran sostener la historia

“LocaMente” es divertida, identificable y con una vuelta de tuerca psicológica que la distingue dentro de las comedias románticas. Ideal para quienes buscan reírse de sí mismos y, al mismo tiempo, reconocerse en esos pensamientos que a veces no nos dejan disfrutar el momento.

TELEFONO NEGRO 2

“Teléfono Negro 2” retoma la historia cuatro años después de los hechos ocurridos en la primera película. Finney Blake, ahora de 17 años, intenta dejar atrás el trauma de haber escapado del temido asesino conocido como The Grabber. Sin embargo, su hermana menor Gwen comienza a tener visiones y sueños perturbadores: a través de un viejo teléfono negro, escucha las voces de tres chicos desaparecidos en un campamento invernal llamado Alpine Lake. Decididos a entender lo que sucede, los hermanos viajan al lugar y descubren que el mal no murió, sino que los estaba esperando.

Dirigida nuevamente por Scott Derrickson, la secuela mantiene el tono oscuro y la tensión psicológica que caracterizaron a la original, aunque esta vez amplía el universo sobrenatural con una atmósfera más opresiva y visualmente inquietante. Mason Thames y Madeleine McGraw vuelven a destacarse en sus papeles, mostrando la madurez de los personajes y el vínculo fraternal como centro emocional de la historia. Ethan Hawke, aunque tiene una presencia más contenida, sigue siendo una figura perturbadora que domina la pantalla cada vez que aparece.

La película logra generar momentos de auténtico suspenso y explora los efectos del trauma con cierta sensibilidad, pero por momentos se vuelve demasiado explicativa, intentando dar respuesta a todo lo que en la primera era puro misterio. Aun así, Derrickson consigue mantener el pulso del terror psicológico, evitando caer en el simple susto y apostando más por la angustia y el desasosiego.

LA CENA MACABRA

Llega al Barrio de San Telmo, a CLUB CASA BLANCA “La Cena Macabra”, un espectáculo inmersivo que promete una noche diferente, donde el público se convierte en testigo y cómplice de historias tan oscuras como cautivantes.

Paulo Kablan Junto a su hijo Facundo protagonizan esta propuesta que combina terror, relato policial, música en vivo, actuación y ambientación. La cita es el viernes 17 de octubre a las 21 horas, con apertura de sala desde las 20, en un espacio que se transformará por completo para sumergir a los espectadores en un clima de misterio.

En escena, un elenco de artistas da vida a los relatos más escalofriantes de Buenos Aires, esos casos que aún hoy erizan la piel: Rocío Giordano (La Soprano), Santiago Sirur (El Tenor), Loli Ruiz y Cecilia Lindner (Espíritus), con coreografía de Agostina Caute y maquillaje de Floren Ferro. La dirección está a cargo de Rey Alcaraz y la producción general de Hernán “Alky” Alcaraz.

“Queríamos que el público sienta lo que nosotros sentimos al contar una historia policial. El miedo, la adrenalina y esa curiosidad por saber qué hay detrás de cada caso”, adelanta Paulo Kablan sobre esta nueva faceta que lo vincula con el arte escénico.

La Cena Macabra invita a vivir una velada distinta, donde cada sonido, cada voz y cada mirada del elenco forman parte de una trama que se va revelando entre luces, sombras y sensaciones.

Una propuesta no apta para miedosos, pero ideal para los que se animan a experimentar algo nuevo y dejarse llevar por el suspenso.

📅 Viernes 17 de octubre, 21 hs

Lugar : Club CasaBlanca Balcarce 668 San Telmo
🕯️ Apertura de sala: 20 hs
🎭 Una experiencia inmersiva creada por Paulo y Facundo Kablan

VIUDA E HIJAS

En Viuda e hijas, el humor y las verdades familiares se mezclan con encanto. La historia comienza con la lectura de un testamento que desata una serie de confesiones, enredos y emociones entre una viuda y sus dos hijas. Lo que parece una comedia ligera termina siendo un retrato agudo de los vínculos, las herencias afectivas y los secretos que cada familia esconde.

El elenco es un lujo: Nora Cárpena y María Valenzuela brillan con oficio y carisma, aportando humor y emoción en dosis justas. Sofía Gala Castiglione y María Fernanda Callejón completan el cuadro con frescura y naturalidad, generando una dinámica fluida y entretenida. La breve aparición de Gonzalo Urtizberea suma un toque de ironía perfecta.

La dirección de Héctor Díaz es precisa y sensible, maneja los ritmos con acierto y deja espacio para que cada personaje respire y se luzca . La escenografía de Lula Rojo y la iluminación de Matías Sendón construyen un ambiente cálido, elegante y lleno de pequeños detalles que acompañan el tono de la historia.

Viuda e hijas es una comedia con corazón, que hace reír, emociona y deja esa sensación amable de haber visto algo cercano, reconocible y muy bien hecho. Vayan a verla

Autor: Alfonso Paso Jr. 

Intérpretes: Nora Cárpena, María Valenzuela. Sofía Gala Castiglione, María Fernanda Callejón, Gonzalo Urtizberea.

 Vestuario: Romina Giangreco.

 Escenografía: Lula Rojo

 Iluminación: Matías Sendón.

 Dirección: Héctor Díaz. 

Sala: Multitabarís, Corrientes 831. Funciones: miércoles a viernes a las 19.30, sábados a las 20 y 22, domingos a las 20. Duración: 80 minutos

LA NOCHE SIN MI

“La noche sin mí”, ópera prima de María Laura Berch y Laura Chiabrando, es una de esas películas pequeñas y silenciosas que logran resonar mucho después de los títulos finales. Protagonizada por Natalia Oreiro, la historia se adentra en la intimidad de una mujer que, tras un hecho inesperado, experimenta una transformación profunda, casi imperceptible en lo externo pero decisiva en lo interno.

Berch y Chiabrando, con una sensibilidad notable, construyen un relato íntimo, sostenido por los gestos, los silencios y las miradas. No hay grandilocuencia ni explicaciones innecesarias: el film apuesta por una narrativa sutil, introspectiva, donde la cámara acompaña a su protagonista en ese tránsito emocional, entre el desconcierto y la aceptación.

Natalia Oreiro entrega una de sus mejores interpretaciones en cine sin duda. Alejada del histrionismo y de cualquier artificio, compone a Eva con una contención admirable. Su rostro,su mirada, su forma de habitar el silencio, transmiten el peso de una transformación que no necesita palabras. Es una actuación madura, introspectiva y profundamente humana.

El elenco que la acompaña —Pablo Cura, Matilde Creimer Chiabrando y Teo Inama Chiabrando— sostiene con naturalidad el tono de realismo emocional que propone el film. La dirección de Berch y Chiabrando se apoya en una mirada femenina lúcida, que observa lo doméstico y lo cotidiano, rutinario, como territorios donde lo extraordinario puede suceder sin estridencias.

“La noche sin mí” es una película íntima, delicada y profundamente sensorial, que se atreve a hablar del cambio, del dolor y de la resiliencia desde un lugar de quietud. Una obra que confirma el talento de sus realizadoras debutantes y que encuentra en Natalia Oreiro una intérprete en estado de gracia.

LA MAQUINA

Ganadora del León de Plata a Mejor Dirección en el Festival de Venecia, The Smashing Machine marca un giro en la carrera de Dwayne “The Rock” Johnson. Bajo la dirección de Benny Safdie —la mitad del dúo responsable de Good Time y Uncut Gems— esta biografía sobre el luchador Mark Kerr se convierte en más que una película sobre artes marciales mixtas: es una historia sobre el dolor, la adicción y el costo emocional de vivir bajo la exigencia de ser invencible.

Las escenas de combate son pura energía. Pero The Smashing Machine no se queda en el espectáculo físico; su mayor logro está en el retrato íntimo de un hombre desmoronándose detrás de su propio mito. Ahí es donde Johnson entrega, probablemente, la mejor actuación de su carrera.

Su Mark Kerr es un gigante vulnerable, un cuerpo tallado para resistir golpes que no logra esquivar los de la vida cotidiana. Johnson se despoja del carisma que lo hizo estrella y se entrega a un papel incómodo, introspectivo, donde el dolor se mide en silencios más que en gritos. No sería descabellado pensar en él como candidato al Oscar: hay honestidad y riesgo en su interpretación, una profundidad emocional que no le habíamos visto antes.

Emily Blunt, por su parte, aporta una contracara tan frágil como poderosa. Su Dawn Staples es el ancla emocional del relato, una mujer atrapada en una relación casi toxica que alterna ternura y destrucción. Blunt brilla incluso cuando el guion no le da todo el espacio que merece: logra transmitir el amor y el agotamiento de convivir con alguien que se autodestruye lentamente. Su química con Johnson es tan intensa como dolorosa, y también la coloca en la conversación de los premios.

Es cierto que The Smashing Machine puede sentirse un poco lenta en algunos tramos, sobre todo cuando Safdie se detiene en la monotonía del declive, en esos días grises de rehabilitación, recaídas y silencios. Pero esa decisión narrativa tiene un propósito: mostrar la repetición como condena, la vida de un hombre atrapado entre la gloria y la ruina.

Con una puesta visual impactante, actuaciones descarnadas y una mirada empática hacia la fragilidad masculina, The Smashing Machine confirma el talento de Benny Safdie como director y redefine a Dwayne Johnson como actor. Una película intensa, incómoda y emocionalmente devastadora que deja claro que, detrás de los músculos, hay un corazón que también se rompe.Una historia de fuerza y caída, donde Dwayne Johnson demuestra que la verdadera lucha está fuera del ring.