LA SIRENITA

Imponente, impresionante y por momentos profundamente emocionante.,, Así podría resumirte lo que senti con La Sirenita, el musical que desembarca en la cartelera porteña desde el escenario del Teatro Gran Rex. La clásica historia de amor entre Ariel y el príncipe Eric revive con una producción visualmente deslumbrante, un elenco sólido y momentos de auténtica magia escénica que provocan ovaciones espontáneas desde la platea. Esta nueva versión, dirigida con sensibilidad por Ariel Del Mastro, convierte al Gran Rex en un océano encantado, donde todo —desde las proyecciones hasta los vuelos escénicos— confluye en un espectáculo que se disfruta con los cinco sentidos.

La verdadera revelación del show es Albana Fuentes, quien debuta como Ariel en un papel que, sin exagerar, le abre las puertas a una carrera artística prometedora. Dueña de una voz clara y afinada, Albana no solo canta con solvencia y emoción, sino que transmite frescura, ternura y carisma desde el primer segundo en que sobrevuela la sala hasta su último número. Su interpretación es tan entrañable como física: se mueve con la gracia de una nadadora aérea y logra una conexión instantánea con el público, que la ovaciona de pie. Nace una estrella? Definitivamente SI

A su lado, Pablo Turturiello compone un príncipe Eric lejos del estereotipo, con una interpretación fresca y sincera. Su química con Albana es natural y efectiva, y su voz se suma con fuerza a los momentos más emotivos del espectáculo.

Entre los secundarios brillan también José María Listorti como Sebastián, un cangrejo simpático y divertido que se roba carcajadas y aplausos con cada aparición. Su carisma natural y su desempeño vocal —con acento caribeño incluido— hacen de su personaje uno de los más celebrados. Evelyn Botto, como la malvada Ursula, aporta la cuota justa de malicia y humor, y Osvaldo Laport cumple con soltura el rol del Rey Tritón, oscilando entre la severidad y la emoción paternal.

La puesta en escena es un despliegue técnico notable: proyecciones inmersivas, arneses que permiten vuelos escénicos sorprendentes y un vestuario deslumbrante, en especial el de Ariel, con lentejuelas que capturan la luz como si fueran verdaderas escamas. Los efectos visuales del mar, el barco naufragando y los desplazamientos aéreos de los personajes transportan al público a un universo submarino tan verosímil como onírico. (Ah! ojo con las burbujitas que se me metio una en el ojo y me ardio un monton jajaja)=

El ensamble brilla con coreografías dinámicas y números musicales que, aunque presentan algunas letras distintas a las versiones originales de Disney, conservan su esencia y potencia melódica. Todos los hits están allí, y hacen vibrar tanto a grandes como a chicos. La dirección musical respeta el legado de Alan Menken y le inyecta nueva vida con arreglos adaptados a esta puesta.

Realmente este musical es una belleza , no deja nada librado al azar! Todos sin distincion estan a la altura de hacer esta puesta en Broadway. Aplaudo el talento que tenemos en nuestro pais, te la recomiendo sin dudarlo!

Es de esos musicales que quedan en la memoria por su capacidad de emocionar, divertir y, sobre todo, de hacer soñar.

Libro: Doug Wright. Música: Alan Menken. Letras: Howard Ashman y Glenn Slater. Dirección general: Ariel Del Mastro. Codirección: Marcelo Caballero. Escenografía: Jorge Ferrari. Coreografía: Analía González. Con: Albana Fuentes, Evelyn Botto, Pablo Turturiello, José María Listorti, Osvaldo Laport, Valentín Zaninelli. Sala: Gran Rex. Funciones: miér. a vier. a las 20; sáb. y dom. a las 15 y 17.30. Entradas: de $20.000 a $60.000.

CUESTION DE GENERO

En la cartelera porteña, Cuestión de género se impone como una comedia aguda, actual y tan entretenida como incómoda. Escrita por la francesa Jade-Rose Parker y dirigida con precisión por Nelson Valente, la obra encuentra su gran atractivo en un elenco de lujo encabezado por Moria Casán y Jorge Marrale, dos figuras icónicas que por primera vez comparten escenario, y cuyo duelo actoral resulta uno de los mayores placeres de la propuesta.

La acción transcurre en un elegante departamento que, como toda buena escenografía realista, funciona tanto como contenedor de la trama como metáfora de lo que se esconde bajo la superficie. El diseño escenográfico no sólo da cuenta del buen pasar de la pareja protagonista, sino que también sirve de contraste con las tensiones soterradas que estallan sin aviso.

Casán compone a Jade, una diseñadora sofisticada y de fuerte presencia, que tras un resultado médico le revela a su esposo Francisco (Marrale) un secreto que remueve los cimientos de su matrimonio. La actriz, en un rol que le permite desplegar tanto su histrionismo como una veta emocional más contenida, logra un equilibrio admirable entre el humor y el dolor, entre la ironía filosa y la vulnerabilidad. Sin duda, Moria es una distinta, hipnotica, aparece y el publico aplaude sin parar.

Jorge Marrale, por su parte, brilla con su interpretación de un político progresista de discurso cómodo y moral flexible. Su Francisco es tan reconocible como perturbador: un hombre que se jacta de sus convicciones mientras no sabe qué hacer con la verdad de su esposa. Marrale aporta matices y una dosis de humanidad que evita que el personaje caiga en la caricatura.

El elenco se completa con solvencia: Paula Kohan como la hija que también trae sus propias sorpresas y Ariel Pérez De María en el rol de su pareja, cada uno sumando capas a esta comedia que no teme abrazar el caos familiar.

La dirección de Valente se destaca por el ritmo sostenido, que no da respiro, y por saber capitalizar el timing cómico del elenco sin descuidar la carga emocional del conflicto. La obra se sostiene en diálogos veloces, situaciones inesperadas y un humor que invita a la reflexión, abordando temas como la identidad, el prejuicio, el amor y la hipocresía social con inteligencia y sensibilidad.

Cuestión de género es una especie de espejo incómodo sobre nuestras propias contradicciones: cuánto decimos aceptar al otro y cuánto estamos dispuestos a ceder cuando esa diferencia golpea la puerta de casa.

Una obra valiente, actual y necesaria con un elenco que brilla! Moria y Jorge una pareja que LA ROMPE!!!

Elenco: Moria Casán, Jorge Marrale, Paula Kohan y Ariel Pérez de María. 

Dirección: Nelson Valente.

Duración: 80 minutos. 

Sala: Teatro Metropolitan.

Funciones: de miércoles a domingos

CORAZA CASCARA CASA

En CORAZA. CÁSCARA. CASA, Vanesa Butera despliega su sensibilidad artística en un espectáculo que vibra entre lo íntimo y lo universal. Con textos y canciones originales, esta obra teatral-musical se presenta como un acto de depuración emocional, donde una mudanza se convierte en el punto de partida para una transformación más profunda: la de quien se anima a revisar no solo lo que guarda en sus estantes, sino también en sus entrañas.

La obra, esta dirigida por Sebastián Suñé y propone un universo en el que lo doméstico adquiere una dimensión poética. La escenografía sugiere una casa en proceso de desarme, pero también de reconstrucción, y sobre ella se proyecta la figura de Butera, potente y dúctil, que se entrega por completo al relato. Su voz —clara, emocionalmente cargada, afinada con una expresividad que conmueve— es el corazón palpitante del espectáculo. Cada canción es un recorte de vida, un fragmento de memoria o un grito de presente, interpretado con una autenticidad que la vuelve magnética.

El aporte de los músicos en vivo es un plus no menor : Javier López del Carril, Carlos Britez, Lisandro Etala y Matías Cadoni crean un entramado sonoro cálido, sensible, que acompaña y realza cada pasaje sin imponerse. Lejos de ser meros acompañantes, forman parte del alma de la obra, sosteniendo con precisión y belleza los cambios de tono entre el humor, la nostalgia y el desgarro.

La propuesta fluye con inteligencia y ritmo, combinando momentos de risa espontánea con otros de contemplación más introspectiva. CORAZA. CÁSCARA. CASA no da respuestas cerradas, pero sí te invita a preguntarte cuánto de lo que arrastras es todavía necesario, y cuánto de eso es simplemente un refugio del pasado.

Una obra honesta, cercana, hecha con la materia prima de las emociones verdaderas. Vanesa Butera se confirma como una artista integral, capaz de conmover desde el canto, la palabra y la mirada, sos HERMOSA con mayusculas

Imperdible.

Libro:Vane Butera

Actúan:Vane Butera

Músicos:Carlos BritezMatias CadoniLisandro Etala

Escenografía:Gonzalo Cordoba Estevez

Diseño de luces:Samir Carrillo

Video:Sami Sosa

Música:Vane Butera

Fotografía:Irish Suarez

Diseño gráfico:Karina Hernandez

Prensa:Varasotero

Arreglos musicales:Javier Lopez Del Carril

Producción ejecutiva:Juan Gabriel Yacar

Dirección musical:Javier Lopez Del Carril

Dirección:Sebastián Suñé

Sabados 20.30 EL METODO KAIROS El Salvador 4530

EXTRAÑA PAREJA

La legendaria comedia de Neil Simon EXTRAÑA PAREJA vuelve a brillar sobre las tablas porteñas en el Multiteatro, de la mano de una dupla que derrocha oficio, carisma y sobre todo una química que resulta magnética: Diego Pérez y el Bicho Gómez. Dirigidos por Carlos Olivieri, los actores reinventan a los icónicos Félix Ungar y Oscar Madison, dos amigos divorciados obligados a convivir a pesar de ser diametralmente opuestos.

Pérez compone a un Félix entrañable y obsesivo, tan meticuloso como vulnerable, logrando matices que van del drama contenido a un humor , que nunca cae en la caricatura. El Bicho Gómez, en contrapartida, se luce con su Oscar despreocupado y caótico, apelando a su talento para el humor físico y su soltura natural sobre el escenario. Su interacción fluye con una naturalidad envidiable, arrancando carcajadas genuinas en cada escena compartida.

El elenco secundario aporta solidez y color: Gonzalo Urtizberea, Gaby Almirón y Jorge Noya completan con solvencia el entorno masculino, mientras Betty Villar y Mercedes Cordero aportan picardía como las encantadoras vecinas británicas. Cada personaje encuentra su lugar en una puesta que respeta el espíritu original del texto pero no teme aggiornarlo con guiños locales y un pulso moderno.

Extraña pareja es una radiografía sutil de la amistad, la soledad y la convivencia. Es un lindo espectáculo ideal para reír, disfrutar y salir del teatro con el corazón liviano.

Extraña pareja. Autor: Neil Simon. Actúan: Diego Pérez, Bicho Gómez, Gonzalo Urtizberea, Gaby Almirón, Jorge Noya, Betty Villar y Mercedes Cordero. Vestuario: Betiana Temkin. Escenografía: Lula Rojo. Iluminación: Marcelo Seghi. Dirección: Carlos Olivieri. Sala: Multiteatro (Corrientes 1283). Funciones: miércoles a viernes a las 20, sábados a las 19.30 y 21.30; domingos a las 19.30. Duración: 90 minutos.

ALEJANDRA

Tras seis funciones con localidades agotadas en el Teatro Nacional Sancor Seguros, Alejandra, una Perforación a Cielo Abierto se confirma como una de las propuestas más potentes e inclasificables de la cartelera porteña. Martín Rechimuzzi, nos invita a un viaje a través de la mente, la memoria y el estigma de la locura, con una obra que vibra entre la carcajada y la angustia más cruda.

Instalada en un contexto tan reconocible como inquietante —un cumpleaños de 15 en el conurbano bonaerense—, la historia se despliega en tres actos que funcionan como estaciones de una biografía que no es solo personal, sino también colectiva. Rechimuzzi se mete en la piel de múltiples personajes que, entre monólogos intensos, absurdos hilarantes y momentos de ternura brutal, van construyendo el retrato de Alejandra, una mujer atravesada por el encierro, la medicalización y el abandono, pero también por el deseo de celebrar y resistir.

El recurso del humor como puente entre el dolor y la crítica social es una de las claves de la propuesta. Como si se tratara de un antiguo coro griego, el Dúo Acuarela aporta intervenciones musicales que dan respiro.

Alejandra no busca respuestas simples.Y despliega preguntas urgentes: ¿qué es la cordura?, ¿quién decide qué vidas merecen ser escuchadas?, ¿cómo se construye lo «normal»? En un mundo post-pandémico donde la salud mental se volvió tema central, Rechimuzzi propone una mirada empática y descarnada, donde la crueldad del sistema se hace evidente, pero sin renunciar al goce y la celebración.

La sala tiene (como diria Sandro) un mundo de sensaciones. El público, testigo y partícipe, sale distinto: conmovido, pensativo, tocado.

Con funciones confirmadas para el 16 y 23 de mayo a las 23:30 en El Nacional, Alejandra se impone como una experiencia escénica necesaria. No solo es teatro: es un acto de amor, una denuncia y una celebración …todo eso JUNTO.

LA CENA DE LOS TONTOS

La clásica comedia francesa de Francis Veber estalla en la temporada de Mar del Plata bajo la dirección de Marcos Carnevale y con una producción de lujo. La historia, que ya había conquistado al público argentino en el 2000 y 2009, sigue vigente por su mirada ácida y divertida sobre la hipocresía social.

La trama gira en torno a un grupo de amigos que organiza cenas semanales donde cada uno debe invitar a un «tonto» para reírse a sus expensas. Sin embargo, la velada de Barrantes da un giro inesperado cuando su invitado, lejos de ser simplemente ridículo, termina exponiendo las verdaderas torpezas de quienes creían tener todo bajo control.

En esta nueva puesta, Martín Bossi, Gustavo Bermudez y Laurita Fernández lideran el elenco con interpretaciones dinámicas y precisas. Bossi se luce componiendo a Francisco Pignon, el entrañable «tonto» cuyo encanto y torpeza desatan una serie de enredos hilarantes que terminan poniendo en jaque a todos los personajes (bien coacheado por su protagonista anterior Guillermo Francella, Bossi rompe con su papel «comodo» de otras interpretaciones). Gustavo Bermudez aporta toda su galanteria (doy fe que cuando aparece hay gritos y piropos varios) su particular humor y energía como Pablo Barrantes, mientras que Laurita Fernández suma frescura y carisma en su doble rol, bien logrados.

La dirección de Carnevale apuesta por un ritmo ágil y aprovecha una escenografía muy cuidada, funcional y estética diseñada por Lucila Rojo que ambienta perfectamente la vida acomodada de los personajes. La obra es muy efectiva en su propuesta de humor y reflexión,tal vez, por momentos, se siente un poco extensa


Una comedia inteligente, fresca y divertida que logra entretener mientras invita a pensar quién es realmente el «tonto» en una sociedad que se ríe de los demás.

Se quedan hasta el 1 de marzo y se mantienen numero uno en recaudacion, un exitao

La cena de los tontos. Autor: Francis Veber. Intérpretes: Gustavo Bermudez, Martín Bossi, Laurita Fernández, Esteban Prol, Guillermo Arengo. Vestuario: Mónica Sirio. Escenografía: Lucila Rojo. Iluminación: Leonardo Muñoz. Dirección: Marcos Carnevale. Sala: Neptuno Santa fe 1751 Mar del Plata Duración: 90 minutos

SANSON DE LAS ISLAS

En la Sala Casacuberta del Teatro San Martín, Sansón de las islas irrumpe con una fuerza escénica y una historia que sacude el alma. Escrita por Gonzalo Demaría y dirigida por Emiliano Dionisi, se sumerge en el ocaso de un ídolo popular y lo entrelaza con la tragedia de una nación en guerra, desplegando un relato tan conmovedor como implacable.

Luciano Castro encarna a Sansón con un compromiso físico y emocional que le sienta como anillo al dedo. Su personaje es un luchador de catch que se ve obligado a volver al ring en medio de la Guerra de Malvinas,atravesando un camino de desgaste y resistencia, ofreciendo una interpretación que transcurre entre la fuerza bruta y la vulnerabilidad. Manuel Vicente, por su parte, aporta solidez con una actuación que equilibra ironía,hipocresia y dramatismo, mientras que Vanesa Maja) la mujer de Sanson) y Gonzalo Gravano(el contrincante) enriquecen el relato con personajes que desafían y acompañan al protagonista en su caída.

La iluminación de Lucía Feijoó resalta los contrastes entre la gloria y la decadencia, el vestuario de Jorge López refuerza la estética de una época marcada por la exaltación y la desesperanza; y la música original de Manuel de Olaso, sumada a las interpretaciones de Constanza Díaz Falú y Fernando Ursino, refuerza la intensidad dramática de la obra,donde por momentos te pone la piel de gallina, dotándola de un aire casi ritual.

Más allá del espectáculo de lucha, expone con crudeza la utilización de las figuras populares como instrumentos de propaganda y sacrificio.Es una obra que interpela, conmueve y deja una huella imborrable en el espectador.

Con 75 minutos de intensidad teatral, Sansón de las islas nos recuerda que, en el teatro y en la vida, la lucha nunca es solo física: es también un combate con nuestra esencia

UN VIAJE EN EL TIEMPO

Pedro Alfonso y Paula Chaves regresan a la Calle Corrientes con Un Viaje en el Tiempo, una comedia que mezcla romance, nostalgia y mucho humor. Luego de su exitosa temporada en Villa Carlos Paz, donde la obra fue galardonada con los premios Carlos a Mejor Comedia, Mejor Libro y el prestigioso Carlos de Plata, la pareja más querida del teatro argentino vuelve a conquistar al público porteño en el Teatro Astral.

Bajo la dirección de Diego Ramos, Un Viaje en el Tiempo te va a transportar a la década del 80 mediante un ingenioso recurso de viajes temporales. La historia, escrita por Pedro Alfonso junto a Mechi Bove, combina enredos, gags y momentos emotivos que logran captar la atención de toda la familia.

El elenco, siempre un punto fuerte en las producciones de Alfonso, cuenta con la incorporación de actores como Viviana Saccone, Sebastián Almada y Noelia Marzol. Además, el humor inconfundible de Pachu Peña, compañero infaltable de Pedro Alfonso, garantiza carcajadas aseguradas y un ritmo de comedia que mantiene el espectáculo en alto.

Uno de los grandes aciertos de la obra es su capacidad de mezclar referencias culturales de los 80 con situaciones actuales, permitiendo que tanto jóvenes como adultos disfruten y se sientan identificados. La puesta en escena es dinámica, con un diseño de vestuario y escenografía que refuerzan la ambientación de la época.

No esperen tener una obra para despues ir a intercambiar opiniones o quedar pensando en el mensaje. es 100% pasatista, con recursos que equilbran humor popular, romance y un toque de nostagia.

La química entre Alfonso y Chaves sigue intacta, el publico LOS AMA, lo que suma un valor agregado a esta obra , si tenes ganas anda a verla. Despues me contas.

Funciones de Viernes a domingos en Teatro Astral Av. Corrientes 1639, 

MI VIDA ANTERIOR

Me la debia y fui….y me arrepiento de no haber ido antes para poder recomendartela con muchas pero muchas ganas!

Dennis Smith nos adentra en una historia de dolor, resistencia y amor, construida sobre la memoria de un pasado que sigue interpelando el presente. La obra, basada en Desaparecida dos veces, el libro de no ficción de Teresa Donato que se publicará este año, es un ejercicio de reconstrucción personal y colectiva, donde un hijo escucha, por primera vez, la verdad que su madre calló durante décadas.

Smith no solo coescribe y dirige la obra, sino que asume el enorme desafío de ser el único actor en escena. Y lo hace con una entrega conmovedora. A través de su interpretación, encarna al hijo que intenta comprender el pasado de su madre y también a todos los personajes que habitan esa historia: la joven militante que se ve obligada a huir, un padre que nunca conocio, una abuela que hizo lo que pudo…. en fin…. preguntas sin respuestas, y sombras de un tiempo marcado por la persecución y el exilio. Su despliegue actoral es notable: con mínimos recursos y una expresividad arrolladora, logra dar vida a cada voz con matices precisos, permitiendo que el peso del relato se sostenga con naturalidad y profundidad.

Uno de los elementos que lo utilizan y muy bien en la puesta en escena es la iluminación. Lejos de ser un mero acompañamiento visual, la luz se convierte en un lenguaje en sí mismo. Acentúa momentos de tensión, baña de calidez los instantes de ternura y refuerza el dramatismo cuando el relato lo exige. Junto con la música, que matiza y atraviesa el espectáculo , crea un clima envolvente que nos permite vivir la historia con todos los sentidos.

Mi vida anterior no solo es un homenaje a quienes han debido callar para sobrevivir, sino también una invitación a escuchar, a comprender y a abrazar esas historias que, aunque duelan, nos forman y nos transforman. Dennis sos inmenso y emocionas.

Esta obra nos recuerda que el teatro es, ante todo, un espacio de encuentro con la verdad. Una experiencia que, sin dudas, deja huella.

Quedan pocas funciones y pocas entradas

Santos Dumont 4040 (mapa)
Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Web: http://instagram/dumont4040
Entrada: $ 18.000,00 – Lunes – 21:30 hs – Hasta el 03/03/2025
Entrada: $ 18.000,00 – Miércoles – 20:00 hs – Del 26/02/2025 al 05/03/2025
Entrada: $ 18.000,00 – Sábado – 22:30 hs – 08/03/2025

QUIERO DECIR TE AMO

El amor como un lenguaje propio, como una construcción literaria y como una pasión que trasciende los límites de lo posible. Esa parece ser la premisa de Quiero decir te amo, la obra de Mariano Tenconi Blanco que regresa al escenario en una nueva versión, con las actuaciones de Violeta Urtizberea y Lucía Adúriz. Sin duda , la pieza es un homenaje a la palabra, al deseo y a la escritura como un vehículo de existencia.

La historia es, en apariencia, sencilla: una mujer se enamora de un hombre al verlo actuar heroicamente en un accidente y decide escribirle cartas de amor. Sin saberlo, la esposa de ese hombre las intercepta y responde en su nombre. Lo que comienza como un juego de suplantaciones se convierte en un relato de pasiones desbordadas y revelaciones íntimas.

El montaje de Tenconi Blanco no solo explora el amor romántico, sino que ahonda en la capacidad del lenguaje de moldear la realidad y de dar sentido a lo inasible. Con su estilo poético y su manejo de la narración epistolar, la obra recuerda la tradición de los relatos de amores imposibles, pero con un giro contemporáneo que interpela a la audiencia sobre el deseo, la ficción y la identidad.

Violeta Urtizberea y Lucía Adúriz son piezas claves para sostener esta hora y cuarto construyendo una química potente en escena, sus interpretaciones oscilan entre la ternura y la desesperación. Urtizberea, con su sensibilidad y precisión, da vida a una enamorada que convierte sus sentimientos en literatura, una preciosura!; mientras que Adúriz aporta una intensidad dramática que equilibra la ecuación (sos tan histrionica que tu voz y tu cuerpo se conectan al instante con el personaje) logrando que el personaje de la esposa no sea un mero antagonista, sino una figura compleja y contradictoria.

La puesta en escena es minimalista pero efectiva: el diseño lumínico y el juego de espacios resaltan la intimidad del intercambio epistolar, creando una atmósfera que acompaña la intensidad de los diálogos. La inclusion de un piano en vivo de la mano de Ian Shifres suma a los vaivenes de la obra

La dirección de Tenconi Blanco apuesta por lo sensorial y lo poético, dejando que la fuerza del texto y la interpretación de las actrices sean el eje del montaje.

Una carta de amor al teatro y a la escritura

Quiero decir te amo no solo es una obra sobre el amor, sino sobre el poder de la palabra para construirlo y sostenerlo. La pregunta es : ¿se ama a la persona o a la idea que creamos de ella? En tiempos donde la comunicación parece volverse efímera, la obra recupera el valor de la carta, de la espera y del lenguaje como un refugio.

Teatro Picadero
Pasaje Enrique Santos Discépolo 1857, CABA. Funciones: Viernes 22h y Sábados 18h hasta el 1 de
marzo. Entradas $23.000 por Plateanet y en la boletería del teatro.