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VIUDA E HIJAS

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En Viuda e hijas, el humor y las verdades familiares se mezclan con encanto. La historia comienza con la lectura de un testamento que desata una serie de confesiones, enredos y emociones entre una viuda y sus dos hijas. Lo que parece una comedia ligera termina siendo un retrato agudo de los vínculos, las herencias afectivas y los secretos que cada familia esconde.

El elenco es un lujo: Nora Cárpena y María Valenzuela brillan con oficio y carisma, aportando humor y emoción en dosis justas. Sofía Gala Castiglione y María Fernanda Callejón completan el cuadro con frescura y naturalidad, generando una dinámica fluida y entretenida. La breve aparición de Gonzalo Urtizberea suma un toque de ironía perfecta.

La dirección de Héctor Díaz es precisa y sensible, maneja los ritmos con acierto y deja espacio para que cada personaje respire y se luzca . La escenografía de Lula Rojo y la iluminación de Matías Sendón construyen un ambiente cálido, elegante y lleno de pequeños detalles que acompañan el tono de la historia.

Viuda e hijas es una comedia con corazón, que hace reír, emociona y deja esa sensación amable de haber visto algo cercano, reconocible y muy bien hecho. Vayan a verla

Autor: Alfonso Paso Jr. 

Intérpretes: Nora Cárpena, María Valenzuela. Sofía Gala Castiglione, María Fernanda Callejón, Gonzalo Urtizberea.

 Vestuario: Romina Giangreco.

 Escenografía: Lula Rojo

 Iluminación: Matías Sendón.

 Dirección: Héctor Díaz. 

Sala: Multitabarís, Corrientes 831. Funciones: miércoles a viernes a las 19.30, sábados a las 20 y 22, domingos a las 20. Duración: 80 minutos

VENI AL TEATRO 2025

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Durante todo octubre, el teatro vuelve a ser protagonista con una nueva edición de VENÍ AL TEATRO, la campaña que invita al público a vivir la magia de los escenarios con descuentos de hasta el 90% en los espectáculos más destacados de Buenos Aires.

Organizada por AADET (Asociación Argentina de Empresarios/as Teatrales y Musicales) junto a productores y salas asociadas, la iniciativa busca acercar al público a las salas, fomentar la experiencia del teatro en vivo y celebrar la riqueza de la cartelera porteña, una de las más variadas y vibrantes de la región.


Todos los martes de octubre (7, 14, 21 y 28), de 13 a 19 h, el punto de encuentro será Tickets Bs As, ubicado en Diagonal Norte y Cerrito, frente al Obelisco. Allí se podrán conseguir bonos de $2.000 para acceder a entradas con descuentos que van del 60% al 90%, válidas para funciones de esa misma semana.

Cada persona podrá retirar hasta 4 bonos presentando su DNI, que luego podrán canjearse en la boletería del espectáculo elegido. En total, se pondrán a disposición más de 10.000 entradas a precios irresistibles, con más de 80 títulos en cartel.


Desde grandes producciones y musicales consagrados, hasta propuestas independientes, el público podrá disfrutar de más de 20 espectáculos por menos de $10.000. Una manera accesible y emocionante de redescubrir el talento de artistas, directores y compañías que hacen del teatro argentino un orgullo cultural.

Esta edición de VENÍ AL TEATRO reafirma el compromiso de todo el sector con el acceso a la cultura y la cercanía con el público. Una experiencia que no solo ofrece entretenimiento, sino también la posibilidad de compartir emociones, historias y el incomparable ritual del teatro en vivo.

Seguí la campaña en en venialteatro.org.

QUERIDISIMO TRUMAN

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“Queridísimo Truman” es un retrato íntimo, elegante y sensible de un personaje tan fascinante como controvertido. Gabriel Oliveri encarna —sin imitar, pero sí con profunda devoción— el espíritu de Truman Capote, ese escritor norteamericano que hizo del ingenio y la provocación su marca registrada.

La puesta, sobria y refinada, acierta al recrear el universo capotiano sin caer en excesos. Cada elemento del espacio escénico dialoga con la personalidad del autor de A sangre fría: hay sofisticación, ironía y una melancolía subyacente que envuelve la escena. El vestuario, de impecable diseño, contribuye a esa atmósfera de lujo y decadencia, con detalles que evocan tanto la elegancia de los años dorados de Nueva York como la excentricidad de su protagonista.

Gabriel Oliveri ofrece una interpretación cálida y cargada de matices. Su relato tiene, emoción y humor; se convierte en cronista y en testigo, en admirador y en espejo de Capote. Lo acompañan muy bien Sergio Grimblat y Cristóbal Barcesat, quienes aportan su talento vocal instrumental y actoral, y le ponen su impronta personal a cada personaje que interpretan. Juntos construyen un entramado escénico que fluye entre la biografía y la emoción, la música y la palabra.

La dirección musical y los arreglos se integran con sutileza, permitiendo que las canciones sean una prolongación del texto y no un mero acompañamiento. La iluminación y el diseño escenográfico completan una puesta visualmente atractiva, donde cada detalle refuerza el retrato de un artista que vivió entre el brillo y la soledad.

Una propuesta refinada, sensible y emotiva, ideal para quienes aman el teatro bien hecho y las historias que laten más allá del escenario.

Bella

  • El éxito del Teatro San Martín, llega a Paseo La Plaza, con 14 únicas funciones en la sala Pablo Neruda.
  • FUNCIONES:
  • Enero: Sábados 10 y 17 (20 h) | Domingos 11 y 18 (19.30 h) | Domingo 25 (21.15 h).
  • Febrero: Domingos 1, 8, 15 y 22 (21.15 h).
  • Marzo: Domingos 1, 8, 15, 22 y 29 (21.15 h).
  • TEATRO: Paseo La Plaza, Sala Pablo Neruda (Av. Corrientes 1660)

NEXT TO NORMAL

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“Next To Normal Immersive” llegó a Buenos Aires para desafiar los límites del teatro y lo hace con una fuerza arrolladora. En el CAI (Centro Audiovisual Inmersivo) en el barrio de Colegiales, el público ya no se sienta a mirar: vive la historia. La adaptación del clásico musical de Broadway —creada por Brian Yorkey y Tom Kitt y repensada por el argentino Pablo del Campo— propone una vivencia sensorial total, donde las emociones se amplifican entre proyecciones 360°, sonido envolvente y una cercanía física con los intérpretes que borra las fronteras entre ficción y realidad.

La obra mantiene el corazón de su relato: la familia Goodman y la lucha interna de Diana, una madre que batalla contra el dolor, los recuerdos y los tratamientos psiquiátricos que la alejan de sí misma. Pero aquí, el público literalmente se sumerge en su mente, en ese laberinto emocional que la tecnología y la dirección potencian hasta el extremo.

El elenco es, sin dudas, uno de los grandes atractivos. Volver a ver a Alice Ripley, ganadora del Tony por este mismo papel, y a J. Robert Spencer, nominado por su interpretación en Broadway, es un lujo absoluto. Ambos demuestran que el paso del tiempo no ha hecho más que afinar su talento: Ripley conmueve con una entrega visceral, y Spencer construye un contrapunto lleno de humanidad y vulnerabilidad.
A ellos se suma la participación virtual de Adam Pascal, el recordado protagonista de Rent, que desde una pantalla encarna al psiquiatra de Diana, un detalle que actualiza el discurso sobre la salud mental y le da un aire contemporáneo.

Pero lo que realmente emociona al público local es la participación de los tres jóvenes argentinos que completan el elenco: Ema Giménez Zapiola, Axel Munton y Valentín Zaninelli. Ema, en su primera experiencia profesional, deslumbra por su naturalidad y entrega; su voz y presencia escénica logran sostener el nivel de un elenco internacional. Munton y Zaninelli, por su parte, imprimen verdad y frescura a sus personajes, logrando una química perfecta con los protagonistas originales. La conexión que se genera entre todos es tan auténtica que parece que convivieran en escena desde hace años.

El resultado es una propuesta artística sólida, conmovedora y, sobre todo, innovadora. No se trata solo de ver teatro: se trata de sentirlo desde adentro, de vivirlo con todos los sentidos. Creo que es una excelente oportunidad para ver algo diferente, y para el fandom de este musical vayan si o si, he visto llantos varios y cantos varios tambien.

 Autores: Brian Yorkey y Tom Kitt.

 Idea y concepto: Pablo del Campo.

 Intérpretes: Alice Ripley, J. Robert Spencer, Ema Giménez Zapiola, Valentín Zaninelli, Axel Munton.

 Participación especial: Adam Pascal. 

Vestuario: La Polilla. 

Iluminación: Ariel Ponce.

 Sonido: Alejandro Zambrano, Gastón Briski. 

Visuales: Deslince.

 Dirección musical: Tomas Mayer Wolff.

 Dirección general: Simon Pittman. 

Dirección asociada: Mela Lenoir.

 Sala: Centro Audiovisual Inmersivo (CAI), Jorge Newbery 3039. Funciones: viernes y sábados a las 20 y 22; domingos a las 18 y 20. Duración: 60 minutos. 

LAS HIJAS

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Con un teatro colmado de amigos, artistas, familia y prensa se estreno “Las Hijas” una de esas obras que nos recuerdan por qué el teatro puede ser tan conmovedor, tan cercano y tan necesario. La dramaturga Ariadna Asturzzi construye un texto afilado y sensible que se sumerge en un tema universal: el momento en que los hijos deben enfrentarse a la fragilidad de sus padres. La historia reúne a tres hermanas muy diferentes en torno a la enfermedad de su madre, una jueza prestigiosa que supo dominar siempre cada espacio de su vida, pero que ahora comienza a perder esa fuerza. En el reencuentro, entre risas, reproches y recuerdos cruzados, ellas descubren que cada una conoció a una madre distinta, y que el mayor desafío es aceptar que esa mujer ya no es la misma.

El trío protagónico es impecable. Julieta Díaz deslumbra con su naturalidad y potencia interpretativa como la hermana del medio ; Soledad Villamil aporta una elegancia y un manejo vocal que elevan cada línea de texto de la obra (la hermana mayor); y Pilar Gamboa brilla con frescura, magnetismo y un ritmo que enciende la escena (la menor). Juntas logran un ensamble actoral de altísimo nivel, donde los momentos corales son tan intensos como los monólogos individuales que arrancan aplausos y emoción.

El debut de Adrián Suar como director es una grata sorpresa: su puesta es ágil, dinámica, sabe jugar con el vértigo de la comedia y detenerse en los silencios cuando la emoción lo pide. Maneja el timing con precisión y consigue que el público transite sin respiro por un abanico de sentimientos.

El texto de Asturzzi equilibra con gran oficio el drama y el humor. No hay golpes bajos, sí verdad y humanidad en cada escena, con la capacidad de hacer reír y emocionar casi al mismo tiempo. Un plus lo aporta la escenografía de Mariana Tirantte, que crea un espacio realista y lleno de detalles para cada uno de los momentos, ideal para que los personajes se muevan y para que la acción respire con naturalidad.

Con producción de Adrián Suar y Preludio, “Las Hijas” es una propuesta sólida, emotiva y entretenida. Cumple su objetivo (tal vez le saco unos minutitos pero no hace mella)Es de esas obras que hacen reflexionar sobre el vínculo con los afectos, la memoria y la familia, pero sin perder la chispa de la comedia. Una experiencia teatral que no se olvida fácilmente.

Autora: Ariadna Asturzzi. 

Dirección: Adrián Suar. 

Intérpretes: Julieta Díaz, Soledad Villamil y Pilar Gamboa. 

Escenografía: Mariana Tirante.

 Vestuario: Sofía Di Nunzio.

 Iluminación: Matías Sendón.

 Sala: Maipo (Esmeralda 443). Funciones: jueves, a las 20; viernes, 20.30; sábados, a las 20 y 22 y domingos, 19.30 hs. Duración: 80 minutos.

AL FIN Y AL CABO ES MI VIDA

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“Al fin y al cabo es mi vida” es de esas obras que conmueven profundamente y que, al mismo tiempo, abren un debate necesario. Escrita por Brian Clark y dirigida con gran sensibilidad por Mariano Dossena, llega por primera vez a la Argentina para interpelar a cada espectador con una pregunta incómoda: ¿quién tiene realmente el derecho a decidir sobre la vida?

La historia gira en torno a Clara, una escultora interpretada magistralmente por Silvia Kutika, que tras un accidente automovilístico queda cuadripléjica. Kutika permanece inmóvil durante toda la función, y logra transmitir con la voz y mínimos movimientos de cabeza una verdad desgarradora, sosteniendo un desafío actoral INMENSO con enorme potencia y delicadeza. Su pedido de acceder a la eutanasia desata un conflicto ético, legal y humano en el que todos los personajes se ven involucrados.

El elenco acompaña con un nivel altísimo: Mirta Wons construye una abogada firme y empática, Fabio Aste encarna a un médico atravesado por dilemas éticos, Fernando Cuéllar aporta un costado sensible y cercano en su rol de segundo médico, mientras que Tania Marioni conmueve con la intensidad de la monja enfermera. Cada interpretación aporta un matiz, un color, que enriquece la trama y complejiza el debate.

La puesta de Dossena refuerza esa tensión constante entre la vida, la libertad y la dignidad, logrando un tono casi documental que coloca al espectador frente a sus propias convicciones.

No se trata solo de una experiencia teatral conmovedora, sino también de un disparador para la reflexión sobre un tema difícil y universal.Una propuesta intensa, valiente y profundamente humana que ningún amante del buen teatro debería dejar pasar. RECOMENDADA

Autor: Brian Clark. 

Intérpretes: Silvia Kutika, Fabio Aste, Mirta Wons, Fernando Cuéllar, Tania Marioni, Jorge Almada, Luis Porzio, Morena Pereyra. 

Vestuario: Fernando Cuéllar.

 Iluminación: Sebastián Serrán. 

Dirección: Mariano Dossena.

 Sala: Metropolitan, Corrientes 1343. Funciones: miércoles a las 19, 45. Duración: 90 minutos

EL SECRETO

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Gerardo Romano y Ana María Picchio, dos nombres imprescindibles de nuestra escena, se reencuentran en El Secreto, la comedia del dramaturgo francés Eric Assous que llega por primera vez a Buenos Aires bajo la dirección de Manuel González Gil. La dupla es el corazón de la obra: su química, experiencia y timing actoral sostienen con solidez una trama que combina humor, ironía y giros inesperados.

La historia parte de la vida aparentemente tranquila de un matrimonio que, tras jubilarse, habita un elegante departamento porteño. Entre pequeñas rutinas y discusiones cotidianas, emerge un secreto que sacude sus cimientos y abre paso a la risa y a la reflexión. Allí aparecen Rodrigo Noya y Gabriela Sari, quienes completan con frescura y naturalidad un elenco bien equilibrado, aportando dinamismo y generando contrapuntos necesarios frente a la pareja protagónica.

La puesta en escena es otro de los aciertos: una escenografía cálida y elegante que recrea con detalle ese hogar en el que lo íntimo se expone y lo privado se desmorona, volviendo al público testigo directo de confesiones que todos podrían guardar.

Con una producción de Tomás Rottemberg, Juan Manuel Caballé y Faroni Producciones, El Secreto es una comedia entretenida y bien construida, donde Romano y Picchio brillan con maestría, y Noya y Sari acompañan con gracia. Un espectáculo que, entre risas y sorpresas, invita a preguntarse: ¿cuánto de nuestras vidas depende de lo que callamos?

📍 Dónde: Teatro Multitabarís Comafi (Av. Corrientes 831, CABA)
🗓️ Funciones: de miércoles a domingos
🕒 Horarios: miércoles a viernes 20:30 hs, sábados 20:30 y 22:30 hs, domingos 20 hs

LA FUNCION QUE SALE MAL

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En el Multiteatro —de miércoles a domingo—, LA FUNCION QUE SALE MAL se presenta como una máquina implacable de risas. Lo que a simple vista parece un drama policial se transforma en un desfile brillante de tropiezos y caos meticulosamente coreografiado, bajo la dirección de Manuel González Gil

La obra lleva a escena un malicioso “todo sale mal”, desde cuadros que se desploman, utilería rebelde, cuerpos que arman su propia coreografía y actores que olvidan líneas o entran fuera de tiempo. Pero detrás de cada desastre hay una enorme inteligencia escénica: accidentes que parecen espontáneos resultan calculados y provocan carcajadas sostenidas.

No hay quien se destaque sobre los demás porque TODOS sobresalen. Diego Reinhold retoma con gracia su personaje de versiones anteriores, desbordando carisma y timing físico, haciendo de cada caída una delicia cómica. Héctor Díaz aporta una solemnidad absurda en contraste con el colapso escénico, amplificando el humor (me acuerdo y me rio).

Fredy Villarreal demuestra su veteranía con ritmo preciso, remates visuales perfectos y un control del timing digno de relojería cómica. Dan Breitman, por su parte, es pura expresión física: salta, cae, se recupera y comparte esa energía con el público con una chispa única

Victoria Almeida, Maida Andreanacci, Gonzalo Suárez y Federico Ottone ofrecen una hilarante batalla contra decorados reacios, líneas traicioneras y objetos que conspiran contra ellos. Ottone, encarnando al asistente resignado, roba escena con su humanidad accidentalmente cómica

Manuel González Gil (Quien sino!) orquesta el desorden con una estética que coquetea con el music hall, la farsa y el vodevil. No hay improvisación: cada caída y despropósito es un gag milimétrico. Su dirección convierte el colapso en partitura visual y el desastre en comedia refinada

La escenografía, iluminación, efectos especiales, vestuario y música no solo acompañan; son protagonistas del desmadre escénico. Lula Rojo, Matías Sendón, Guillermo Toledo, Romina Giangreco y Martín Bianchedi —entre otros— firman un diseño que colapsa con intención poética.

El humor blanco, visual, absurdo y familiar tiene aquí su máxima expresión: no recurre a lo vulgar, sino al absurdo coreografiado. Recuerda a los clásicos del slapstick británico sin perder su chispa argentina, conectando con públicos de todas las edades.

Es necesario que les diga que vayan a verla? bueno …VAYAN!

Autores: Henry Lewis, Jonathan Sayer, Henry Shields. Intérpretes: Diego Reinhold, Héctor Díaz, Freddy Villarreal, Dan Breitman, Victoria Almeida, Gonzalo Suárez, Maida Andrenacci, Federico Ottone. Vestuario: Romina Giangreco. Escenografía: Lula Rojo. Iluminación: Matías Sendón. Dirección: Manuel González Gil. Sala: Multiteatro: Corrientes 1283.Funciones: miércoles a viernes, 20.30; sábados, 20 y 22; domingos, 20. Duración: 90 minutos

TEATRO NEGRO DE PRAGA 2025

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El próximo sábado 1º de noviembre, el Teatro Ópera abrirá sus puertas para recibir a una de las compañías más emblemáticas del mundo: el Teatro Negro de Praga, una propuesta escénica única que combina luz negra, trajes fluorescentes y un asombroso juego visual que conquista generaciones enteras.

Este estilo teatral, creado por Jiří Srnec en 1961, se distingue por su carácter no verbal: cortinas negras, un escenario oscuro y efectos de iluminación que transforman cada movimiento en un acto de magia. Los espectadores son testigos de un universo en el que objetos flotan en el aire, actores desafían la gravedad con acrobacias y las sombras cobran vida.

Considerado uno de los espectáculos más aclamados de la historia teatral, el Teatro Negro de Praga ha recorrido 68 países, participado en 87 festivales internacionales y cautivado a más de 5 millones de espectadores. Con premios y distinciones que avalan su excelencia, la compañía es hoy sinónimo de innovación, arte y sorpresa.

Además de su función en Buenos Aires, la gira argentina —que comenzó el 28 de septiembre— llevará este espectáculo por Canning, San Nicolás, Paraná, Santa Fe, Rosario, Trenque Lauquen, Santa Rosa, General Pico, Neuquén, Cipolletti, General Roca, Viedma, Trelew, Puerto Madryn, Bahía Blanca, Tres Arroyos, Necochea, Quilmes, La Plata, Morón y Pilar, hasta el 7 de noviembre.

Una experiencia inolvidable para toda la familia, donde el teatro, la magia y la poesía visual se encuentran en un mismo escenario.

👉 Teatro Negro de Praga en Argentina
📍 Sábado 1º de noviembre – Teatro Ópera

DESPERTAR DE PRIMAVERA

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En una temporada breve pero intensa, Despertar de Primavera desembarcó en el Teatro Ópera con una potencia escénica que deja huella. Bajo la dirección de Fer Dente, quien alguna vez protagonizó esta obra y hoy la revive con una mirada más madura y comprometida, el musical brilla por su puesta audaz, la solidez artística del elenco joven y una propuesta visual que dialoga con la crudeza del relato.

La escenografía de Gonzalo Córdoba Estévez, inspirada en el brutalismo, no es solo un marco, sino una presencia que refuerza el dolor, el encierro y los silencios de la adolescencia. Cada estructura, cada línea, acompaña el desgarrador tránsito hacia la adultez. La iluminación de Lucas Gabriel Gringas acompaña con precisión quirúrgica: subraya lo íntimo, sacude lo dramático y abraza lo poético.

El elenco juvenil es una pieza fundamental: Octavio Murillo (Melchior), Trini Montiel (Wendla) y Tomás Wicz (Moritz) encabezan un grupo de intérpretes vibrantes que no solo cantan y actúan con destreza, sino que transmiten verdad. Se suman con igual entrega Paz Gutierrez (tremenda), Joaquín Scotta, Valentina Pergolini, Mariel Percossi, Felipe Paissanidis, Lare, Marto Rodríguez y Sol Tobías Córdoba, componiendo un mosaico de voces que pide ser escuchado.

La dirección vocal de Eugenia Gil Rodríguez y las coreografías de Vanesa García Millan completan una experiencia escénica que conmueve. Vanesa Butera e Iñaki Agustín Baldassarreaportan presencia y contención desde los roles adultos.

Esta versión de Despertar de Primavera es también un manifiesto. Con más de 5000 jóvenes que se presentaron a la audición inicial, la obra refleja una generación que quiere hablar de salud mental, deseo, género, violencia y silencios heredados. Y lo hace con sensibilidad, potencia y coraje.

Fer Dente, en una nota personal al público, define esta puesta como una herida aún viva. Y ese es quizás su mayor logro: transformar el escenario en un espacio donde lo personal se vuelve colectivo. Donde lo que se calla, arde.

Únicas 10 funciones. Imperdible.

Teatro Opera