Veinte años después de que Lilo & Stitch irrumpiera en la pantalla grande con su mezcla de ternura, humor y una visión poco convencional sobre la familia, Disney apuesta una vez más a la nostalgia con una nueva versión live action que actualiza la historia para las nuevas generaciones sin perder de vista a sus fanáticos de siempre.

El corazón de la película sigue siendo Lilo, interpretada aquí con carisma y naturalidad por Maia Kealoha. La niña mantiene ese aire de incomprendida que la volvió icónica: ama a Elvis, habla con muñecos rotos y no encaja en los moldes sociales. A su lado, Stitch cobra vida gracias a la tecnología CGI, en una versión más suavizada del monstruo que alguna vez destruyó San Francisco en miniatura. Si bien su diseño ha generado controversia entre fans, su personalidad intacta y la química con Lilo despejan dudas.

La película conserva el entorno hawaiano, y lo convierte en algo más que un telón de fondo exótico. La cultura local, la música tradicional y el respeto por el «ohana» (familia) son pilares narrativos que se refuerzan con sensibilidad y sin caer en el cliché. El tratamiento de Nani, la hermana mayor de Lilo, también gana profundidad: aquí es menos caricaturesca y más cercana a una joven real intentando sostener un hogar quebrado.

Donde la película encuentra su mayor fortaleza es en su costado emocional. La relación entre Lilo y Stitch sigue funcionando como un espejo de lo que significa amar incluso lo que no comprendemos. Sin embargo, hay decisiones narrativas que buscan suavizar los aspectos más oscuros del filme original: la crudeza del duelo, la pobreza y la amenaza constante de separación familiar se diluyen a favor de un tono más amable, probablemente buscando agradar a un público más amplio.

La nueva Lilo & Stitch no busca reinventar la rueda, sino aferrarse al espíritu de una historia que ya demostró su potencia emocional. Con sus ajustes estéticos y narrativos, esta versión logra conmover, entretener y, por momentos, hacer reír. Es, ante todo, un recordatorio de que ohana significa familia, y que la verdadera familia puede encontrarse en los lugares más inesperados. Me gusto mucho. Vayan a verla!

El telón del Teatro Coliseo se alzó para revivir la llama de una leyenda: “Sandro, el Gran Show” no es solo una obra musical, es una conexion a flor de piel de la pasión, el ritmo y el carisma irrepetible de Roberto Sánchez. Bajo la dirección escénica de Ana Sans y Julio Panno, y la dirección musical de José Luis “Pepe” Pagán, este tributo vibrante logra algo más que homenajear: reencarna.

Desde la primera nota hasta el último acorde, el espectáculo invita al público a un recorrido emocional por los grandes éxitos del Gitano. Con una banda en vivo impecable y un cuerpo de baile cargado de energía, el show construye un universo visual y sonoro que mantiene vivo el espíritu del ídolo. Las interpretaciones de Alan Madanes, Nacho Pérez Cortés, Sofía Val y Malena Rossi logran conmover sin caer en la imitación, con un respeto profundo por el artista y su legado.

Momentos como “Rosa, Rosa”, “Tengo” o “Penumbras” no solo arrancaron ovaciones sino también suspiros y lágrimas de emoción entre los presentes. Hay una búsqueda de autenticidad que se nota en cada detalle, desde el vestuario (tan perfectamente impecable y simetrico) hasta la iluminación( aplausos ) pasando por los arreglos musicales que equilibran lo clásico con lo renovado.

El Coliseo, cargado de historia sandrista, se convierte aquí en un personaje más. No es casualidad que esta sala, donde Sandro brilló en los años 80 y filmó parte de su última película, sea el epicentro del homenaje. Hay algo mágico en esa elección, una suerte de justicia poética que potencia la nostalgia del espectáculo.

“Este homenaje, justo en el año en que Roberto hubiera celebrado sus 80 años, es increíble”, dijo conmovida la viuda del cantante,Olga Garaventa.

“Sandro, el Gran Show” no pretende reemplazar al mito ni mucho menos sino recordarlo… porque el gitano sigue latiendo en el corazón del público. Un espectáculo visualmente deslumbrante, emotivo en su narrativa y poderoso en su ejecución. Una celebración a la altura de quien fue —y sigue siendo— uno de los íconos más queridos de la música popular argentina.

Funciones:

Teatro Coliseo MarceloT. de Alvear 1125
Jueves a sábados, 21 h. Domingos, 20 h.
Entradas disponibles por Ticketek.

La séptima entrega de Misión: Imposible, titulada Sentencia Final, no se anda con rodeos: entrega lo que promete y más. Tres horas de pura adrenalina que funcionan como un gran espectáculo cinematográfico, pero también como una carta de amor (y despedida) a una de las franquicias más icónicas del cine de acción moderno.

Ethan Hunt y su equipo del FMI enfrentan su desafío más complejo hasta la fecha: detener a La Entidad, una inteligencia artificial fuera de control que amenaza con desatar un colapso global. En una carrera contrarreloj que los lleva por las principales capitales del mundo y hasta el Polo Norte, deberán evitar que esta tecnología avanzada caiga en manos equivocadas. Mientras el futuro de la humanidad pende de un hilo, Hunt se enfrenta no solo a un enemigo invisible, sino también a sus propios límites.

Tom Cruise, a sus 60 años, vuelve a demostrar que no tiene rival cuando se trata de arriesgar el cuerpo por el espectáculo. Corre, salta, nada, pilota, bucea, pelea y sufre en carne propia cada escena. Hay algo casi sobrehumano —y, a la vez, profundamente humano— en su entrega física. La anécdota del rodaje, en la que casi colapsa por el viento en una escena aérea, no hace más que subrayar su mística de héroe incansable. Y si bien el personaje de Ethan Hunt siempre fue el centro, esta entrega lo muestra más vulnerable y reflexivo, quizás como un eco del propio Cruise diciendo adiós.

La película despliega un recorrido casi turístico por grandes capitales europeas y hasta el Polo Norte, como si quisiera visitar todos los escenarios posibles antes de cerrar el telón. Hay un aire de homenaje en cada secuencia, no solo a la propia franquicia, sino al cine de acción clásico, a las películas de espías y al thriller tecnológico.

El guion, se da espacio para reflexionar sobre las implicancias del avance tecnológico sin frenar el vértigo narrativo. Y la música de cumple con creces su misión de potenciar cada escena, tensar cada persecución y elevar cada sacrificio.

Mision Imposible Sentencia Final : es un buen cierre emocional. Y si bien deja cabos sueltos para una posible continuación o spin-off, se siente como el adiós definitivo de Ethan Hunt. Una despedida digna, a la altura de un personaje que redefinió lo que puede ser un héroe de acción en el siglo XXI. Le crees que no vuelve? Te leo

En La Desgracia, el musical, el escenario se convierte en un pueblo tan ficticio como reconocible: Terranova, donde una enfermedad de transmisión sexual y un crimen misterioso desatan una catarata de hipocresía, represión y deseo. Pero lejos de ser un drama denso, la obra apuesta —y gana— por una farsa desopilante que no da respiro, impulsada por un elenco brillante y una dirección afilada.

Desde el primer acorde, la puesta se siente distinta: la música no solo acompaña, sino que construye carácter, contexto y ritmo. Las canciones revelan mucho más que lo que los personajes se atreven a decir; son confesiones envueltas en melodías que van del pop al tango, del himno religioso a la balada más kitsch, sin perder jamás la coherencia estilística ni la inteligencia dramática.

El libro —ácido, agudo, provocador— juega con los clichés de los pueblos chicos, los secretos grandes y el peso del qué dirán. La intendente, la hija pecadora, el médico salvador, la enfermera psicotica, el pastor fanático: todos estereotipos que se rompen y reconstruyen en clave de humor negro, con una mordacidad que recuerda a lo mejor de Reefer Madness o incluso a la irreverencia de South Park, pero con una sensibilidad propia, anclada en la idiosincrasia local.

El elenco es, sencillamente, espectacular. Cada intérprete domina no solo el canto y la actuación, sino el tempo cómico y el dramatismo paródico que exige la obra. La dirección —dinámica, precisa— sostiene un ritmo vertiginoso sin perder jamás el control, y hace brillar a cada personaje en su justa medida.

La Desgracia es, sin exagerar, uno de los mejores musicales que se pueden ver hoy en Buenos Aires. Una obra que se anima a decir cosas incómodas, que se ríe de todo y de todos, y que, en esa risa, también conmueve. Porque detrás del absurdo, late una verdad incómoda: que a veces la verdadera desgracia no es la enfermedad, sino la represión, la culpa y el miedo al deseo.

La vi 3 veces, desde El Galpon de Guevara, hasta el Paseo La Plaza, con diferentes figuras… y siempre aplaudi, DE PIE.

Una joya musical que combina sátira, suspenso y emoción con una potencia poco vista en el teatro local.

Imperdible.

Los martes 20.45en el PASEO LA PLAZA