Ridley Scott regresa con la esperada secuela de Gladiador, una película que se presenta como una épica de acción pura, entregándose al espectáculo y dejando de lado las complejidades emocionales y sociales que hicieron de su predecesora un clásico moderno. En esta entrega, el cineasta explota al máximo los avances tecnológicos para potenciar las secuencias de acción y las batallas,dejando una experiencia visualmente interesante, aunque narrativamente más ligera.

La película tiene un objetivo claro: ENTRETENER. No van a ver una pelicula de culto….Y lo cumple con creces. Desde los combates brutales en la arena hasta las escenas de guerra masivas, Gladiador 2 sabe mantener al espectador al borde del asiento, ofreciendo un festín de adrenalina.

Paul Mescal, como Lucius, entrega una actuación convincente, su personaje carece de la profundidad y complejidad emocional que definieron a su predecesor. Lucius es más temperamental e impulsivo, un joven que se encuentra en proceso de transformación.

Por otro lado, Denzel Washington es quien realmente brilla en esta entrega. Su interpretación de Macrinus es magnética: un personaje ambiguo, sarcástico y lleno de matices que domina cada escena en la que aparece. Con su presencia física y su impecable control del diálogo, Washington eleva la película

La cinematografía es uno de los puntos más destacados de Gladiador 2. Desde la imponente batalla naval hasta la confrontación final entre dos ejércitos, Scott demuestra su maestría para crear imágenes épicas que quedarán grabadas en la memoria del espectador.

Gladiador 2 te regala un espectáculo visual y un vehículo de entretenimiento eficaz, donde el pochoclo y la gaseosa van a estar a la orden del dia. Si si son dos horas y media pero se pasan rapido, por el entretenimiento que despliega en la parte visual e historica.

Una pelicula ideal para quienes buscan acción y espectáculo, a divertirse

Con el regreso de la célebre actriz Cecilia Roth al teatro porteño, «La Madre», obra del dramaturgo francés Florian Zeller, cobra una intensidad particular en el escenario del Teatro Picadero. Bajo la dirección de Andrea Garrote, Roth se adentra en el papel de Anne, una madre atrapada en el dolor del vacío y en la confusión de una maternidad que la devora desde adentro.

La historia de «La Madre» gira en torno a Anne, quien ha dedicado su vida entera a su hijo, Nicolás, y que ahora, ante su partida, se enfrenta a un profundo sentido de desarraigo y pérdida de identidad. Roth retrata este vacío existencial con gran precisión, logrando que el público se sumerja en sus pensamientos más oscuros y en sus crisis emocionales más agudas. Su interpretación se convierte en el pilar de la obra, mostrando con cada gesto y palabra el deterioro de una mujer que siente que ha perdido su propósito. Anne, es una madre pero principalmente es una mujer que se cuestiona su vida y su cordura, que sufre y se consume en un desamparo que sobrepasa el entendimiento.

La puesta en escena de Garrote respalda esta interpretación con una atmósfera opresiva que resalta el drama interno del personaje. La escenografía y la iluminación contribuyen a ese ambiente de soledad y encierro, convirtiendo el hogar de Anne en una suerte de prisión emocional. El elenco, compuesto por Gustavo Garzón, Martín Slipak y Victoria Baldomir, aporta dinamismo y apoyo a la intensidad de Roth, especialmente en las interacciones familiares que reflejan, de manera profunda y brutal, los conflictos y vacíos de Anne.

«La Madre» interpela de forma directa los conceptos de amor, maternidad y vacío. La vulnerabilidad que Cecilia Roth imprime al personaje deja en evidencia la fragilidad de Anne y plantea la pregunta central: ¿puede una madre amar demasiado? La obra, en su conjunto, ofrece una visión oscura de una maternidad llevada al extremo, que se convierte en un espejo para el espectador y una experiencia catártica gracias al extraordinario trabajo de Roth.

Este regreso de Roth a las tablas con «La Madre» confirma su talento y su capacidad para encarnar personajes complejos y emocionalmente desgarradores. La obra, sin duda, merece la atención de aquellos que buscan una experiencia teatral profunda y reflexiva sobre los límites del amor y la identidad personal.

La podes ver en el Teatro Picadero Pasajes Discepolo 1857 CABA

Jueves a domingo

Dirigida por Jake Kasdan
Protagonizada por Dwayne Johnson y Chris Evans

La comedia de acción Código: Traje Rojo trae una entretenida propuesta para la temporada navideña que año a año se adelanta un poquito mas, donde combina el espíritu de la Navidad con la adrenalina de un thriller de alto octanaje. Dirigida por Jake Kasdan, quien ya tiene un probado historial con Dwayne Johnson desde la revitalización de Jumanji, esta cinta se presenta como una de esas apuestas para toda la familia, con dosis de acción, humor y una inyección de espíritu festivo. Johnson interpreta al «Jefe de Seguridad del Polo Norte», quien debe rescatar a Santa Claus, alias Red One, tras un secuestro internacional que amenaza con sabotear la Navidad. Para ello, se une al «cazarrecompensas más infame del mundo», interpretado por Chris Evans.

uno de los puntos fuertes de la película es, sin duda, la química entre sus protagonistas. Johnson y Evans logran crear una dinámica cómica y de acción que oscila entre la rivalidad y el compañerismo forzado, con momentos que sacan una sonrisa y otros que aprovechan al máximo la presencia física y el carisma de ambos actores. La dirección de Kasdan sabe equilibrar estos elementos, aunque mantiene un tono ligero sin caer en lo infantil, algo que hace que la película sea accesible para todas las edades sin perder el interés de los adultos.

Visualmente, Código: Traje Rojo ofrece un despliegue de escenarios y secuencias que llevan al público de un rincón del mundo al otro, usando al Polo Norte como una especie de «cuartel general de espionaje». Este enfoque convierte a la Navidad en un campo de batalla global en una misión con la que los protagonistas deben enfrentarse a enemigos ingeniosos y obstáculos dignos de una película de acción. La fotografía y el diseño de producción logran crear un ambiente a medio camino entre la fantasía navideña y una cinta de agentes secretos, lo cual resulta entretenido y diferente.

Sin embargo, la película no es perfecta. El guion, aunque lleno de humor, a veces parece más centrado en crear momentos cómicos entre Johnson y Evans que en desarrollar una trama convincente. Hay instancias donde las situaciones se vuelven predecibles o el tono cambia abruptamente, dificultando que el espectador se sumerja por completo en la historia. Por momentos, la película abusa de las referencias culturales, lo que podría alejar a algunos espectadores que buscan algo menos saturado de «guiños» contemporáneos.

Mas alla de esto, codigo traje rojo es una propuesta entretenida y visualmente atractiva que sabe cómo aprovechar el magnetismo de sus actores principales para ofrecer una historia navideña diferente, llena de acción y con el toque de humor que caracteriza a Kasdan. Aunque quizás no sea la obra maestra de la temporada, se gana su lugar en la lista de las películas para ver en familia en Navidad, gracias a una fórmula que combina humor, acción y una historia que apela al espíritu festivo de una manera original.

Cuántos querés que te amen, escrita por Miguel Ángel Cárcano y María Inés González y dirigida por Sebastián Pajoni,se presenta todos los miercoles en el Teatro Picadilly .Una comedia dramática que sigue las complejas relaciones entre tres personajes: Marta, Pilar y Manuel, quienes cohabitan en una habitación de hotel mientras enfrentan el dilema de lo que los une y lo que los separa. La trama profundiza en temas de amor y conexión en un contexto que invita a reflexionar sobre el poliamor y la poligamia, y la manera en que cada personaje busca satisfacer su necesidad de pertenencia y afecto.

Celeste Muriega en el rol de Marta,una amante fogos y a su vez sufrida realiza con naturalidad su interpretacion. Su personaje está lleno de contradicciones y un humor que le permite conectar con el público de manera cercana y divertida. Christian Sancho, en el papel de Manuel, presenta una figura atrapada entre sus deseos personales y las expectativas sociales, destacándose por su intensidad y Melina González, como Pilar, ofrece una interpretación sensible y profunda, aportando equilibrio a la historia y creando un espacio para la introspección.

La dirección de Pajoni consigue crear una atmósfera íntima en el escenario, donde cada interacción parece genuina y permite que el espectador se sumerja en la trama sin esfuerzo. Los diálogos están cargados de humor y tensiones, y fluyen con una agilidad que mantiene el interés en cada escena. La puesta en escena es sencilla pero efectiva, permitiendo que los actores sean el centro de atención y que los temas de amor y deseo se desplieguen con sutileza.

Cuántos querés que te amen es una obra que te invita a refliexionar sobre las diferentes maneras de amar y de entender la fidelidad y el compromiso.

MIERCOLES DE NOVIEMBRE TEATRO PICADILLY AV. CORRIENTES 1524 CABA

La obra escrita por Mónica Salvador y presentada en el Teatro Belisario, ofrece una inmersión en las complejas relaciones familiares con un toque de humor y un trasfondo dramático que resuena en varios momentos . La historia sigue a Sofía Del Mar, una ex diva del cine y la televisión, que, con su personalidad excéntrica y obsesión por la belleza, domina la vida de sus hijas y del fiel mayordomo Edmundo, interpretado por un elenco destacado que da vida y dinamismo a esta historia.

Eduardo Solá, en el papel de Sofía, despliega una actuación magnética, combinando glamour con cinismo de una madre exigente y narcisista. Su interpretación se convierte en el corazón de la obra, generando un personaje entrañable y detestable a la vez.

Las hijas, Victoria y Soledad, interpretadas respectivamente por Judith Gabbani y la propia autora, Mónica Salvador, configuran un dúo en contraste perfecto. Mientras Victoria se esfuerza por seguir los rígidos estándares de su madre, Soledad es la rebelde que desafía todo lo que representa Sofía, aportando un tono humorístico que raya en lo grotesco. Esta oposición entre las dos hermanas genera algunos de los momentos más divertidos de la obra, además de reflejar un conflicto intergeneracional que muchos pueden reconocer.

El personaje de Edmundo, el mayordomo leal interpretado por Manuel Bello, es el pegamento de esta historia. Su papel, aunque silencioso en muchos aspectos, proporciona un soporte emocional al drama familiar. Bello aporta una sensibilidad especial al personaje, que observa y modera las tensiones, funcionando casi como un símbolo del amor que, en el fondo, une a esta peculiar familia.

«Hay Que Darle el Gusto a Mamá» es una obra que explora con inteligencia y humor temas universales: el amor familiar, las expectativas sociales y los sacrificios personales. Con un desenlace sorpresivo y una narrativa que invita a la reflexión, deja al público con la inevitable pregunta: ¿Hasta qué punto estamos dispuestos a sacrificar nuestra identidad por el amor y las expectativas familiares?