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EL SECRETO

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Gerardo Romano y Ana María Picchio, dos nombres imprescindibles de nuestra escena, se reencuentran en El Secreto, la comedia del dramaturgo francés Eric Assous que llega por primera vez a Buenos Aires bajo la dirección de Manuel González Gil. La dupla es el corazón de la obra: su química, experiencia y timing actoral sostienen con solidez una trama que combina humor, ironía y giros inesperados.

La historia parte de la vida aparentemente tranquila de un matrimonio que, tras jubilarse, habita un elegante departamento porteño. Entre pequeñas rutinas y discusiones cotidianas, emerge un secreto que sacude sus cimientos y abre paso a la risa y a la reflexión. Allí aparecen Rodrigo Noya y Gabriela Sari, quienes completan con frescura y naturalidad un elenco bien equilibrado, aportando dinamismo y generando contrapuntos necesarios frente a la pareja protagónica.

La puesta en escena es otro de los aciertos: una escenografía cálida y elegante que recrea con detalle ese hogar en el que lo íntimo se expone y lo privado se desmorona, volviendo al público testigo directo de confesiones que todos podrían guardar.

Con una producción de Tomás Rottemberg, Juan Manuel Caballé y Faroni Producciones, El Secreto es una comedia entretenida y bien construida, donde Romano y Picchio brillan con maestría, y Noya y Sari acompañan con gracia. Un espectáculo que, entre risas y sorpresas, invita a preguntarse: ¿cuánto de nuestras vidas depende de lo que callamos?

📍 Dónde: Teatro Multitabarís Comafi (Av. Corrientes 831, CABA)
🗓️ Funciones: de miércoles a domingos
🕒 Horarios: miércoles a viernes 20:30 hs, sábados 20:30 y 22:30 hs, domingos 20 hs

LA FUNCION QUE SALE MAL

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En el Multiteatro —de miércoles a domingo—, LA FUNCION QUE SALE MAL se presenta como una máquina implacable de risas. Lo que a simple vista parece un drama policial se transforma en un desfile brillante de tropiezos y caos meticulosamente coreografiado, bajo la dirección de Manuel González Gil

La obra lleva a escena un malicioso “todo sale mal”, desde cuadros que se desploman, utilería rebelde, cuerpos que arman su propia coreografía y actores que olvidan líneas o entran fuera de tiempo. Pero detrás de cada desastre hay una enorme inteligencia escénica: accidentes que parecen espontáneos resultan calculados y provocan carcajadas sostenidas.

No hay quien se destaque sobre los demás porque TODOS sobresalen. Diego Reinhold retoma con gracia su personaje de versiones anteriores, desbordando carisma y timing físico, haciendo de cada caída una delicia cómica. Héctor Díaz aporta una solemnidad absurda en contraste con el colapso escénico, amplificando el humor (me acuerdo y me rio).

Fredy Villarreal demuestra su veteranía con ritmo preciso, remates visuales perfectos y un control del timing digno de relojería cómica. Dan Breitman, por su parte, es pura expresión física: salta, cae, se recupera y comparte esa energía con el público con una chispa única

Victoria Almeida, Maida Andreanacci, Gonzalo Suárez y Federico Ottone ofrecen una hilarante batalla contra decorados reacios, líneas traicioneras y objetos que conspiran contra ellos. Ottone, encarnando al asistente resignado, roba escena con su humanidad accidentalmente cómica

Manuel González Gil (Quien sino!) orquesta el desorden con una estética que coquetea con el music hall, la farsa y el vodevil. No hay improvisación: cada caída y despropósito es un gag milimétrico. Su dirección convierte el colapso en partitura visual y el desastre en comedia refinada

La escenografía, iluminación, efectos especiales, vestuario y música no solo acompañan; son protagonistas del desmadre escénico. Lula Rojo, Matías Sendón, Guillermo Toledo, Romina Giangreco y Martín Bianchedi —entre otros— firman un diseño que colapsa con intención poética.

El humor blanco, visual, absurdo y familiar tiene aquí su máxima expresión: no recurre a lo vulgar, sino al absurdo coreografiado. Recuerda a los clásicos del slapstick británico sin perder su chispa argentina, conectando con públicos de todas las edades.

Es necesario que les diga que vayan a verla? bueno …VAYAN!

Autores: Henry Lewis, Jonathan Sayer, Henry Shields. Intérpretes: Diego Reinhold, Héctor Díaz, Freddy Villarreal, Dan Breitman, Victoria Almeida, Gonzalo Suárez, Maida Andrenacci, Federico Ottone. Vestuario: Romina Giangreco. Escenografía: Lula Rojo. Iluminación: Matías Sendón. Dirección: Manuel González Gil. Sala: Multiteatro: Corrientes 1283.Funciones: miércoles a viernes, 20.30; sábados, 20 y 22; domingos, 20. Duración: 90 minutos

EN EL BARRO

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Se amplio el universo carceril…. El Marginal desde una perspectiva femenina logra instalar su propio pulso narrativo. La dirección de Alejandro Ciancio aporta una estética oscura y tensa que refuerza la crudeza de la cárcel, mientras que el guion de Silvina Frejdkes, Alejandro Quesada, Omar Quiroga y Sebastián Ortega combina historias individuales y colectivas donde la maternidad, la sexualidad y la lucha por el poder se convierten en motores dramáticos.

Entre las actuaciones de EN EL BARRO, Ana Garibaldi vuelve a destacarse como Gladys “la Borges”, un personaje cargado de humanidad y vínculo directo con la serie original. Valentina Zenere encarna a Marina, una exmodelo cuya fragilidad y frivolidad generan contrastes, mientras que Ana Rujas, como “La Gallega”, aporta energía y desafío en un rol de liderazgo. Lorena Vega brilla como “La Zurda” y Rita Cortese impone presencia como la directora del penal. La colombiana Carolina Ramírez suma complejidad emocional como Yael, una madre que cumple su condena con su hija , y Juana Molina sorprende con su enigmática “Piquito”, un personaje poético y perturbador (espectacular). María Becerra, en su debut actoral, interpreta a Cleo, una joven madre que despierta empatía, mientras que Alejandra “Locomotora” Oliveras deja una huella imborrable en el papel de Rocky, uno de los más auténticos de la serie. El elenco se completa con la gran Cecilia Rossetto, Erika de Sautu Riestra (me encanto), Camila Peralta y otras actrices que aportan veracidad a este universo femenino (muy buen casting).

La serie impacta por la intensidad de sus personajes y la forma en que retrata la cárcel como un espacio donde la violencia convive con la ternura y la resistencia. Si bien algunos personajes secundarios no alcanzan toda la fuerza dramática esperada y el énfasis en lo sórdido puede resultar excesivo, la propuesta consigue conmover, incomodar y abrir un nuevo capítulo del universo carcelario con las mujeres en el centro de la historia.

Son 8 capitulos y esta disponible en Netflix . Cotname que te parecio

HOMO ARGENTUM

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En tiempos en los que el cine argentino no esta pasando el mejor momento, Homo Argentum se erige como un verdadero fenómeno de taquilla. Casi llegando al millon de espectadores en apenas siete días, se convirtió en la tercera película nacional más vista de todos los tiempos en su semana de estreno y, además, en la más convocante de la era post pandemia.

La propuesta esta dirigida por Mariano Cohn y Gastón Duprat : una serie de relatos que, con ironía y dramatismo, intentan retratar distintas facetas de la identidad argentina. En ese marco, Guillermo Francella brilla con la interpretacion dieciséis personajes diferentes, cada uno con un sello propio, logrando un abanico actoral que confirma su talento y versatilidad.

Entre las historias que a mi me gustaron destaco El niño eterno, de tinte perturbador y emotivo; Noche de suerte, que juega con la sátira social; y El novio de papa entre otros

El elenco suma nombres que aportan frescura y curiosidad: Milo J, con una participación breve pero significativa; Eva De Dominici, en un rol cargado de intensidad; Migue Granados, aportando humor y desparpajo; y Dalma Maradona, en un pasaje que conecta con lo más íntimo de nuestra cultura popular.

Más allá de la grieta de opiniones que la película generó —algunos la celebran como una obra arriesgada, otros la cuestionan por su tono provocador—, lo cierto es que Homo Argentum no deja indiferente a nadie. Y en tiempos de apatía cultural, ese es ya un mérito enorme.

La invitación está hecha: más allá de las posturas enfrentadas, vayan a verla, saquen sus propias conclusiones y opinen ustedes.

TEATRO NEGRO DE PRAGA 2025

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El próximo sábado 1º de noviembre, el Teatro Ópera abrirá sus puertas para recibir a una de las compañías más emblemáticas del mundo: el Teatro Negro de Praga, una propuesta escénica única que combina luz negra, trajes fluorescentes y un asombroso juego visual que conquista generaciones enteras.

Este estilo teatral, creado por Jiří Srnec en 1961, se distingue por su carácter no verbal: cortinas negras, un escenario oscuro y efectos de iluminación que transforman cada movimiento en un acto de magia. Los espectadores son testigos de un universo en el que objetos flotan en el aire, actores desafían la gravedad con acrobacias y las sombras cobran vida.

Considerado uno de los espectáculos más aclamados de la historia teatral, el Teatro Negro de Praga ha recorrido 68 países, participado en 87 festivales internacionales y cautivado a más de 5 millones de espectadores. Con premios y distinciones que avalan su excelencia, la compañía es hoy sinónimo de innovación, arte y sorpresa.

Además de su función en Buenos Aires, la gira argentina —que comenzó el 28 de septiembre— llevará este espectáculo por Canning, San Nicolás, Paraná, Santa Fe, Rosario, Trenque Lauquen, Santa Rosa, General Pico, Neuquén, Cipolletti, General Roca, Viedma, Trelew, Puerto Madryn, Bahía Blanca, Tres Arroyos, Necochea, Quilmes, La Plata, Morón y Pilar, hasta el 7 de noviembre.

Una experiencia inolvidable para toda la familia, donde el teatro, la magia y la poesía visual se encuentran en un mismo escenario.

👉 Teatro Negro de Praga en Argentina
📍 Sábado 1º de noviembre – Teatro Ópera

CHAU MACOCO!

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“¡Chau, Macoco!” – Un homenaje con humor y corazón a 40 años de teatro

Lo hicieron en la Sala Casacuberta del Teatro San Martín, y ahora vuelven al TEatro Regio: Los Macocos se despiden —o no tanto— con una propuesta que es pura celebración: ¡Chau, Macoco!, dirigida con ingenio y sensibilidad por Mariana Chaud. El grupo, emblema del teatro independiente argentino, revisita su historia en clave de “viudrama” hilarante y emotivo, combinando memoria, ficción y ese humor inconfundible que los caracteriza.

La obra es una suerte de biodrama apócrifo donde las viudas de los integrantes del grupo se reúnen para despedir simbólicamente a sus maridos. Ese encuentro disparatado se convierte en excusa para revisar pasajes esenciales de la trayectoria del colectivo, con una mirada que oscila entre lo documental y la fantasía.

Todo lo que aparece en escena –desde las actuaciones hasta el diseño visual y sonoro– está al servicio de un relato que, aunque desbordado de comicidad, también deja espacio para la emoción y el legado.

Con una escenografía ingeniosa de Ariel Vaccaro, una iluminación precisa de Eli Sirlin y la música original de Tomi Rodríguez, ¡Chau, Macoco! se convierte en una experiencia vital y festiva. La dirección de Chaud, que logra captar la esencia del grupo y al mismo tiempo resignificarla, le da a la obra una frescura sorprendente.

Es un lujo que a lo largo de tantos años este grupo de amigos de la adolescencia (posta que algunos se conoces desde el colegio) siga dandonos risas y al mismo tiempo ellos en escena se tienten con sus locuras.

. Un imperdible para fans históricos y nuevas generaciones que quieran conocer a uno de los grandes referentes del teatro argentino.


Duración: 108 minutos
Dónde Teatro REGIO Av. Cordoba 6056

Las funciones se ofrecerán de jueves a domingos a las 20 horas.

🎭 ¡Vayan a despedirse de Los Macocos… o a saludarlos en su nueva versión!

DISNEY ON ICE

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El Movistar Arena se transforma en una puerta de entrada a los mundos más entrañables del universo Disney con Disney On Ice: Un Viaje Mágico, una producción deslumbrante que combina talento sobre hielo, tecnología escénica y una propuesta interactiva pensada para todas las generaciones. Desde el primer momento, Mickey Mouse y sus inseparables amigos cautivan al público con una energía que contagia, invitando a grandes y chicos a sumarse a esta travesía inolvidable.

La puesta en escena es un desfile de emociones y color, con transiciones que llevan al espectador desde la elegante Londres de El regreso de Mary Poppins hasta la exótica Agrabah de Aladdín, pasando por las playas de Motunui junto a Moana, la sabana africana con Simba, el hielo encantado de Frozen y la adrenalina de Los Increíbles y Toy Story. Uno de los grandes aciertos del show es la elección de personajes: hay clásicos que emocionan a los adultos y favoritos actuales que fascinan a los más chicos, logrando así una conexión genuina y transversal.

Pero lo que realmente distingue a esta edición es la cercanía con el público: no importa en qué ubicación estén, todos son parte activa de la historia. Hay momentos para bailar, para saludar a los personajes, te sacaran fotos que publicaran en las pantallas mientras transcurre el show y podras vivir la experiencia de estar en el escenario si sos afortunado y te buscan en tu platea….. La interacción no es un detalle, sino un eje que fortalece la propuesta familiar y convierte al show en un evento para recordar.

Disney On Ice: Un Viaje Mágico es, como su nombre lo indica, una invitación a sumergirse en un mundo de aventuras, emoción e imaginación. Una experiencia encantadora, vibrante y participativa que confirma por qué Disney sigue siendo sinónimo de magia compartida.

ESte 2025 las princesas las dejamos por un ratito para reir y disfrutar de este viaje magico. Vale la pena

ENTRADAS

  • Entradas básicas: desde ARS 20.000
  • Asientos preferenciales: desde ARS 40.000 a 46.000 
  • Pista Diamond (frente a la pista): ARS 78.000 + cargos (~90.000 total
  • Pista Golden: ARS 72.000 + cargos (~83.000 total) 
  • Platea Baja: ARS 46.000 + cargos (~53.000 total)
  • Platea Alta: ARS 27.000 + cargos (~31.000 total) I
  • Tribuna: ARS 16.000 + cargos (~18.500 total) 
  • Sillas de ruedas y acompañante: ARS 27.000 + cargos (~31.100 total) 

⚠️ Precios incluyen un cargo por servicio (~20%) y pueden variar ligera mente según la función y disponibilidad.

DESPERTAR DE PRIMAVERA

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En una temporada breve pero intensa, Despertar de Primavera desembarcó en el Teatro Ópera con una potencia escénica que deja huella. Bajo la dirección de Fer Dente, quien alguna vez protagonizó esta obra y hoy la revive con una mirada más madura y comprometida, el musical brilla por su puesta audaz, la solidez artística del elenco joven y una propuesta visual que dialoga con la crudeza del relato.

La escenografía de Gonzalo Córdoba Estévez, inspirada en el brutalismo, no es solo un marco, sino una presencia que refuerza el dolor, el encierro y los silencios de la adolescencia. Cada estructura, cada línea, acompaña el desgarrador tránsito hacia la adultez. La iluminación de Lucas Gabriel Gringas acompaña con precisión quirúrgica: subraya lo íntimo, sacude lo dramático y abraza lo poético.

El elenco juvenil es una pieza fundamental: Octavio Murillo (Melchior), Trini Montiel (Wendla) y Tomás Wicz (Moritz) encabezan un grupo de intérpretes vibrantes que no solo cantan y actúan con destreza, sino que transmiten verdad. Se suman con igual entrega Paz Gutierrez (tremenda), Joaquín Scotta, Valentina Pergolini, Mariel Percossi, Felipe Paissanidis, Lare, Marto Rodríguez y Sol Tobías Córdoba, componiendo un mosaico de voces que pide ser escuchado.

La dirección vocal de Eugenia Gil Rodríguez y las coreografías de Vanesa García Millan completan una experiencia escénica que conmueve. Vanesa Butera e Iñaki Agustín Baldassarreaportan presencia y contención desde los roles adultos.

Esta versión de Despertar de Primavera es también un manifiesto. Con más de 5000 jóvenes que se presentaron a la audición inicial, la obra refleja una generación que quiere hablar de salud mental, deseo, género, violencia y silencios heredados. Y lo hace con sensibilidad, potencia y coraje.

Fer Dente, en una nota personal al público, define esta puesta como una herida aún viva. Y ese es quizás su mayor logro: transformar el escenario en un espacio donde lo personal se vuelve colectivo. Donde lo que se calla, arde.

Únicas 10 funciones. Imperdible.

Teatro Opera

NO ME OLVIDES

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Con ternura, humor y un dejo de nostalgia, No me olvides es una de esas comedias románticas que abrazan al espectador desde el primer momento. Escrita y dirigida por Hernán Krasutzky, la obra encuentra en Arnaldo André y Silvia Pérez una dupla protagónica luminosa que sostiene con oficio y calidez una historia sencilla pero llena de encanto.

La trama gira en torno a Juani, un viudo que lidia con un alzhéimer peculiar que lo hace olvidar los hechos recientes, y Beba, una mujer de espíritu libre que trama un plan algo alocado: seducirlo para que la ayude . A partir de este punto de partida disparatado, la obra despliega un juego de enredos, recuerdos fragmentados y emociones que se entrecruzan con delicadeza.

André compone a Juani con enorme ternura y dignidad, evitando el golpe bajo y regalando momentos de humor genuino cuando la memoria se le escapa. Silvia Pérez, por su parte, aporta gracia y picardía en un rol que le permite lucir su carisma. Juntos, logran una química creíble que sostiene el tono amable de la propuesta y convierte cada escena compartida en un pequeño hallazgo.

La puesta es ágil, con un ritmo que no decae y un registro de comedia romántica clásica que invita tanto a la risa como a la emoción. El público sale con una sonrisa y con la certeza de haber asistido a una historia entrañable.

“No me olvides” es ideal para quienes buscan un relato luminoso sobre el amor y la memoria, contado con sencillez y corazón.

Funciones: Domingos 18:15 h – Teatro Picadilly (Av. Corrientes 1524, CABA). Entradas por boletería y Plateanet.

SUPERMAN

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Tras décadas de versiones, reboots, y universos extendidos, uno podría pensar que Superman ya no tiene nada nuevo que decir. Sin embargo, el filme dirigido por James Gunn demuestra que todavía quedan matices por explorar en el héroe más icónico de la cultura pop.

Este nuevo Superman exhibe una personalidad más «humana y vulnerable»: no es un ser perfecto ni un símbolo incuestionable, sino un hombre que se frustra, se altera, y busca desesperadamente el equilibrio entre su deber y su necesidad de ser aceptado. Esa tensión entre el superhéroe y el individuo da lugar a algunos de los momentos emotivos del largometraje.

La película alterna secuencias espectaculares —batallas que combinan efectos digitales de primer nivel y paisajes de pura accion— con pasajes íntimos donde Superman reflexiona sobre su origen y su lugar en el mundo.

El nuevo rostro del héroe interpretado por David Corenswet, logra dotar al personaje de cercanía y determinación sostiene buena parte de la carga dramática. Lo acompañan un elenco sólido, con una Lois Lane ( Rachel Brosnahan) que aporta determinación y humor, y un Lex Luthor (Nicholas Hoult) que, si bien no reinventa la rueda, funciona como antagonista creíble.

La trama, aunque no está exenta de lugares comunes —el dilema de salvar a la humanidad o proteger su identidad—, resulta eficaz y encuentra algunas ideas frescas: la soledad del héroe como una consecuencia inevitable de su poder desmesurado, y la exploración de la responsabilidad emocional que conlleva ser el último hijo de Krypton. Demas esta decirles que el perro lo amamos de principio a fin….quiero un muñeco del canino Krypto !!!

Superman es una mirada renovada que combina nostalgia con contemporaneidad. No revoluciona el género, pero recupera algo esencial despues de 12 años de ausencia : la fe en el poder de los héroes para inspirar. Y en tiempos de cinismo y fatiga de superproducciones, esa chispa de optimismo resulta valiosa.