Dalia Gutmann no festeja sus 20 años de comedia mirando por el espejo retrovisor: los celebra en escena, con el cuerpo, la palabra y una energía que confirma que su humor no solo sigue vigente, sino que se reinventa todo el tiempo. En Experiencia Gutmann, Dalia funciona como un recorrido por su universo artístico, pero lejos de ser un “grandes éxitos”, se convierte en una experiencia viva, actual y profundamente conectada con el presente.
El espectáculo mezcla momentos emblemáticos de sus distintos shows con material nuevo, y ahí aparece uno de sus mayores logros: nada suena repetido ni cómodo. Dalia revisita sus propios temas —la maternidad, el paso del tiempo, la pareja, las contradicciones cotidianas— desde otro lugar, con la mirada de una mujer que creció junto a su público. Su estilo verborrágico, cambiante y algo caótico sigue intacto, pero ahora se percibe más afinado, más consciente de sus tiempos y silencios.
Uno de los grandes aciertos del show es la complicidad inmediata que genera con la platea. Dalia habla con el público y no al público. Su humor nace de la observación filosa de lo cotidiano, de aquello que parece mínimo pero termina siendo universal. Desde ese lugar, logra algo que no todos los stand up consiguen: que las mujeres se sientan reflejadas sin solemnidad y que los hombres se rían, incluso cuando el espejo apunta directo hacia ellos.
La puesta es sencilla, sin artificios innecesarios, porque todo el peso está en la palabra y en la presencia escénica de Gutmann. Y alcanza. Su manejo del ritmo, su capacidad de improvisación y su entrega absoluta sostienen una hora larga de risas constantes, donde el caos diario se transforma en material cómico de alta precisión.
Experiencia GutmannDalia no es solo un festejo de carrera: es la confirmación de una artista que entendió que reinventarse no significa empezar de cero, sino animarse a mirarse con honestidad y humor. Y eso, en tiempos de risas rápidas y olvidables, es un valor enorme.
Así como el dolor puede transformar la vida en arte, Hamnet (dirigida por Chloé Zhao) convierte la peor tragedia personal en un relato universal de amor, pérdida y creación. Basada en la novela de Maggie O’Farrell, la película reconstruye con delicadeza y hondura el mundo de William Shakespeare (interpretado por Paul Mescal) y su esposa Agnes (Jessie Buckley), marcados por la devastadora muerte de su hijo único, Hamnet, a los 11 años. Esa herida familiar —y cómo deviene en la génesis de Hamlet— es el corazón emocional de la cinta: un viaje cinematográfico que duele, conmueve y, en su intimidad, hace eco.
La cámara de Zhao se posa con respeto y poesía sobre cada gesto y silencio, capturando paisajes interiores —y exteriores— que dialogan con la carencia y el consuelo. Buckley, en una interpretación que ya ha sido aclamada por la crítica, da vida a Agnes con una mezcla de fuerza y vulnerabilidad que no solo sostiene el filme, sino que lo eleva. Su actuación le valió una nominación al Oscar a Mejor Actriz, consolidándola como una de las presencias más impresionantes de la temporada.
Mescal construye un William Shakespeare mucho más humano que mítico, con matices de fragilidad que amplifican el dolor del personaje. Aunque quedó fuera de las nominaciones al Oscar 2026 (una de las sorpresas de la temporada que incluso ha generado reacciones entre críticas y fans), su trabajo sigue siendo una pieza clave del tejido emocional de la película.
Además de la nominación de Buckley, Hamnet fue reconocida en la 98ª edición de los Premios Oscar con un total de ocho candidaturas, entre ellas: ✨ Mejor Película ✨ Mejor Dirección para Chloé Zhao ✨ Mejor Guion Adaptado ✨ Diseño de Producción ✨ Vestuario ✨ Banda Sonora Original ✨ Casting y otras categorías técnicas que subrayan su excelencia global.
Es justamente Zhao quien reafirma con este proyecto su singular visión cinematográfica: sutil, poética y profundamente humana. Con su estilo contemplativo y su sensibilidad para retratar emociones complejas, Hamnet se instala como una de las películas más comentadas del año, capaz de cautivar tanto a cinéfilos exigentes como a públicos sensibles a historias que laten en el corazón mucho después de los créditos finales.
Estreno en cines 5 de febrero. Una experiencia para sentir con el cuerpo y pensar con el alma.
Hay intérpretes que actúan. Y hay otros —muy pocos— que se sientan en el borde del abismo emocional y te invitan a mirar con ellos. En Los días perfectos, Leo Sbaraglia pertenece sin discusión a esta segunda categoría. Su trabajo es de una desnudez conmovedora: un hombre que, a partir de la lectura de cartas íntimas de William Faulkner a su amante Meta Carpenter en un centro de documentación de Texas, comienza a revisar su propia vida matrimonial como quien abre una caja que guardó demasiado tiempo cerrada.
El texto — profundamente humano— explora los pliegues del amor después de 17 años de convivencia: lo que se desgasta, lo que se transforma, lo que sobrevive casi por inercia. Hay recuerdos que iluminan y otros que pesan. La rutina como anestesia, la nostalgia por aquel amor juvenil que parecía eterno, todo eso atraviesa a un personaje que no grita ni sobreactúa: piensa, duda, se quiebra hacia adentro. Y ahí Sbaraglia es magistral. Sostiene el monólogo con una verdad tan orgánica que cada pausa se vuelve significado.
La dirección De Daniel Veronese acompaña con una precisión quirúrgica ese estado de deriva emocional: nada distrae, nada sobra. Todo está puesto al servicio de la intimidad. La escena respira como un pensamiento. La iluminación de Ariel Ponce trabaja sobre climas suaves, casi melancólicos, que remarcan la sensación de memoria viva. Y la escenografía con video-proyección de Alberto Negrín crea un espacio mental más que físico: recuerdos que aparecen, capas de tiempo superpuestas, atmósferas que dialogan con el interior del personaje. El resultado es hipnótico, íntimo y delicado.
La obra no busca golpes de efecto ni sentimentalismos fáciles. Su potencia está en la honestidad con la que habla del desgaste amoroso y de esa pregunta inevitable: ¿qué queda cuando la idealización se evapora? Gracias a un actor en estado de gracia, la respuesta llega directa al pecho. Vayan porque la temporada es corta (ojala se extienda) y se agota muy rapido
Funciones 📍 Teatro Nacional Cervantes 📅 Del viernes 9 de enero al domingo 1 de febrero 🕘 Miércoles a domingo – 21 hs
Entradas
Platea y palcos: $35.000
Platea balcón: $30.000
Tertulia: $20.000 🎟 Descuentos para jubilados y estudiantes
La cantante de tango Vanesa Mardesena —recientemente participó en la edición de La Voz Argentina— hará un gran anuncio: el lanzamiento de su primer disco solista “Este Bandoneón” y su presentación en vivo tendrán lugar el domingo 30 de noviembre.
Bajo el título que da nombre al álbum, “Este Bandoneón”, Mardesena rinde homenaje al legado del maestro Raúl Garello, reconocido bandoneonista, compositor, arreglador y director de tango, considerado uno de los fundadores de la Orquesta Nacional de Buenos Aires. El corte difusión del álbum recupera arreglos del maestro Garello, adaptados por la voz de Vanesa, que conjuga un sonido con aires antiguos y una presencia moderna, logrando una fusión de tradición del tango con sensibilidad contemporánea. Según entrevistas, la intención es “expresar la verdadera esencia del tango en estado presente” y acercarlo también a nuevas generaciones.
El espectáculo será en el Club Casa Blanca (Balcarce 668, San Telmo), con apertura de sala a las 18:30 h y comienzo de la función a las 19:30 h.
Vanesa será presentada por María Garello, hija del maestro Raúl Garello —lo que añade simbolismo al homenaje—.
Acompañan en escena:
Carlos Corrales (dirección musical y bandoneón)
Matías López Gallese (piano)
Javier Kase (violín)
Yani Matías Vega (bajo)
Entradas: disponibles a través de Passline y vía WhatsApp al 11 3388-3402.
Mardesena combina formación en tango con experiencia en otros géneros, lo que le permite ofrecer una interpretación con raíces sólidas y contemporaneidad.
Que el disco sea un homenaje directo a Raúl Garello aporta un valor histórico-musical: recuperar arreglos, reinterpretarlos, reubicarlos en el presente del tango.
El escenario (San Telmo, el Club Casa Blanca) y la producción musical reflejan que no es solo un “show de lanzamiento”, sino una puesta que apunta a marcar el inicio formal de su carrera solista.
Para el público aficionado al tango o a la fusión de géneros, esta función representa una oportunidad de ver cómo se vinculan tradición y modernidad.
Cuándo: domingo 30 de noviembre.
Dónde: Balcarce 668, San Telmo, Ciudad de Buenos Aires.
Horario: apertura 18:30 h, función 19:30 h.
Entradas: Passline o WhatsApp 11 3388-3402.
Qué escuchar: el corte “Este Bandoneón” y el álbum completo disponible en plataformas digitales.
La noche más esperada del calendario cultural porteño vuelve a brillar: el sábado 8 de noviembre desde las 19 h hasta las 2 h de la madrugada, la ciudad se transforma para celebrar la 21.ª edición de La Noche de los Museos.
Más de 300 espacios culturales, museos y edificios emblemáticos abrirán sus puertas con entrada libre y gratuita. Habra transporte público sin costo para facilitar los recorridos: subtes, premetro y algunas líneas especiales.Hay actividades para todos los gustos: exhibiciones especiales, talleres, intervenciones artísticas, shows de DJ, proyecciones inmersivas, visitas teatralizadas… un verdadero carnaval cultural abierto a toda la familia.
La cita cultural arranca con toda la potencia en el Centro Cultural Recoleta (Junín 1930), a partir de las 19 h, con la inauguración de la instalación de la reconocida artista Marta Minujín, titulada La Torre de Pisa de Spaghettis. La obra se emplaza en la terraza del espacio cultural y permite, incluso, una acción participativa: los visitantes podrán llevarse paquetes de tallarines que conforman la estructura.
Además, este año se suman nuevos escenarios que amplían la oferta: entre ellos, un espacio histórico a metros de Plaza de Mayo, el edificio restaurado del antiguo diario La Prensa (Casa de la Cultura, Av. de Mayo 575), y la incorporación de más de 50 nuevos museos y centros culturales al circuito. Y me voy a tomar el atrevimiento de sugerirte algunos lugares, investiga y no vayas a los mas populares porque estaran atestados, fijate que tne
Zona: Recoleta – Palermo
Centro Cultural Recoleta: apertura con La Torre de Pisa de tallarines de Marta Minujín.
Museo de Bellas Artes: muestra especial Diálogos modernos, con obras argentinas del siglo XX.
Malba: proyecciones de cine experimental y visitas guiadas nocturnas.
Zona: Monserrat – San Telmo – Congreso
Casa Rosada – Museo del Bicentenario
Cabildo de Buenos Aires
Museo Histórico Nacional
Palacio Barolo: visitas guiadas cada hora con cupos limitados.
Zona: Parque Centenario – Caballito – Almagro
Museo Argentino de Ciencias Naturales: actividades para niños, fósiles y planetario portátil.
Museo de los Niños (Abasto): juegos y talleres de arte.
Espacio Cultural Julián Centeya: shows infantiles y narraciones.
Día: sábado 8 de noviembre de 2025
Hora: 19:00 a 02:00
Entrada: libre y gratuita en todos los espacios participantes.
Transporte: sin costo durante el evento en subte/premetro y determinadas líneas de colectivo.
Programación completa: disponible en el sitio oficial “FestivalesBA” y en la web del Gobierno de la Ciudad desde el 1° de noviembre.
La sala del Teatro Coliseo se vistió de gala para celebrar la 15ª edición de los Premios Hugo al Teatro Musical, una noche que coronó a lo mejor del género en la Argentina. Con la conducción de Ricky Pashkus y Pablo Gorlero, y transmisión por la TV Pública, la ceremonia reunió a las figuras más destacadas del ámbito musical en un encuentro cargado de emoción, homenajes y grandes momentos escénicos.
El máximo galardón, el Premio Hugo de Oro —que se entrega cada cinco años— fue para el maestro Carlos Gianni, socio artístico del recordado Hugo Midón. En tanto, el reconocimiento a Mejor Musical quedó en manos de Despertar de primavera, la producción que arrasó con varias estatuillas, incluyendo dirección, coreografía y actuación protagónica femenina.
Creado por Pashkus y Gorlero, este premio busca destacar el talento y la excelencia de las producciones musicales del país, y al mismo tiempo estimular la formación y el crecimiento de nuevas generaciones de artistas. Esta edición volvió a reafirmar que el teatro musical argentino vive un momento de expansión y consolidación, con obras que abarcan desde los grandes escenarios hasta el circuito off y las propuestas infantiles.
La ceremonia tuvo momentos de enorme impacto. La apertura contó con un número de gran despliegue, con 24 cantantes y bailarines interpretando una canción de Fernando Nazar, ganadora del concurso Marcelo Andino. Uno de los momentos más celebrados fue la presencia de Alice Ripley, protagonista de la producción original de Broadway Next to Normal, que emocionó al público interpretando “Sin las montañas”, parte de la versión inmersiva que actualmente realiza en Buenos Aires. El homenaje “In Memoriam” también conmovió, con una suite de obras de Ángel Mahler interpretada al piano por su hijo Damián.
Entre los ganadores más destacados se encuentran Fer Dente, premiado por la dirección de Despertar de primavera; Vanesa García Millán, por su coreografía en el mismo musical; Ian Shifres, por dirección musical y música original en Derecho de piso; Trini Montiel, reconocida por su actuación protagónica; Marco Antonio Caponi, premiado por La revista del Cervantes; y Elena Roger, distinguida por Mina, che cosa sei?!. También hubo espacio para el reconocimiento de las producciones infantiles, donde La Ratoncita Pérez se llevó el premio a Mejor Musical Infantil y «El Barbero de Sevilla «como mejor produccion.
La gala fue, además, una celebración del trabajo colectivo: escenógrafos, vestuaristas, diseñadores de luces y sonido, y nuevas voces del musical recibieron su merecido reconocimiento. Obras como Sandro, el gran show, Derecho de piso, Sapos secos y La revista del Cervantes figuraron entre las más premiadas.
El Teatro Coliseo fue testigo de una noche donde el talento, la pasión y la emoción fueron los verdaderos protagonistas, confirmando que el musical argentino atraviesa un presente vibrante y un futuro prometedor.
Aca la lista de ganadores
1 – MEJOR MUSICAL Despertar de primavera
2 – MEJOR MUSIC HALL, CAFÉ CONCERT Y/O VARIETÉ MUSICAL Sandro, el gran show
3 – MEJOR MUSICAL OFF Derecho de piso Sapos secos
4 – MEJOR DIRECCIÓN Fer Dente (Despertar de primavera)
5 – MEJOR COREOGRAFÍA Vanesa García Millán (Despertar de primavera)
6 – MEJOR DIRECCIÓN MUSICAL Ian Shifres (Derecho de piso)
7 – MEJOR LIBRO DE MUSICAL ARGENTINO Pedro Velázquez (Sapos secos)
8 – MEJORES LETRAS DE MUSICAL ARGENTINO Ian Shifres (Derecho de piso)
9 – MEJOR ADAPTACIÓN Y/O TRADUCCIÓN DE LIBRO Y LETRAS Marcelo Kotliar (Despertar de primavera)
10 – MEJOR MÚSICA ORIGINAL Ian Shifres (Derecho de piso)
11 – MEJORES ARREGLOS MUSICALES Fernando Albinarrate – Gerardo Delgado (La revista del Cervantes)
12 – MEJOR ACTUACIÓN PROTAGÓNICA MASCULINA Marco Antonio Caponi (La revista del Cervantes)
13 – MEJOR ACTUACIÓN PROTAGÓNICA FEMENINA Trini Montiel (Despertar de primavera)
14 – MEJOR ACTUACIÓN MASCULINA EN MUSIC HALL, CAFÉ CONCERT y/o VARIETÉ MUSICAL Nacho Pérez Cortez (Sandro, el gran show)
15 – MEJOR ACTUACIÓN FEMENINA EN MUSIC HALL, CAFÉ CONCERT y/o VARIETÉ MUSICAL Elena Roger (Mina, che cosa sei?!?)
16 – MEJOR ACTUACIÓN DE REPARTO MASCULINA Tomás Wicz (Despertar de primavera)
17 – MEJOR ACTUACIÓN DE REPARTO FEMENINA Evelyn Botto (La sirenita) Jessica Abouchain (La revista del Cervantes)
18 – MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA EN ENSAMBLE Gonzalo Gerber (Sandro, el gran show)
19 – MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA EN ENSAMBLE Ro Noziglia (Pretty Woman)
20 – MEJOR DIRECCIÓN VOCAL Eugenia Gil Rodríguez (Despertar de primavera)
21 – MEJOR PRODUCCIÓN INTEGRAL Ozono-MP-Los Rottemberg (La sirenita) Teatro Nacional Cervantes (La revista del Cervantes)
22 – REVELACIÓN MASCULINA Octavio Murillo (Despertar de primavera)
23 – REVELACIÓN FEMENINA Albana Fuentes (La sirenita)
24 – MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO ORIGINAL María Emilia Tambutti (La revista del Cervantes)
25 – MEJOR ESCENOGRAFÍA Y/O DISEÑO AUDIOVISUAL ORIGINAL Andrea Mercado (La revista del Cervantes)
26 – MEJOR CARACTERIZACIÓN Adam Efron (maquillaje de Saraos Uranistas)
27 – MEJOR DISEÑO DE LUCES ORIGINAL Leo Muñoz – Julio Panno (Sandro, el gran show)
28 – MEJOR DISEÑO DE SONIDO ORIGINAL Eugenio Mellano Lanfranco – Luciano Ricardi (Sandro, el gran show)
29 – MEJOR ESPECTÁCULO MUSICAL PARA UN SOLO INTÉRPRETE Coraza Cáscara Casa (Vanesa Butera)
30 – MEJOR DIRECCIÓN EN MUSICAL OFF Ana Schimelman – Ian Shifres (Derecho de piso)
31 – MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA EN MUSICAL OFF Nicolás Martín (Derecho de piso)
32 – MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA EN MUSICAL OFF Lucre Orlando (Sapos secos) Vero Gerez (Derecho de piso)
33 – MEJOR MUSICAL INFANTIL Y/O JUVENIL La Ratoncita Pérez
34 – MEJOR DIRECCIÓN EN MUSICAL INFANTIL Y/O JUVENIL Héctor Presa (La Ratoncita Pérez)
35 – MEJOR COREOGRAFÍA EN MUSICAL INFANTIL Y/O JUVENIL Ariel Pastocchi – Matías Prieto Peccia (Küyén Huapi)
36 – MEJOR LIBRO EN MUSICAL INFANTIL Y/O JUVENIL Claudio Hochman (El fado de Ulises)
37 – MEJORES LETRAS EN MUSICAL INFANTIL Y/O JUVENIL María Jaunarena (El barbero de Sevilla)
38 – MEJOR MÚSICA ORIGINAL DE MUSICAL INFANTIL Y/O JUVENIL Diego Lozano (La Ratoncita Pérez)
39 – MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA EN MUSICAL INFANTIL Y/O JUVENIL Carlota Blanc (El fado de Ulises)
40 – MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA EN MUSICAL INFANTIL Y/O JUVENIL Gabriel Carasso (El barbero de Sevilla)
41 – MEJOR PRODUCCIÓN EN MUSICAL INFANTIL Y/O JUVENIL Gustavo Passerino (El barbero de Sevilla)
42 – MEJOR DISEÑO DE ESCENOGRAFÍA EN MUSICAL INFANTIL Y/O JUVENIL Marcelo Valiente (Cuentopos de Gulubú)
43 – MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO EN MUSICAL INFANTIL Y/O JUVENIL Sandra Szwarcberg – Flavia Pereda (Cuentopos de Gulubú)
“Quien sea llega tarde”, de Eusebio Calonge, dirigida por Paco de La Zaranda y con producción de Sebastián Blutrach, es una de esas piezas que respiran teatro puro, de los que incomodan y a la vez hipnotizan. Con Lucía Adúriz y Nayla Pose sobre el escenario del Teatro Picadero, la obra propone un viaje por un territorio desolado y simbólico, donde dos mujeres enfrentan la rutina absurda de un trabajo sin sentido en medio de un mundo que parece apagarse. En ese paisaje de luces mortecinas, burocracia inútil y objetos que cobran vida, el texto se vuelve metáfora del ocaso de una época, del derrumbe de las certezas y del intento por sobrevivir a través de la imaginación.
La historia se centra en dos mujeres que trabajan en una oficina sin luz, sin teléfono y sin rumbo. Cumplen una tarea que ya no tiene sentido, en un mundo que parece detenido, desmoronándose poco a poco. Aferradas a esa rutina absurda, intentan sostener su existencia como pueden: a través de la palabra, de la imaginación, de los sueños que inventan para no desaparecer del todo.
Lucía Adúriz encarna una energía casi luminosa dentro del derrumbe. Su personaje se aferra a los restos de la esperanza con una mezcla de juego y resistencia, de ironía y ternura. Tiene algo magnético en su manera de sostener la palabra, de transitar la desesperanza sin perder ritmo ni humor. Nayla Pose, en cambio, representa el otro pulso: más introspectiva, más dolorosa, la voz que advierte que ya no hay salida, que la espera es infinita. Su presencia dota de profundidad a la escena; su mirada y su gesto contienen una lucidez que atraviesa el absurdo.
La combinación de ambas es uno de los mayores aciertos del espectáculo. Adúriz y Pose se mueven como espejos rotos que reflejan fragmentos de la misma vida. Entre el desencanto y la fantasía, logran sostener una tensión emocional que mantiene al público cautivo incluso cuando la trama se diluye en lo poético. La quimica entre ellas es maravillosa.
El dispositivo escénico es mínimo: una máquina de escribir, una lámpara, un escritorio y papeles….muchos….. Pero basta. En ese espacio precario se condensa un mundo entero, una civilización que se apaga. El humor leve, casi surreal, aligera el peso existencial del texto. La dirección de Paco de La Zaranda imprime ese tono entre el ritual y la pesadilla, tan reconocible en su estética, y que aquí encuentra en Buenos Aires una resonancia singular.
“Quien sea llega tarde” no es una obra fácil, ni pretende serlo. Invita a pensar, a mirar lo que queda cuando todo se apaga, a preguntarse si la imaginación todavía puede salvarnos. Y en ese territorio incierto, Lucía Adúriz y Nayla Pose se erigen como faros de una escena que vibra entre la oscuridad y la belleza. Un espectáculo diferente, íntimo y poderoso, que confirma que el teatro puede seguir siendo un acto de resistencia
Autor: Eusebio Calonge. Dirección: Paco de La Zaranda. Intérpretes: Lucía Adúriz y Nayla Pose. Vestuario: Ideas Enhebradas. Escenografía: Eduardo Graham. Iluminación: Adriana Antonutti y Juan Manuel Noir. Sala: Teatro Picadero (Pasaje Santos Discépolo 1857). Funciones: domingos, 18 h. Duración: 90 minutos.
Jeremy Allen White se mete bajo la piel de Bruce Springsteen en Springsteen: Música de ninguna parte, una película que evita el lugar común del biopic musical para explorar el costado más humano y silencioso del “Jefe”. Dirigida por Scott Cooper, la historia se centra en los años en que el artista compuso Nebraska (1982), un disco esencial y profundamente introspectivo que marcó un antes y un después en su carrera.
Lejos del brillo del rock y los estadios, la película se instala en el vacío, la soledad y la búsqueda de sentido que acompañaron al proceso creativo. White entrega una actuación notable, contenida y emocional, que no intenta imitar sino capturar la esencia del músico. Su transformación se siente verdadera, fruto de una preparación rigurosa que incluyó clases de canto y guitarra, largas charlas con el propio Springsteen y una inmersión total en su mundo interior. Le valdra una nominacion al Oscar? Yo le pongo una ficha a que SI.
El film no busca el espectáculo ni las luces y brillos, sino la intimidad. A través de una puesta sobria, luces apagadas y silencios prolongados, Cooper logra retratar la mente de un hombre atrapado entre la inspiración y el abismo. La relación con su padre, las sombras de la depresión y la necesidad de crear como forma de salvación se combinan para construir un retrato sensible y melancólico.
No es una película de ritmo veloz ni una sucesión de éxitos musicales. Algunos espectadores (los que esperan la biopic triunfal) pueden sentir que le falta impulso narrativo, pero esa pausa es deliberada: el vacío también forma parte del arte de Springsteen. La cámara observa sin juzgar, deja que la emoción se filtre en los gestos, en una mirada perdida o en el temblor de una cuerda.
Springsteen: Música de ninguna parte es un viaje hacia adentro, una meditación sobre la fragilidad del genio y el poder de la creación como refugio. Jeremy Allen White confirma aquí su talento para habitar personajes complejos, y lo hace con una entrega que conmueve. Es una película contenida, melancólica y sincera, ideal para quienes prefieren descubrir al artista detrás del mito.
Después de varios años de ausencia, Teatrísimo, el clásico ciclo teatral a beneficio de La Casa del Teatro, regresa con una nueva edición que promete cuatro lunes imperdibles. Del 20 de octubre al 10 de noviembre, el Teatro Regina será el escenario donde grandes figuras del espectáculo nacional se reúnan en funciones únicas, combinando arte y solidaridad.
Creado por Carlos Llorens y Luis Mazas, el ciclo nació con el propósito de recaudar fondos para La Casa del Teatro, institución emblemática que desde 1938 brinda hogar, contención y atención médica a artistas mayores que dedicaron su vida al escenario. Hoy, bajo la presidencia de Linda Peretz, esta casa continúa siendo un faro de apoyo y memoria para la comunidad artística.
La edición 2025 cuenta con la coordinación general de Ernesto Medela y una programación de lujo:
Lunes 20 de octubre – “Mentiras Muertas”, escrita y dirigida por Marcelo Caballero, con Georgina Barbarossa, Romina Richi, Julián Pucheta y Lala Rossi.
Lunes 27 de octubre – “La reina de la lluvia”, de y por Paula Marull, protagonizada por Jorgelina Aruzzi y con música en piano de Luisa Steverlynck.
Lunes 3 de noviembre – “Otoño”, de Peter Quilter, dirigida por Santiago Doria, con las actuaciones de Patricia Echegoyen, Emilia Mazer y Mateo Chiarino.
Lunes 10 de noviembre – “Una mujer invisible”, escrita y dirigida por Manuel González Gil, con Miguel Ángel Solá, Mercedes Funes, Sabrina Carballo, Sofía González Gil y Roberto Antier.
Las funciones serán a las 20:30 hs en el Teatro Regina (Av. Santa Fe 1235, CABA), con entradas disponibles a través de Entrada Uno, y todo lo recaudado será a total beneficio de La Casa del Teatro.
Además, se podrán realizar donaciones voluntarias a través del alias de Mercado Pago: CASADELTEATRODONA.
Más que un evento teatral, Teatrísimo es una celebración del compromiso y la pasión que mantienen viva la historia del teatro argentino. Una oportunidad para disfrutar del talento de grandes artistas y, al mismo tiempo, colaborar con una institución que los acompaña en cada etapa de sus vidas.
“LocaMente” es una comedia romántica italiana dirigida por Paolo Genovese que se anima a explorar el caos interior que todos llevamos dentro. La historia sigue a Piero (Edoardo Leo) y Lara (Pilar Fogliati) durante su primera cita, una velada que podría parecer normal… si no fuera porque dentro de sus mentes se libra una auténtica batalla entre distintas voces internas: la racional, la pasional, la insegura, la romántica. Cada una intenta tomar el control, interrumpiendo, saboteando o impulsando lo que sienten y dicen.
. Genovese convierte ese ruido mental en una comedia coral donde los pensamientos adquieren cuerpo, voz y protagonismo. La puesta en escena, con contrastes entre el mundo real y el interior, es ingeniosa y mantiene el ritmo, aunque por momentos la fórmula se vuelve algo repetitiva.
Las actuaciones de Leo y Fogliati logran sostener la historia
“LocaMente” es divertida, identificable y con una vuelta de tuerca psicológica que la distingue dentro de las comedias románticas. Ideal para quienes buscan reírse de sí mismos y, al mismo tiempo, reconocerse en esos pensamientos que a veces no nos dejan disfrutar el momento.
Marcela Godoy Espectáculos 