La posibilidad de la eterna juventud está al alcance de la mano. Con un nuevo producto, denominado la sustancia, la vida de cualquier persona mejoraría sustancialmente. ¿Alguna vez has soñado una versión mejor de ti misma? Entonces, debes probar la sustancia. De esta forma, puedes generar otra versión de ti misma. Una versión mejorada: más joven, más bella, más perfecta. Solo tienes que compartir tu tiempo con esta nueva figura. Una semana para ti, otra semana para ella en un equilibrio perfecto de siete días. Parece fácil. Solo es necesario seguir las instrucciones. Claro que es inevitable pensar en las contraindicaciones. ¿Qué podría salir mal?
Los que saben dicen que le valdria una nominacion al Oscar a Demi Moore…sera asi?
En su 12ª temporada, «Si Mon Dieu», el espectáculo de improvisación dirigido por Marcos Rauch, sigue demostrando por qué ha logrado consolidarse como un auténtico show de culto. A lo largo de más de una década, este formato único ha mantenido la frescura y la capacidad de sorprender tanto a nuevos espectadores como a los que ya son fieles seguidores.
Lo que destaca a «Si Mon Dieu» dentro del universo de la improvisación es la integración dinámica de todos sus elementos. No solo es un espectáculo donde los actores interactúan y se adaptan con destreza a las propuestas del público, sino que el director, Rauch, improvisa en vivo junto a ellos, aportando un toque de maestría que eleva la experiencia a otro nivel. Esta interacción directa con el público genera una sensación de complicidad única, donde los espectadores no solo observan, sino que se sienten parte esencial de cada escena.
La música en vivo, a cargo de Juan Ignacio López, suma otro nivel de improvisación que complementa perfectamente la acción. López no solo acompaña, sino que marca ritmos, intensidades y transiciones, jugando con los actores de manera fluida.
El elenco actual, compuesto por Federico Yernazian, Tomi Capano, Camilo Cuello Vitale, Paolo Sambrini y Enriqueta Chouhy, demuestra una química notable. Cada uno aporta su estilo personal, pero la capacidad de trabajo en equipo es lo que realmente deslumbra. Se mueven con agilidad por el escenario, adaptándose a las consignas del público, siempre con humor, rapidez mental y sin perder la naturalidad.
«Si Mon Dieu» tiene humor y creatividad, donde lo inesperado es la única certeza. Queda claro por qué, tras 12 temporadas, sigue siendo un éxito indiscutido. Para los amantes de la improvisación y para aquellos que buscan una propuesta diferente, es una cita imperdible en la emblemática Calle Corrientes.
Teatro Metropolitan (Av. Corrientes 1343, CABA) y las entradas se pueden adquirir en el teatro o Plateanet.
«Romper la Pared» estreno finalmente en la plataforma Netflix. Una serie documental de tres partes que se sumerge en la vida y la carrera de Ángel Di María, uno de los futbolistas más destacados de la Selección Argentina. La serie ofrece una mirada íntima y profunda, mostrando tanto al atleta como al hombre detrás de los logros. Di María no solo es el talentoso jugador que fue clave en las victorias de Argentina en la Copa América y el Mundial, sino tambien el individuo que ha enfrentado sacrificios y frustraciones a lo largo de su carrera.
La narrativa comienza con sus orígenes humildes en Argentina, su madre, sus hermanas, su padre, contando los dimes y diretes que debieron atravesar ,con un tono emocional que es imposible no tirar las primeras lagrimas . A lo largo de los episodios, se exploran momentos de dificultad personal y profesional, destacando la perseverancia que le permitió no solo superar las adversidades, sino también consolidarse como uno de los grandes del fútbol mundial. El enfoque no se limita a los triunfos en el campo, sino que también muestra el impacto que su carrera ha tenido en su familia y su entorno más cercano. Su mujer y sus hijas fueron un sosten para el sin duda.
Uno de los aspectos más atractivos de la serie es el acceso exclusivo a entrevistas con importantes figuras del fútbol mundial, como Lionel Messi, Neymar Jr., Sergio Ramos y José Mourinho, quienes aportan valiosas perspectivas sobre la influencia y el legado de Di María. Además, la producción se despliega en una diversidad de locaciones que simbolizan los diferentes momentos de su carrera: desde Argentina hasta Madrid, Lisboa y Manchester, lo que añade una capa visual de gran atractivo.
La dirección utiliza imágenes inéditas y momentos personales que pocas veces se ven en documentales de este tipo. Desde las conversaciones con su familia hasta las reflexiones de Di María sobre los momentos más difíciles, la serie captura la vulnerabilidad del deportista, equilibrando sus logros con las dificultades que ha enfrentado, como lesiones o críticas (y vaya que lo han defenestrado a Angel…)
«Romper la Pared» esta bien editada y ofrece una experiencia visual atractiva que combina momentos íntimos con escenas de sus hazañas en el campo de juego (que LINDO es verlo brillar en la cancha por favor!!). La narrativa fluye de manera envolvente, manteniendo el interés tanto de los fanáticos del fútbol o como yo que me gusta ver la historia humana de lucha y superación.
«Romper la Pared» es más que un homenaje a un gran jugador: es un relato emotivo y completo sobre la resiliencia, la perseverancia y el sacrificio que requieren las grandes victorias, dentro y fuera de la cancha.
Dirigida por Daniela Völker, La sombra del comandante es un documental profundamente conmovedor y perturbador que nos invita a reflexionar sobre las sombras que la historia deja en las generaciones posteriores. La película se centra en Hans Jürgen Höss, hijo de Rudolf Höss, el comandante del campo de concentración de Auschwitz, y cómo, a sus 87 años, comienza a enfrentar el legado de horror que dejó su padre.
La fuerza de este documental radica en su enfoque íntimo y humano. A diferencia de muchas producciones sobre el Holocausto que se centran en las víctimas o los perpetradores directos, Völker explora el impacto emocional y psicológico que el legado de un genocida puede tener en sus descendientes. Hans Jürgen nunca tuvo relación cercana con su padre, pero la carga de la culpa, el remordimiento y la responsabilidad colectiva lo ha perseguido durante toda su vida. El filme es un retrato doloroso del esfuerzo por reconciliarse con una historia que, aunque no fue propia, lo marca indeleblemente.
El encuentro entre Hans Jürgen y una sobreviviente del Holocausto, que forma el núcleo del documental, es el punto culminante. Este encuentro no es solo simbólico, sino una colisión de mundos separados por el horror de la guerra, donde el hijo de un perpetrador busca, de alguna manera, redención frente a una sobreviviente. La incomodidad palpable, las emociones contenidas y las palabras no dichas llenan la pantalla, creando un momento cinematográfico poderoso que resuena mucho más allá de la pantalla.
El documental se entrelaza con la historia de Zona de interés (2023), dirigida por Jonathan Glazer, lo que añade una capa adicional de profundidad y contexto a las complejidades morales que se exploran. Aunque Zona de interés utiliza la ficción para abordar los mismos temas, La sombra del comandante opta por una aproximación documental que nos sumerge en la realidad de los hechos y las consecuencias emocionales que perduran.
A nivel técnico, la dirección de Völker es sobria pero eficaz. No hay extravagancias visuales, lo que permite que el peso emocional de la historia se desarrolle con naturalidad. La música y el sonido, aunque discretos, se suman a la tensión creciente conforme Hans Jürgen se enfrenta a su pasado familiar.
Es una película que no busca ofrecer respuestas fáciles, sino que desafía al espectador a reflexionar sobre las heridas que la historia deja en los corazones de los que, aunque inocentes, cargan con el peso de los crímenes de sus ancestros.
No hables con extraños, dirigida por James Watkins, ofrece una experiencia de suspenso psicológico que no decepciona. Inspirada en la película danesa Gæsterne (2022), la trama nos presenta a la familia Dalton, compuesta por Louise (Mackenzie Davis), Ben (Scoot McNairy) y su hija Agnes (Alix West Lefler), quienes aceptan la invitación de una familia británica a pasar el fin de semana en su lujosa finca. Lo que comienza como una escapada idílica pronto se transforma en un juego psicológico retorcido.
James McAvoy brilla en su interpretación de Paddy, el dueño de la finca, quien desde el principio irradia una hospitalidad inquietante, siendo al mismo tiempo encantador y amenazante. Su personaje es clave para crear esa atmósfera densa y perturbadora que impregna todo el filme. Junto a él, Aisling Franciosi como Ciara, su enigmática esposa, y el debutante Daniel Hough como su hijo mudo Ant, completan un elenco que se siente tan desconcertante como intrigante.
Las tensiones entre ambas familias van escalando lentamente, en una narrativa que se siente casi orgánica, hasta desembocar en un clímax lleno de giros inesperados y oscuridad.Realmente la peli en ciertos momentos es incomoda pero cumple su objetivo
Si bien el guión no se aparta mucho de los clichés del género, No hables con extraños mantiene al espectador atrapado gracias a la dirección atmosférica de Watkins y a la poderosa actuación de McAvoy.
No hables con extraños es para el fandom de las pelis de terror psicologico.
«Parlamento» es la sexta entrega de Piel de Lava, el grupo teatral conformado por las talentosas actrices Elisa Carricajo, Pilar Gamboa, Laura Paredes y Valeria Correa. Presentada en el teatro Picadero, esta obra es una poderosa reflexión sobre los discursos políticos, la alienación y el rol de las mujeres en un mundo en crisis.
Con una puesta en escena que desafía los límites entre la realidad y la distopía, la trama nos sitúa en un futuro incierto. Las protagonistas son diputadas que, desde una nave espacial que las protege del caos y la destrucción en la Tierra, discuten, votan leyes y se sumergen en rituales performáticos. Mientras la Tierra arde abajo, estas mujeres orbitan el planeta, desconectadas de lo que alguna vez fue su hogar.
La obra aborda con mordacidad y lucidez los ciclos incesantes y vacíos de la retórica política. Las actrices de Piel de Lava nos invitan a reflexionar sobre la desconexión entre el poder y la realidad, y cómo las emociones se utilizan en ese contexto.Hay humor, crítica y melancolía, «Parlamento» explora cómo el debate político puede perder su sentido cuando se aleja demasiado de las urgencias reales. A ellas se suma Zypce, intérprete que aporta con sus instrumentos no convencionales y su voz buenos momentos a Parlamento.
El talento actoral del cuarteto brilla en todo momento. Con gran destreza, las intérpretes transitan entre lo absurdo y lo solemne, ofreciendo momentos de intensa emotividad y otros de risa incómoda. La obra, además, no es solo una crítica, sino una exploración estética, jugando con los símbolos y los rituales del poder, mientras que la escenografía minimalista y la iluminación (fabulosa) generan una atmósfera de aislamiento y fragilidad.
«Parlamento» es audaz y profundamente actual, que cuestiona las dinámicas políticas y sociales desde una perspectiva femenina y satírica. Piel de Lava, una vez más, demuestra su capacidad para crear experiencias teatrales únicas, donde lo humano y lo político se encuentran en un terreno inestable, pero cargado de sentido. Todo parecido con la realidad es «pura coincidencia». VAYAN!
MARTES 20.30 TEATRO PICADERO Pasaje Santos Discepolo 1857 (mapa) Capital Federal – Buenos Aires – Argentina
Matar a Mamá, con libro de Laura Oliva y dirección de Paula Ransenberg, presenta una trama cargada de reflexiones sobre las relaciones familiares. La obra, protagonizada por Florencia Raggi, Inés Estévez y María Rosa Fugazot, narra la confrontación entre dos hermanas y su madre en el contexto de una inesperada fama en redes sociales.
El espectáculo transcurre en un departamento sencillo, donde Dolores (Florencia Raggi), una mujer soltera y sin empleo, invita a su hermana María (Inés Estévez) para compartir un sorprendente descubrimiento: su madre viuda (interpretada por Fugazot) se ha convertido en una estrella del stand-up comedy en youtube, con monólogos centrados en las propias hijas. Este giro inesperado, que juega con la ironía de que ninguna de las dos maneja el mundo digital, desata una serie de encuentros llenos de tensiones, risas y desencuentros.
La actuación de Raggi como Dolores resalta por su vulnerabilidad y sarcasmo, mientras que Estévez logra transmitir el contraste de María, una mujer estructurada y algo distante. Por su parte, Fugazot brilla en su papel de la madre transformada en comediante viral, aportando carisma y un toque irreverente que da cuerpo al conflicto central.
El texto de Oliva es ingenioso y hábil al abordar temas contemporáneos como el impacto de las redes sociales y la exposición pública, además de tratar cuestiones atemporales como la percepción de los otros y la fragilidad de los vínculos familiares. El uso del humor es eficaz para aligerar el drama inherente a la trama, manteniendo al espectador entretenido sin perder la profundidad emocional.
La dirección de Ransenberg es precisa, logrando equilibrar las tensiones y los momentos de alivio cómico, y construyendo un ritmo dinámico que mantiene la atención del público. La obra también es una reflexión sobre la percepción de los demás, en especial cuando las figuras que deberían ser las más cercanas —como una madre— se revelan humanas, con opiniones e imperfecciones como cualquier otra persona.
Matar a Mamá es simple, corta y al hueso. Es disfrutable: combina humor y drama de manera eficaz. Tres actrices, tres generaciones que se unen en un texto piola y con un lindo mensaje
Viernes a Domingo Teatro Politeama Paraná 353, AAG, Buenos Aires,
Entre el viernes 27 y el lunes 30 de septiembre de 2024, se celebrará por primera vez en Buenos Aires el FEED DOG ARGENTINA, Festival Internacional de Cine Documental sobre Moda, en el Cine Atlas Alcorta. Este evento, que nació en Barcelona y se ha expandido a ciudades como Ciudad de México, Madrid y San Pablo, trae a la gran pantalla una cuidada selección de seis documentales que exploran la moda como fenómeno cultural.
La programación incluye «Quant», que relata la influencia de Mary Quant en los años 60; «Mi Última Condena. Ana de Pombo», sobre la vida de la musa de Coco Chanel; y «Azzedine Alaia, The Couturier Who Shaped Women», que destaca el legado del diseñador franco-tunecino. Otros títulos como «The Story of a Panty and of Those Who Make It», «Last Stop Coney Island» y «Jacquemus, Le Prince Soleil» abordan desde la industria textil hasta la fotografía y las pasarelas modernas, mostrando la diversidad del universo de la moda.
El festival se presenta bajo el lema Fashion on the Big Screen, celebrando la moda desde perspectivas históricas, sociológicas y estéticas.
Alice by Heart», dirigida por Julio Panno, es una obra que no solo nos transporta al mundo mágico de Lewis Carroll, sino que también nos invita a reflexionar sobre la resiliencia y el poder del amor en tiempos de crisis. Este musical, que tiene lugar en la Sala Pablo Neruda del Paseo La Plaza, es una fusión perfecta de fantasía y realidad, con actuaciones sobresalientes que hacen vibrar a la audiencia desde el primer momento.
Agostina Becco, en el papel de Alicia, entrega una interpretación conmovedora y llena de matices. Su capacidad para transmitir la vulnerabilidad y la fortaleza de su personaje es realmente notable. Micaela Romano, como la enfermera que se convierte en antagonista y catalizadora del conflicto en la famosa Reina del cuento , ofrece una actuación cargada de intensidad y sutileza, creando un contraste perfecto con la inocencia de Alicia.
Ángel Hernández, en el rol de Luli y la Duquesa, aporta una profunda humanidad al escenario. Su química con Becco es palpable, y juntos logran que la audiencia sienta el dolor y el amor que comparten sus personajes, en medio de un contexto de guerra y represión.
El resto del elenco también merece una mención especial, ya que cada uno de ellos encarna a los personajes icónicos de la obra de Carroll con un toque único y fresco. El Conejo Blanco (Valentin Zanelli),el gato (Sofia Val ),la oruga( Julian Rubino) , cobran vida con una energía desbordante y una precisión que hace que cada escena sea memorable.
La dirección de Julio Panno es clave para que «Alice by Heart» funcione tan bien en todos sus aspectos. Su visión logra equilibrar el humor y el dolor, llevando al público por un viaje emocional profundo sin perder el encanto de la fantasía. La utilización del absurdo no solo como un recurso cómico, sino también como una herramienta para explorar temas más oscuros, es un acierto que se destaca a lo largo de la obra.
La música en vivo es otro de los puntos fuertes de esta producción. No solo acompaña las escenas, sino que las eleva, creando atmósferas que nos sumergen por completo en el universo de Alicia. Cada nota está perfectamente sincronizada con las emociones de los personajes, lo que añade una capa extra de profundidad a la narrativa.
«Alice by Heart» te va a sorprender para bien. Al principio pensas que vas a ver algo mas naif pero los primeros 15 minutos son cruciales para saber que en los momentos más oscuros, la fantasía y el amor pueden ser un refugio.
Sala: Pablo Neruda (Paseo La Plaza), Av. Corrientes 1660. Funciones: viernes y sábados a las 19:30, domingos a las 19. Duración: 100 minutos
Llega Respira la nueva propuesta de Netflix, creada por Carlos Montero, nos sumerge en el crudo y complicado mundo de la sanidad pública española, donde las historias humanas y los dilemas éticos se entrelazan con una precisión casi quirúrgica.
La trama gira en torno a un hospital público de Valencia, el Hospital Joaquín Sorolla, y pone en el centro a uno de sus residentes, atrapado en una red de burocracia, falta de recursos y un estrés que se torna insostenible. El catalizador de la historia es la llegada de una dirigente política en medio de una feroz huelga, que pone de relieve las profundas grietas en el sistema de salud. Con este escenario, Respira no sólo se propone contar una historia, sino también encender un debate social sobre la situación de la salud pública.
Carlos Montero, conocido por el éxito de Élite, demuestra su versatilidad al cambiar radicalmente de tono y contenido. Si en su anterior trabajo los conflictos adolescentes dominaban la escena, aquí nos encontramos con una narrativa adulta y seria, con un ritmo vertiginoso que no da respiro (valga la redundancia) al espectador. La puesta en escena es hiperrealista, algo que se agradece en un género que a menudo tiende al dramatismo exagerado. Los pasillos del hospital, las conversaciones entre médicos agotados y las decisiones difíciles bajo presión están filmados con una crudeza que impacta y genera una conexión inmediata.
El elenco esta integrado por Najwa Nimri, Aitana Sánchez-Gijón, Blanca Suárez, Manu Ríos y Borja Luna. Cada uno aporta interpretaciones que logran transmitir la tensión y la desesperanza que reina en un hospital al borde del colapso, donde cada decisión puede tener consecuencias catastróficas.
Respira se destaca también por la veracidad a la hora de tocar temas como la gestión pública de la salud, la ética médica y la presión sobre los profesionales de la salud en un sistema a punto de quebrar. Lejos de la frivolidad de otras series médicas como Grey’s Anatomy o E.R. Emergencias, esta producción española opta por un enfoque más realista y comprometido.
Son ocho episodios de 40 a 50 minutos, y le pongo unas fichas a que puede ser una buena opcion para ver lo que , tal vez, pensamos que solo pasa en nuestra ARgentina hermos y sin embargo no es asi.
Sin duda, una propuesta que merece ser vista y discutida. Despues contame si te gusto
Marcela Godoy Espectáculos 