Las que gritan llegó al Teatro Metropólitan con una propuesta que combina humor, sensibilidad y pequeñas sacudidas emotivas. Escrita por José María del Castillo y Antonio Rincón Cano, en versión de Manuel y Sofía González Gil, esta comedia sobre mujeres que se animan a gritarle a la vida para empezar a vivir de verdad logra conectar con el público desde el primer momento.

La historia se centra en una madre y sus tres hijas que decide pasar un fin de semana con ellas porque «la vida es finita» y apremia….Cuatro mujeres que comparten frustraciones, silencios y una noticia que lo cambiará todo— se cuenta con ritmo, inteligencia y una honestidad que alterna lo absurdo con lo profundamente humano.

Laura Novoa brilla con una actuación que va de lo tragicómico a lo tierno, sosteniendo a su personaje con verdad y fuerza escénica. Eugenia Guerty, por su parte, es una de las sorpresas más graciosas de la noche: su timing cómico y su presencia desenfadada generan carcajadas genuinas sin caer en lo obvio. Julia Zenko aporta una calidez delicada como la madre que convoca a sus hijas: su voz y su modo de estar en escena le dan un núcleo afectivo a la obra que pocas producciones consiguen con tanta naturalidad.

La dirección de Manuel González Gil mantiene el equilibrio entre lo hilarante y lo reflexivo; el tono de la puesta invita a reírse con la vida sin perder de vista la complejidad de los vínculos familiares.

La única nota fuera de lugar es la canción final: aunque bien interpretada, el número se siente un poco desligado del pulso íntimo que venía marcando la obra.

Las que gritan es una comedia sensible, bien actuada y divertida, con algunos ajustes (le sacaria la cancion final, ya se cuenta todo en la hora y minutos largos que dura) se convierte en una opción para las noches de sábado y domingo en el Metropólitan.

Teatro Metropólitan — Corrientes 1343, CABA
📅 Funciones: sábados 23:00 / domingos 21:00
🎟️ Entradas:www.plateanet.com o boletería del teatro

Song Sung Blue apuesta a la emoción íntima antes que al espectáculo, y encuentra su mayor fortaleza en el trabajo sensible de Hugh Jackman y Kate Hudson, que construyen una historia de amor atravesada por la música como refugio, como identidad y como forma de sobrevivir cuando todo lo demás se derrumba. Inspirada en hechos reales, la película recrea la vida de Mike y Claire Sardina, una pareja de Wisconsin que se volvió famosa en el circuito local por su banda tributo a Neil Diamond, mostrando no solo el brillo de los escenarios sino también las fragilidades personales que sostienen esa pasión .

Jackman compone a Mike desde un lugar profundamente humano: un hombre (ex alcoholico) y la necesidad de reinventarse, que encuentra en la música una segunda oportunidad. Su actuación no busca el lucimiento fácil sino la verdad emocional, y cada interpretación sobre el escenario funciona como una extensión de su conflicto interno . Hudson, como Claire, es el motor emocional del relato: intensa, vulnerable y resiliente, aporta capas de sensibilidad que evitan que el personaje caiga en el cliché. Su desempeño combina fuerza dramática y musical con una naturalidad que sostiene toda la película .

La química entre ambos es uno de los grandes logros del film: hay conexión real, ternura y una sensación constante de compañerismo que convierte a la pareja en el corazón del relato. No es una historia de celebridades ni de éxito rimbombante, sino de artistas anónimos que encuentran sentido en interpretar canciones ajenas mientras reconstruyen sus propias vidas .

Craig Brewer dirige con sensibilidad, evitando el artificio típico del biopic musical para enfocarse en los pequeños gestos, en los silencios y en los momentos donde la música aparece como único lenguaje posible. La película crece cuando se concentra en lo humano y se vuelve más irregular cuando intenta extender ciertos pasajes dramáticos, pero nunca pierde honestidad emocional .

Más que un musical tradicional, Song Sung Blue funciona como un tributo a los soñadores cotidianos, a quienes encuentran en el arte una forma de redención. Es emotiva, sincera y sostenida por dos protagonistas que logran que la pantalla respire verdad. Preparen pañuelos, es bella.

Al final, los datos clave:
Dirección: Craig Brewer
Protagonistas: Hugh Jackman (Mike Sardina), Kate Hudson (Claire Sardina)
Basada en: documental Song Sung Blue (2008) sobre la banda tributo Lightning & Thunder
Género: drama musical biográfico
Duración aproximada: 132 minutos
Música original: Scott Bomar
Fotografía: Amy Vincent

Marty Supremo se apoya en una historia ambientada en la Nueva York de los años 50 para construir un relato tan atípico como magnético. Dirigida por Josh Safdie, quien también coescribe el guion junto a Ronald Bronstein, la película toma como «inspiración libre» la figura del legendario jugador de tenis de mesa Marty Reisman y la transforma en una fábula sobre ambición, el ego y el deseo de trascender.

Timothée Chalamet encarna a Marty Mauser, un vendedor de zapatos obsesionado con convertirse en el mejor jugador de ping-pong del mundo, en un contexto donde ese deporte es subestimado y ridiculizado. El actor sostiene el film con una interpretación intensa y física, cargada de contradicciones, que lo muestra vulnerable y arrogante a la vez. A su lado, Gwyneth Paltrow aporta solidez y presencia en un rol clave(sutil pero lindo), acompañada por un elenco ecléctico que incluye a Odessa A’zion, Tyler, the Creator, Kevin O’Leary y cameos sorprendentes.

La puesta en escena es uno de los grandes aciertos del film. La fotografía recrea una ciudad áspera y nocturna, mientras que la música refuerza (desde aphaville hasta tears for fears) el clima obsesivo que atraviesa toda la narración. Safdie combina momentos de gran despliegue visual con escenas íntimas, donde el foco está puesto en los gestos, las miradas y los silencios del protagonista.

Lejos de ser una biopic convencional, Marty Supremo se permite licencias narrativas y estéticas que la acercan más a una parábola sobre el precio del éxito que a un retrato fiel de época. No busca héroes perfectos ni finales complacientes: apuesta por personajes incómodos, decisiones cuestionables y una tensión constante entre el talento y la autodestrucción.

En materia de premios, Marty Supremo ha tenido impacto en la temporada de galardones. Timothée Chalamet obtuvo el Golden Globe® a Mejor Actor en Película – Musical o Comedia por su papel de Marty Mauser, su primer Globo de Oro tras varias nominaciones previas en su carrera. Además, ganó el premio a Mejor Actor en los Critics Choice Awards 2026, consolidando su interpretación como una de las más destacadas de la temporada. La película también fue nominada al Globo de Oro a Mejor Película – Musical o Comedia y a Mejor Guion, aunque no se llevó esos trofeos.

Con una duración cercana a las dos horas y media, la película exige atención, pero recompensa con una experiencia intensa y personal. Marty Supremo confirma a Josh Safdie como una de las miradas más singulares del cine actual y consolida a Chalamet en un registro adulto y desafiante, en una historia que va mucho más allá del deporte para hablar de identidad, obsesión y deseo de grandeza.

La 83ª edición de los Premios Globos de Oro se celebró en el Beverly Hilton de Los Ángeles y volvió a marcar el pulso inicial de la temporada de premios en Hollywood. Con Nikki Glaser como anfitriona, la ceremonia fue extensa pero dejó en claro cuáles son las producciones que pisan fuerte de cara a los Oscar 2026, con especial protagonismo tanto en cine como en televisión.

En el rubro cinematográfico, la gran ganadora de la noche fue Una batalla tras otra, que se impuso como Mejor película musical o comedia y sumó además los premios a Mejor dirección y Mejor guion para Paul Thomas Anderson, consolidándose como uno de los títulos más celebrados del año. En la categoría de drama, la elegida fue Hamnet, una propuesta sensible y poética que sorprendió al quedarse con el premio mayor.

Las actuaciones también tuvieron momentos destacados. Jessie Buckley fue reconocida como Mejor actriz dramática por su trabajo en Hamnet, mientras que Wagner Moura ganó el Globo de Oro a Mejor actor en drama por El agente secreto, un logro histórico que marcó un fuerte impacto para el cine brasileño. En comedia o musical, los premios de actuación fueron para Rose Byrne por If I Had Legs I’d Kick You y Timothée Chalamet por Marty Supreme, confirmando el buen momento de ambos intérpretes.

En televisión, la gran protagonista fue Adolescencia, que arrasó en su categoría y se convirtió en uno de los fenómenos de la noche, llevándose el reconocimiento a Mejor miniserie y varios premios actorales para su elenco. También se destacaron The Pitt, elegida como Mejor serie dramática, y The Studio, que ganó como Mejor serie de comedia o musical, con menciones especiales para figuras como Noah Wyle, Jean Smart y Seth Rogen.

Más allá de los premios, la gala dejó la sensación de un recambio generacional en Hollywood, con nuevas figuras ganando protagonismo frente a nombres consagrados. Así, los Globos de Oro 2026 no solo premiaron lo mejor del año, sino que también marcaron tendencias claras de cara a lo que se espera en la próxima entrega de los Premios Oscar.

Mar del Plata se prepara para convertirse en el escenario de una de las propuestas más vibrantes del verano 2026: “Love Up!”, una experiencia inmersiva e interactiva que combina arte, tecnología y entretenimiento en un recorrido sensorial pensado para grandes y chicos.

Desde el 18 de diciembre hasta el 5 de abril, el imponente Gran Hotel Provincial abrirá sus puertas a visitantes y locales curiosos que deseen perderse —literalmente— entre mundos coloridos y salas temáticas llenas de sorpresas.

En total son 17 espacios únicos donde la creatividad y lo lúdico se mezclan: desde túneles de luz y estructuras inflables hasta zonas interactivas con realidad virtual y una piscina transparente con más de 120.000 pelotas que ya se perfila como el lugar estrella para fotos y diversión.

Algunas de las atracciones destacadas incluyen:
✨ El Túnel de las Medusas
🌈 El mágico Reino Fungi
🪞 Una impresionante sala de espejos
🚀 Y la Ola de Luz, con más de 1.100 lámparas suspendidas que crean un paisaje visual único.

Además, para esta edición se suman novedades exclusivas como el Jardín de los Corazones Luminosos, espectáculos de video mapping y globos voladores, elementos pensados para sorprender aún a quienes ya conocen experiencias inmersivas.

Con una calificación promedio de 4.5 estrellas según las opiniones de los visitantes, “Love Up!” promete convertirse en uno de los planes favoritos de la temporada en la ciudad balnearia.

📍 Dónde: Gran Hotel Provincial, Mar del Plata
📅 Cuándo: hasta el 5 de abril de 2026
🎫 Ideal para: familias, turistas y amantes de las experiencias sensoriales

¿Un tip? ¡Lleva tu cámara y ganas de sorprenderte! Este verano porteño viene con color, luz y mucha creatividad en cada sala.

El Teatro Picadero vuelve a apostar por una Navidad con arte y emoción: lanzó su propuesta “Regalá Teatro”, un sistema de vouchers pensado para regalar —o autoregalarse— una experiencia cultural en cualquier momento del verano.

La iniciativa permite adquirir un voucher que equivale a una entrada para cualquier espectáculo que se presente en la sala del Picadero hasta el 31 de marzo de 2026. La única condición es que la función esté a la venta dentro de la programación vigente.

La mecánica es simple:
El canje se realiza únicamente en la boletería del teatro, donde el comprador recibe su entrada física para la función elegida. El voucher puede canjearse desde siete días antes de la fecha de la función, incluso el mismo día.

Otro dato clave para tener en cuenta: el valor de la entrada al momento del canje no modifica el valor del voucher, lo que lo convierte en un regalo práctico, flexible y sin sorpresas.

Además, no hay límite de compra: cada persona puede adquirir todos los vouchers que desee, perfectos para regalar en las Fiestas, cumpleaños, aniversarios o simplemente para incentivar esas salidas teatrales que siempre quedan pendientes.

Con esta propuesta, el Picadero reafirma su compromiso de acercar el teatro al público y convertir cada ocasión en una oportunidad para celebrar con cultura.

El Teatro Colón anunció su Temporada 2026 y, una vez más, el primer coliseo porteño vuelve a poner la vara altísima con una programación que combina tradición, innovación y figuras de nivel internacional.

La agenda del año incluye 7 títulos líricos, 3 de Ópera de Cámara, 8 producciones del Ballet Estable, un fuerte calendario sinfónico y el regreso más esperado: la Berliner Philharmoniker, que vuelve al escenario del Colón después de 26 años para ofrecer tres conciertos bajo la dirección de Kirill Petrenko, con Daniil Trifonov como solista.

Ópera: de Wagner al estreno mundial de Oscar Strasnoy

La temporada lírica llega recargada. Habrá retorno de Wagner con Die Walküre y reposición del celebrado Les contes d’Hoffmann de Offenbach, con la puesta de Eugenio Zanetti.
La creación contemporánea dirá presente con el estreno mundial de Dementia, obra del compositor argentino Oscar Strasnoy, comisionada por el Colón.
La tradición italiana se desplegará con I Capuleti e i Montecchi (Bellini), Manon Lescaut (Puccini, en versión concierto), Pagliacci (Leoncavallo), Cavalleria rusticana (Mascagni) —encargada de inaugurar la temporada en abril con dirección escénica de Hugo de Ana— y una monumental Otello de Verdi.

Ópera de Cámara

El ciclo presentará tres obras clave del siglo XX: La historia del soldado de Stravinsky, La ópera de los tres centavos de Weill y Brecht, y Otra vuelta de tuerca de Britten.

Ballet: Marianela Nuñez abre y cierra el año

Bajo la dirección de Julio Bocca, el Ballet Estable ofrecerá ocho títulos, entre reposiciones, estrenos argentinos y un estreno mundial.
La estrella internacional Marianela Nuñez será protagonista del inicio y del cierre de la temporada:

• Marzo: El lago de los cisnes, versión de Raúl Candal.
• Diciembre: El cascanueces, con coreografía de Silvia Bazilis.

Entre los destacados aparecen el estreno argentino de Alicia en el país de las maravillas de Christopher Wheeldon y el estreno mundial de Borges, creación comisionada a Goyo Montero con música de Gustavo Santaolalla y Owen Belton.

Sinfónico: 80 años de la Filarmónica

La Orquesta Filarmónica de Buenos Aires celebrará su 80º aniversario con 19 conciertos de abono y 8 extraordinarios, bajo la dirección de su titular Zoe Zeniodi.
La Orquesta Estable, dirigida por Alejo Pérez, sumará un ciclo propio de tres presentaciones además de su actividad en ópera y ballet.

La Orquesta Académica del Instituto Superior de Arte completará la oferta con 8 conciertos entre marzo y diciembre.

Colón Contemporáneo y CETC

El ciclo Colón Contemporáneo abrirá con la proyección de Blade Runner con música interpretada en vivo y presentará cinco estrenos latinoamericanos de obras de los siglos XX y XXI.
El CETC desplegará una temporada multidisciplinaria con 12 propuestas que abarcan danza, música electrónica y electroacústica, cine experimental, conferencias, teatro y performance.

Propuestas para las infancias

El Colón para niños incluirá cinco títulos entre óperas y ballets, con versiones adaptadas de El barbero de Sevilla y El lago de los cisnes, micro-óperas inspiradas en autores argentinos y el cierre mágico con Un sueño navideño.

Salón Dorado y ciclos especiales

El Salón Dorado programará once ejes temáticos que recorrerán música coral, tango, jazz, cámara y homenajes a grandes maestros argentinos.
Además, regresan coproducciones como Grandes Intérpretes y [Aura], y se suman nuevas experiencias del ciclo Colón Inmersivo, entre ellas Monet y Aida, junto a la obra Astor, Piazzolla eterno.

Abonos 2026

La renovación de abonos comienza el 12 de diciembre, presencialmente con turno previo o de manera online a través de la web oficial del Teatro Colón.

El Teatro Colón abre sus puertas a una experiencia artística inédita: “Monet Inmersivo”, una propuesta que combina alta tecnología, artes visuales y narrativa sensorial para adentrarse como nunca antes en el mundo del padre del impresionismo. La muestra podrá visitarse del 15 de diciembre al 18 de febrero, todos los días de 10 a 20, en el Centro de Experimentación del Teatro Colón, con entradas ya disponibles a través de Ticketek.

La instalación invita a vivir una especie de sueño: caminar dentro de las obras de Claude Monet. Proyecciones de 180 grados, animaciones que expanden los límites del lienzo tradicional, música envolvente y una narración que recorre la vida y obra del célebre artista francés conforman un viaje multisensorial pensado para todo público.

Además del espectáculo visual, el recorrido ofrece decorados inspirados en los cuadros más emblemáticos de Monet —perfectos para capturar fotos—, cascos de realidad virtual, réplicas de sus obras, espacios con explicaciones para profundizar en su legado y sectores creativos con mesas de dibujo y salas de proyección. La experiencia propone entrar en un universo contemplativo que fusiona tradición, innovación y emoción.

Tras conquistar millones de visitantes alrededor del mundo, esta revolución digital desembarca por primera vez en el Colón, redimensionando la forma de vincularse con el arte clásico en plena era tecnológica.

“Monet Inmersivo” promete ser una de las grandes atracciones culturales del verano porteño. Una invitación a despertar los sentidos y ser parte de una obra maestra en movimiento.

Entradas por E-Ticket adultos $35.000 menores de 14 $30.000

La nueva película de Noah Baumbach, Jay Kelly, llega envuelta en grandes expectativas y se convierte desde su estreno en Netflix en una de las propuestas más comentadas de la temporada. Si bien ya tuvo su estreno en cine, hay mucho publico que se ha volcado a plataformas para ver pelicuals. La historia sigue el viaje por Europa de Jay Kelly (George Clooney), una estrella que, junto a su fiel manager Ron (Adam Sandler), se ve obligada a enfrentar el resultado de sus decisiones, el peso de sus vínculos y el legado que dejará. Baumbach, con su sensibilidad habitual, combina humor, melancolía y crisis existenciales en un relato que utiliza la gira como metáfora del desgaste emocional de la fama.

El gran atractivo del film está, sin duda, en las actuaciones. Clooney ofrece una de sus interpretaciones más sólidas y vulnerables, lejos del estereotipo de galán clásico(aunque hay algunas tomas que destila facha….). Su Jay Kelly es un hombre quebrado, introspectivo, HUMANO que revisa su vida con cierta crudeza. La película incorpora incluso fragmentos de su filmografía real, un recurso que potencia el impacto emocional y que el propio actor confesó que lo conmocionó al verse confrontado con su pasado.

Por su parte, Sandler aporta una actuación contenida y profundamente humana. Lejos de la vanalida de Su Ron funciona como contrapeso y sostén, un manager que conoce a su estrella en su versión más auténtica y que aporta matices que enriquecen la historia. Es uno de esos trabajos dramáticos de Sandler que lo alejan del registro humorístico y lo ubican en un terreno donde se luce con gran naturalidad.

Si bien la película puede sentirse algo cargada en su estructura, con varios temas compitiendo por igual —crisis personal, vínculos, culpa, redención, carrera, fama y su costo—, esa amplitud también forma parte de su ambición narrativa. Baumbach intenta abarcar la complejidad de una vida pública que se desmorona desde adentro, y en ese intento ofrece escenas de gran sensibilidad.

La estética cuidada, la fotografía de Linus Sandgren y la música de Nicholas Britell acompañan con precisión una historia donde el brillo del éxito contrasta con el vacío de las decisiones no resueltas. Jay Kelly ya empezó a sonar en la conversación de premios, especialmente gracias al trabajo de Clooney y Sandler, que podrían terminar entre los nombres destacados de la temporada.

Un poco mas de dos horas para un film íntimo, elegante y emocionalmente honesto, que muestra a sus dos protagonistas en un momento interpretativo loable y que, sin estridencias, se posiciona como una de las propuestas más interesantes del año.

Contame que te parecio .

El próximo jueves 11 de diciembre a las 20:30, el Teatro Coliseo será escenario de un homenaje único: Piazzolla Sinfónico, un concierto que promete atravesar generaciones y emocionar con la fuerza incomparable del legado de Astor Piazzolla. La velada reunirá a figuras emblemáticas del tango, músicos de excelencia y una sonoridad sinfónica creada especialmente para esta ocasión.

El espectáculo contará con la presencia estelar de Raúl Lavié, ícono absoluto del género y una voz que marcó época. Su vínculo artístico con Piazzolla es parte viva de la historia: compartieron escenario en los años ’70 y ’80, y el propio Astor llegó a definirlo como “la voz de Buenos Aires”. A su lado, brillará Milagros Amud, reciente finalista de La Voz Argentina , una de las jóvenes artistas con mayor proyección dentro de la escena actual.

Ambos estarán acompañados por La Orquesta Académica del Teatro Colón, dirigida por Juan Miceli, un prestigioso ensamble que desde hace tres décadas forma a los talentos más destacados del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón. Su sonido será clave para dar vida a las obras más emblemáticas del maestro Piazzolla en formato sinfónico.

La propuesta suma además la participación de dos nombres esenciales dentro de las nuevas generaciones:

• Nicolás Guerschberg, pianista, compositor y referente del multipremiado Escalandrum, a cargo de los arreglos musicales.
• Federico Santisteban, uno de los bandoneonistas más sobresalientes de la escena actual, quien asumirá el desafío de recrear las interpretaciones del propio Astor.

Piazzolla Sinfónico invita a vivir una noche dedicada a un creador eterno, combinando la potencia orquestal, la frescura de nuevas voces y el espíritu del tango en su máxima expresión.

Lugar: Teatro Coliseo – M. T. de Alvear 1125, CABA
Entradas: a la venta a través de Ticketek.